小人物工作坊-巷尾畫室

【聊美術教學 ‧ 基礎啟蒙】

接下來幾週，我打算以美術教學的幾個大方向寫一系列的內容，暫定標題分別為：「基礎啟蒙」、「升學訓練」、「成人興趣/進修」跟「兒美引導」，會將兒美放在最後一篇是因為前兩週才在談兒美，實在沒有很想讓大家對巷尾畫室的印象直接連結兒童美術，所以請容許我將兒美主題放到最後。

使用的圖片以前都貼過了，不過老朋友可能已忘，新朋友應該不會往前翻，所以請容我在圖片上偷個懶~🫠，這幾篇的內容主要還是著重在文字。

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開頭先說，每個美術老師都有他們自己對「美術基礎」的見解與「教學目標」。

我對美術基礎的解釋為「從事相關產業必須具備的能力」。教學目標則是「讓學生超越同年齡時期的自己」。

當然因為每個孩子的特質與開始學習的年齡不同，因此我的教學目標並無法成功實踐在每個學生身上，不過我認為那是每個教學者都需要有的自我要求，畢竟教學嘛~就是要讓學生少走一些我們自己走過的歪路不是嗎？

另外要強調，這個時代不要再保持著「我的孩子不會念書，所以讓他學畫畫以後還有個一技之長」這種心態，AI只會將過去許多美工相關的工作全部都吃掉，我也沒辦法預知未來，因此我比較傾向所有人都將「美術」或「藝術」當成能與自己的人生並行的伴侶培養，或許有一天面對絕望與失落時，祂們能成為強大的精神支柱。

回到「基礎」，我的解釋為「從事相關產業必須具備的能力」。

因此並不是素描要畫的多像，或水彩渲染如何洗練，這些比較偏技巧範疇的東西。

之所以我們還是常將素描、水彩視作畫室教學的基本款，是因為透過這兩個媒介我們可以直接練習到更接近美學核心但繁雜的一些基礎能力。

舉例來說，我們可以透過素描累積以下不同的觀察力
1. 立體輪廓
2. 空間關係
3. 明暗結構

不過目前因應教學與學習成本，大多畫室會改用照片臨摹的方式教學，如此一來「立體」與「空間」的培養便相對薄弱，與之替代的變為「平面輪廓」與「明暗關係」，如果單以平面來說，這種簡化確實可以提高學習效率，透過現代設備的輔助一樣能完成精美的作品，但卻閹割了人類視覺對空間感的掌控，這直接體現在現在很多繪畫能力很強的大學生做立體或雕塑卻非常吃力，無法呈現他在紙上的水準。

透過水彩能夠累積
1. 色調
2. 色相
3. 色感(這個詞算是美術教育中偏玄學的一部分，我個人比較傾向解讀成對顏色的品味與敏銳程度。)

不過如果不是為了考試，通常我反而不建議透過水彩來累積這三個能力的經驗，因為學習水彩還有個避不開的大難關─「控制水」。
(至於跟考試有關的內容請容我留到下一篇在娓娓道來。)



總而言之還是要再次強調，在當代如果還堅持基礎好=畫的好，而不透過繪畫去檢視學習者掌握的能力，那麼這樣的教學絕對是不合格的。通用的知識可以套用在任何載體，無論是媒材(鉛筆/炭筆/水彩...)還是軟體(Photoshop/Procreate/任何一款圖像生成AI)，都只是達成畫面/目的的一種手段。



我接手過繪畫面臨瓶頸的學生(之前有學過後來才被我教到)最常出現的問題是「形不準」，這個原因可能有很多，除了天生視知覺較弱外，也可能是過去練習時老師並沒有特別要求。

畢竟在很長的一段時間，畫的不像反而會被當作個人特色來鼓勵。

如果要當「藝術家」，家裡的底夠厚，那當然可以自由發展，創作者本人開心，身邊有資源幫他做好行銷，未來成就就看市場的反應。

「形不準」常常被連結到「基礎不紮實」。

如果我把「打基礎」比喻成料理，就算是理想的名廚也是要先能夠穩定每道菜的品質，再進一步到發揮個人特色。

再者，今天如果一個拉奏樂器的普通人只會不斷地發出噪音，通常會有人出聲制止，不會有人說：「那是他的風格。」唱死腔的歌手如果沒有技巧根本嘶吼不到出道聲帶就被他玩完了。

畫畫當然也是同理。我覺得吧，之所以某些人作飯像噴，可怕的音樂演奏或演唱都比繪畫更容易遭受批評，那是因為上述的專業只要做壞，會直接衝擊到我們的嗅、味、聽覺，但一張不符合我們喜好的畫，我們只要撇過頭不看就好了🙂👍

「形不準」通常直接連結的就是「看不到」，或是腦袋根本沒能力處理這個複雜程度的圖像，就像講話不標準的人，通常可能連帶有聽知覺的問題。

它是結果，不是原因。

所以並不是形不準所以畫不好，而是看不到所以畫不好。我遇到這類學生的時候，通常不是在教「怎麼畫」，而是在教「怎麼看」。

因為畫不出來的人不代表做不出好的選擇，但看不到的人絕對每次選擇都是在執硬幣。(前提是硬幣的兩面還有一面要是好的。)



那麼到底幾歲開始讓小朋友學「素描/基礎」才適合的呢？

我的建議是，不要低於10歲，普遍大約11、12歲左右，總之最理想的狀態是孩子已經明顯進入擬真期，開始主動模仿喜歡的圖片畫畫，但不要超過國中會考，個人經驗跨過國中考高中那次考試的孩子在想法會失去許多彈性，進步的幅度反而變慢了。

不過「水彩」就建議12歲以上再開始會比較理想，畢竟要控制軟筆，除非在更小的時候就練過書法，不然建議手部的發展更完整之後再開始。



由於當代藝術的發展，很多人在美術教育中會輕視基礎的重要性，畢竟如果只是要在大學考個美術相關科系，從無到有透過有規劃且精準的訓練大約2年就能拿個基本分，加上學科加權理論上都會有學校讀。

不過在我的認知裡，基礎不單單只是畫完一幅畫，而是掌握了構成一幅畫的相關知識，進而能將這些知識應用在其他領域。

在屬於基礎啟蒙的第一步，反而是重要的。



大致上就是這樣，美術的基礎啟蒙表面上每個老師教的不過就是素描、水彩...等基本款，不過著重點不同往往會讓孩子在未來發展產生極大的差異。

這個世界沒有絕對的對與錯，選擇不同罷了。

謝謝看到這裡的妳/你們🙏

「你鍾愛的是怎樣的景色？」

不知道為什麼這句話本週一直在我的腦海中迴盪🤔

不過其實也沒有人跟我說這句話，就是某天突然與被我擱置許久的雙人像一同浮現，然後就在腦海中揮之不去了。所以今天的這篇內容可能沒有什麼重點，就當是篇跟Meta交差的週記吧~

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上週跟兒美班孩子的家長聊到聰明的可量化與不可量化，我們的聊天內容主要是圍繞在能該如何正向教導高效學習的孩子跟富含豐沛想像力的孩子。(當然，是在孩子們不在的場合下，千萬不要在孩子面前討論他們，無論話題正面或負面都會讓孩子產生陰影。)

我們沒有答案，唯一能肯定的是避免限制，並讓他們感到開心。

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很多人都聽過的一句話：「想像力就是你的超能力！」

雖然這句話出自於雄獅美術的廣告，但有趣的是隨著年齡的增長，社會期望的想像力也是有高低之分，當社會需要你的「創意」是能產生產值，或是能解決特定問題的時候，恭喜你已經被當作一個成人了。

彷彿我們對「有創意」這件事情也有某種強烈的刻板印象。

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曾經我跟一個同業的朋友聊到：「教學者到底對學生有沒有責任？」

我的理解是，如果有個孩子從兒美啟蒙以來就是由我帶大的，那我會覺得對這個孩子應該要有點責任。

那位朋友說：「沒有喔，無論你教一個孩子多久，他都不會是你的責任。」
─可還是會擔心某天自己的消極會被學生發現並模仿啊...🫠

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曾經我也會自我懷疑，不認同並持續對主流藝術抱持懷疑與負面觀感的自己，適合教藝術嗎？

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必須承認自己終究還是群體的生物，我最高的快樂(幸福)便是來自於感受到協助的對象也喜歡他完成的作品，那個成就感甚至高於自己的作品受到讚美。
─自我成就源自於他人，或許正因如此我不適合成為藝術家，但當老師好像還不錯。

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幸福是什麼？

德行論：「要達到幸福，必須透過培養豐富的美德，並在生活中不斷實踐出來。」因此幸福可視作「一種活出卓越生命的動態活動」而非靜態終點，那麼如果我們把完成作品視為一種達到幸福的手段，作品沒做完是否可以一直追尋/幸福下去(?

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你鍾愛的是怎樣的景色？

人生中總有某個瞬間，突然覺得如果這一刻能夠成為永遠那該有多好。

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那麼你鍾愛的，又是怎樣的景色呢？

【聊聊兒美 ‧ 5歲前可以做什麼？】

在我的某些自我介紹裡會自豪的寫，只要關於美術我5歲到99歲都可以教，目前巷尾畫室的兒美年齡限制也是從五歲開始(5~10歲)，前陣子我的朋友圈中也在討論學齡前要給孩子安排哪些才藝？

作為一個教美(藝)術十幾年，教學經驗涵蓋基礎、升學、成人、兒美到藝術工作坊的創意引導，想來稍微分享自己的一些看法。

首先得講個前提，在我的認知中，這世界上不存在純天然的天才。

天才的產生一定會有其背景，他們可能是一些意外與巧合造成的結果，也可能是人為精妙計算下的產物。但更多時候是上述兩者兼具優秀決策所共同創造的。

我們偶爾會聽到一些故事，某位音樂家其實小時候曾因為聽力問題而送去做早療。原本為了趕上平均值而提早訓練反而創造出了天才。

這種故事我並不認為是傳說，這裡我想拿自己當例子。(雖然我在藝術圈並不是個有什麼特別成就的人。)

我的視力接近弱視，原本甚至是可以不用當兵的體位。(但因為體檢時帶著隱形眼鏡沒測出所以我還是去當了...)

我的近視是天生的，也就是說從出生以來就生活在一片模糊的世界中。但可能也因此為了辨別物體，我比一般人更用力地去看，因為我必須要靠輪廓中細微的特徵去判斷普通人一眼就能辨別的事物。也因為很早就帶著超厚的眼鏡，長時間透鏡畸變下我對環境的距離判斷可能更多是依靠觸覺。

因為先天面臨的這項困境，反而在後天積累了略高於同齡人的觀察力、觸感與對環境感知（空間感），也因此讓我有自信可以做出比一般人稍微突出的作品，在視覺有關的領域也能學得更快一些。(但身體協調性爛得要命，可能也是出自出生到青春期結束那段時間手眼根本沒有協調的機會。)

由於自己、同儕與周遭耳聞的一些案例，建構了我認為「學齡前教育超重要」的認知。

雖然如此，但我也反對家長為了將孩子塑造成特定模板而提早進行專業訓練。所以除了音樂以外，我個人並不認同在學齡前就給小孩補才藝這種行為。
(音樂例外的原因：人類大腦處理聽覺的神經路徑，發展最快速的時期便是3~6歲。)

有時候會有家長私訊：「如果5歲才能開始上兒美，但我家小孩真的很喜歡畫畫，那我能做什麼事？」

簡單的說，陪伴，陪他創作。(但我知道對現在的多數家庭來說真的超難。)

學齡前的孩子我個人認為比較重要的還是：
身體協調
感官探索
情感表達/控制
社會活動

其次才是想像力、精細動作、抽象思考...等

也就是說跟美術比較有關的能力培養在我的認知中反而是偏次要的部分，總而言之就是先能夠健康長大、有社交能力再說。

一幅畫不會因為作畫的人手比較穩就一定比較好，大多數被歸類在「天賦」的才能，都不是當代能否成為一個偉大藝術家的條件。

我比較建議讓學齡前的孩子先具備同齡人的心智發展與身體協調基礎，再發展所謂的「才藝」會比較健康。

當然如果你家的孩子該有的能力都超過了平均值，又表現出對「創造」的渴望，那除了給他紙筆外，也可以嘗試從各式積木、七巧板...等與涵蓋邏輯和排列組合有關的兒童玩具開始。

畫畫的時候，3歲以前可以先以基本的鉛筆為主，8~12基礎色的彩色筆作為輔助即可，4歲以後，色彩識別發育趨近完成，再添購更多顏色的蠟筆或色鉛筆讓孩子搭配應用並刺激視覺感官。

此外，著色本可以幫助孩子練習精細控制的能力，但使用的時間非常的短（約2.5~4歲）。個人認為屬於有幫助但不多的教材，可以透過家長畫，孩子著色之類的共同創作達成同樣的效果。

學齡前有幾項我非常推薦的親子互動活動：
● 讀繪本 - 無論家裡買、去圖書館還是誠品都可以，要能夠創造的前提是要先會看。
● 陪孩子自編故事 - 想像力、抽象思考與語言表達。

還有今天照片中的主題─摺紙。

很多人可能輕視了摺紙這項興趣，摺紙可訓練到的部分跟樂高很像。（但比樂高便宜還不用擔心弄丟零件🫠）

首先，無論孩子還是大人，初接觸摺紙的人都得先看得懂說明書，這就代表必須先練習到圖像閱讀與理解的能力，大約3~4歲孩子已經可以分辨出上、下、前、後之後，便可以透過紙上平面的圖像與手中的色紙對照關係產生空間與基礎的結構概念。

另外，摺紙還能訓練細心、專注，這是人的成長中時常需要的特質。簡單的造型就算紙張邊緣沒有對齊，兩角些微錯開，最後完成的差異可能不大，但越複雜的造型，一開始的瑕疵隨著後續步驟越到後面越會被放大。

一張小小的紙張，卻能讓摺紙人切身體悟到因果。(年近40的感嘆)

重點是這些給孩子的刺激與練習，絕對不要僅限於單一的目的性，而是盡可能在其它領域中也有所受用，不要急著馬上看到成果，才不會扼殺未來多元的可能。

以上，就是一個教美術的畫室老師，對學齡前關於美術啟蒙的一點淺見，如果有不同看法也歡迎交流~

謝謝看到這裡的妳/你們🙏

【小物製作 ‧ 海獺メイちゃん】

今天是日本鳥羽水族館的海獺明星メイ(May)的22歲生日。過去應該沒有提過，我也忘記是從哪一年開始，當知道鳥羽水族館的Youtube頻道有24小時的海獺水槽直播後，我便成為了偶爾會點開直播看一下メイ跟キラ(Kira)在做什麼的雲端粉絲。

對我而言，就算只能透過螢幕，看著海獺可以讓煩躁的心情平靜，看著兔猻則能脫離低潮感到開心。

4月底決定今年要做海獺，甚至為此畫了設計圖，原定要讓メイ抱著安全錐，甚至連組裝部分都已經完成了，5月8日下午突然看到鳥羽水族館發的公告，內容關於メイ因為年齡的緣故活動力下降，因此之後的餵食秀與訓練可能會再做調整。

公告網頁一度被塞爆，我也是透過X上其他人的截圖才看到內容的。

那一刻我看著手上即將完成的素體，總覺得好像少了些什麼，於是將已完成的上半身重新大改。

既然都花時間做了，那麼務必留下他們的可愛，我改了原定的動態，參考則換成了很久以前存下，飼育員石原先生與メイ同框的照片。(不過我照片都亂存，找不到原攝影師帳號😥)

可惜沒法在5/9メイ生日的這天完成，但也因為如此更不想做任何妥協。我想完成一件讓我能記得メイ跟其他海獺有什麼不同的小雕像🦦

寫這篇貼文的時候，順手又開了鳥羽水族館的海獺水槽直播，キラ的睡姿真的很糟，メイ則靜靜地縮在他常待的角落，雖然我們都知道不可能，但希望這段寧靜，能更長久一點🙏

謝謝看到這裡的妳/你們🙏

【微雷聊電影 ‧ 穿著Prada的惡魔2 ‧ 藝術與靈魂信仰的深刻吶喊】

我得承認今天就衝電影院純粹是一時興起，所以並沒有提前重新溫習第一部的劇情，不過可能是因為成長經歷，對我而言第二部反而比第一部更加深刻，想趕在腦容量還沒被其他東西淹沒前完成這篇文章，若寫得不好還請見諒🙏

20年前《穿著Prada的惡魔》上映時，我還只是一個剛考上大學的美術班畢業生，其實很難同理劇中安海瑟威飾演的小安所面臨的處境，加上對時尚圈毫不了解，因此對我來說，第一部就是個宛如奇觀的時尚圈大莊園，而我則是個真的懵懂無知的劉姥姥。

唯一印象只剩下那句：
「等你私生活全毀的時候記得告訴我，這表示你要升官了。」

20個冬夏交替改變了很多東西，如今我跟藝術這條道路若即若離，唯一不變的是，依然對時尚圈一竅不通。

然而劇裡劇外，我們都碰上了同樣的困境，速食媒體與AI。

這邊先插個題外話，預告剪的超強！

從第一個釋出的預告開始，《穿著Prada的惡魔2》的預告就有強烈的召喚第一部粉絲的味道，因此一開始其實我擔心第二部只是重新複製第一部的成功。

直到進了戲院才發現第二部的內容跟第一部大相逕庭，對我來說除了拓展視野外，對人物的描繪也更加深刻，同時該給粉絲的也都有給。(還是必須強調我是個對時尚一竅不通的藝術工作者，甚至不能算是第一部的粉絲，而這也是我對第二部產生極高評價的理由。)

標題寫「微雷」，因此這篇文章並不會闡述劇情的流程與細節，不過我打算從劇情整體的大方向去揣摩編劇們的心態，如果各位介意，請將這篇文章放在心裡，看完後歡迎回來一起討論~





既然都看到這裡了，要不是看過了電影就是不怕暴雷，那麼我就先提一個我在意的主題，也是唯一一個預告與原片相同的概念：
第一部的米蘭達是「神」，而第二部的米蘭達則透漏了更多身為「人」的樣貌。

最終預告所呈現的彷彿是米蘭達面臨某個嚴重的醜聞，而身為媒體人的小安成為拯救者前去提供幫助，然而實際上電影中他們的關係更像是互相拯救彼此。

一個是時尚媒體圈的權威，另一個則是獲獎肯定的媒體人。

然而他們同樣面對著時代最大的對手，快節奏的媒體傳播、科技發展與資本現實。

劇情中並沒有明確的指出好與壞，但我們仍能從許多細節去窺探編劇推崇的理想樣貌。

譬如說，小安為《Runway》寫的第一篇公關道歉信(為弭平劇情一開始的醜聞)，圈內評價極高，但觸及率極差，並沒有成功造成病毒式的散播。 (請原諒我剛看完電影就忘記Runway是不是被翻譯成伸展台...，只好用英文原文)

然而卻因為這篇文章令一位被劇中媒體圈譽為「聖杯」的人物接受了《Runway》的採訪。

彷彿編劇在這邊下了個隱語：「優秀的事物重點不在於被多少人看到，而在於被『誰』看到。」

然而危機卻總是接踵而至，全劇的最大危機，讓我們看到了米蘭達的脆弱，感受到了他的無力，見證米蘭達也是個凡人的時刻。

劇中有一個餐會，地點在米蘭大教堂的修道院食堂，場勘的第一幕先帶到了喬瓦尼·多納托·蒙托爾法諾的濕壁畫《受難》的局部。(不知道他是誰沒關係，就連我也是特別去查才知道的🫠)

而下個畫面，則是正對著《受難》的另一幅巨作，李奧納多·達文西的《最後的晚餐》。

在這一幕，米蘭達對小安說：「這個主題並不新穎，全世界有好幾張同樣主題的畫作，但只有這一張主角後腦沒被畫上光環。這是否代表，作者認為祂也只是個人呢？」（我淺薄的腦容量只能記得大概🫠）

而餐會的第一幕，米蘭達的位子正坐在《最後的晚餐》耶穌的正下方，這甚至不能稱是巧合，而是編導明白的呼應😂

然而電影中並沒有任何人(至少我沒有印象)被放在猶大的位子，這或許能代表編導們並沒有打算在這段劇情中設計明確的壞人。

不過有趣的是這幕中米蘭達特別前去對話的人，在《最後的晚餐》中對應的座位是Simon the Zealot，有關這位耶穌門徒的紀載非常的少，不過僅有的幾項其中有一個非常有趣，也可能對應到編劇想影射的某種形象，有興趣的朋友可以去查查看。

我會把《穿著Prada的惡魔》這類電影歸類成一種「成人童話」，同樣也包含《穿著Prada的惡魔2》，這類的電影永遠努力可以獲得回報，最終正義終將戰勝邪惡。

與所有童話故事一樣，《穿著Prada的惡魔2》也有一個傳統意義上的「好」結局。

不過如果從客觀的角度來看，危機之所以能解決仍是靠一個英雄颯爽登場。可能是自我帶入感太強，觀影的過程中我仍能感到身為局中人的無力感。

童話中總有英雄，離開影院後我們仍得面對現實。

我很喜歡劇中的一幕，當危機解決後，米蘭達與小安在車上對話的橋段。

對我來說重點不在兩人的對話，而是在他們移動的過程中，透過後擋風玻璃我們可以看到一台一台車陸陸續續的從他們的座車旁超車。

我想，這代表他們的節奏慢下來了，在整部充滿倉促節奏的電影中，這段談心反而跟整個空間敘事一起緩了下來。

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回到標題，為何我說《穿著Prada的惡魔2》是一場藝術與靈魂信仰的深刻吶喊？

讀過藝術史的人會知道，當藝術一成不變，會有前衛者帶起反動的浪潮，而守舊的人終究抵擋不住人們追求自由的渴望。

有稍微研究過流行文化或大眾藝術的人可能會知道，當新的藝術形式逐漸成為主流的時候，舊的學院派會起身反對，批評其為「不入流」的東西。

爵士樂興起的時候，音樂劇的學院教授奮起抵抗，搖滾樂發跡之時，鄉村民謠與之相對。然而一切都隨著時間的洪流退去，其中有一些最後則揉合成新的經典。

《穿著Prada的惡魔2》中不少人強調著藝術，強調著我們不能沒有靈魂，但除非手握更大資本的英雄出面拯救，劇中再才華洋溢的人也只能在被現實扼殺前決定這個包包還是側背最好。

過去的歷史，是「人」發起的革新。現在進行中的，傳統連自己的對手是什麼都不知道，有些人甚至不知道自己成為了傳統。

自從AI改變了設計產業的生態，我至今仍然無法找到自己與AI的平衡點。就算知道AI是很好的輔助工具，但現實就是他讓原本3~5的人的工作，縮短成只需要一個人就能完成。

多出來的那2~4個人，我們就不要了。這才是產業的現實。

AI有沒有可能讓東西做得更好更精緻？有，但現在我們要的是多、是快，因為花時間打磨的東西不一定會被看到，但如果密集地發100篇內容總有1、2篇有可能被演算法青睞。

殺死藝術跟設計的人不會是AI，而是想要降低成本的資方。

在這個過程當中，藝術扮演的角色是什麼？藝術的靈魂又是什麼？

好問題，其實我也不知道，不過或許我們可以一起想想🤔

最後，謝謝看到這裡的妳/妳們🙏

【學生習作 ‧ 臨摹 ‧ 戴珍珠耳環的少女】

各位相信，這幅戴珍珠耳環的少女僅是這位同學的第三張油畫嗎😆？

雖然總共花了不少時間，但只依靠我的同步示範，而非親手修改便能到達這個完成度絕對稱得上優秀~

繪畫教學總有三個爭論已久的問題：
1. 老師到底該不該示範？
2. 讓學生畫一樣的東西是對的嗎？
3. 老師能不能幫學生改畫？

先說，如果指的是兒美，那上面三個問題，我的答案都絕對是：「否。」

但如果是繪畫領域的基礎學習，那我的答案是：
1. 應該，但要逐步減少。
2. 看狀況。
3. 最好不要。

先講第一項，老師到底該不該示範？

回顧我還在當學生的那個年代有一件事情我總是想不通，就是：「為何那個年代的老師，會認為不用示範，學生就能夠自己研究出媒材的使用方法？」

舉個例子，由於求學時期我並沒有去過升學畫室，因此直到考完大學術科考試，當年的我依然不知道水彩的渲染法到底怎麼畫，那年我是靠研究畫冊與同學的圖自己研發出了縫合法，在考試時用縫合法縫完一張畫。

換成另一個學門，我們不會希望讀物理的學生得自己研究出牛頓運動定律或是愛因斯坦的e=mc2質能等價公式。但我們卻會希望畫畫的孩子，只要我們將畫材丟給他們，他們就能無師自通這點真的蠻莫名其妙的。

我認為吧，老師的示範重點不是要讓學生百分之一百模仿，而是要讓學生理解這些不同媒材的特性。

就像學語文我們至少要先知道發音，學音樂至少要先看得懂樂譜一樣，繪畫學習中的「示範」之所以會讓某些人詬病，那是因為教學者勿讓學習者將他們的示範當作了唯一的定律。

同理，延伸到第二個問題，讓學生都畫相同的東西是對的嗎？

雖然現在應該已經沒什麼人會練書法了，不過就像大家不會懷疑臨摹字帖是對是錯。

讓學生臨摹一幅畫的前提就跟練習書法一樣，都是建構在學生「還不會畫」(或還不會畫這個主題)，所以才會透過一個標準的模板來讓學生從過程中理解媒材的應用。

我認為「臨摹」之所以會沾染上汙名，也是因為有部分教學者會對學生聲稱臨摹也是一種創作方式。

前面兩點都明確指出，無論是示範還是臨摹在教學上都不是壞事，問題都是出在使用者(無論教學還是受教者)是否誤會這兩項的功能。

不過第三個問題：「是否該改畫？」就是我個人堅決反對的部分。

然而這並不代表我完全不會幫學生修改畫作，我幫學生改畫必須滿足兩個前提：
1. 學生在場，必要時改畫也是教學的一部分。
2. 我使用的技法不會超過學生現階段的能力。

那種把學生的畫改成超出學生現階段能力所及就只是揠苗助長，聰明認真的學生反而會受挫，遲鈍的學生可能還真的會以為自己有到達那個水準。

不知道各位有沒有一種經驗，就算老師沒有示範，在畫室畫的圖就是比家裡畫的好，你可能覺得是因為在家裡畫畫沒有感覺，但厲害的老師都可以在學生一邊畫的過程中一邊微調學生的畫面，而讓學生覺得這幅畫完全是由自己的能力完成。

這樣一來，這幅畫真的代表了學生現階段的能力嗎？

顯然不是，這還必須建立在老師沒有將學生的畫改壞為前提...

💀

前陣子有新同學私訊問課，由於我面對新同學會需要先知道對方的程度才能準備教案，因此如果對方自稱有基礎，通常會要求對方傳最近的幾張圖給我看看。

對方傳了一張最近的油畫，並問：「你應該不會看到畫作就不收我這個學生吧😂？」

我非常堅決地回答：「學生畫得不好，錯的是老師。」

如果是有系統、有邏輯、有方法的教，那學生只會有進步快慢的差異(畢竟還是有天賦差)，而非畫的好壞這種差別，重點是學生這個月的圖有沒有比上個月又厲害了一點？今天的眼光是否能觀察到上週沒處理好的地方。

真正的挫折不是發生在畫不好的時候，而是生成於自覺毫無改變卻又日復一日，身為教學者，身為老師要做的事情不多也不複雜，

好好教而已。

謝謝看到這裡的妳/你們🙏

【聊閱讀 ‧ 羊與鋼之森】

「閱讀」是我一直維持著的休閒，不過過去幾年由於知識焦慮，閱讀重心轉到了史、哲與理論類。約莫半年前，我重拾閱讀小說這項興趣。

意外的是，這段時間在我腦海留下餘韻的作品，都是出自日本小說家的文筆。當然這並不表示安迪·威爾《極限返航》的作者文筆較遜，僅僅是觸動到的部份不同罷了。

還記得年輕時我更偏愛歐美的翻譯文學，中文主要閱讀的也就金庸的著作，四大名著僅止步於欣賞，那時日本文學中除了村上春樹的《世界末日與冷酷異境》在年輕的心靈留下難以忘懷的閱讀體驗/震撼外，並沒有留下多少漣漪。

甚至，因為不喜歡太宰治的關係，曾經的我對日本文學一度非常反感。

然而，或許是因為年紀大了，或許是因為觀看的角度變了，也或許是終於被推中了對的坑，近半年在我腦中留下餘韻的作品，先是石黑一雄的《別讓我走》，最近則是這本宮下奈都的《羊與鋼之森》。

好的文字，會令讀者的腦海中浮現出畫面。

與英美文學直接在腦中上演宛如電影或舞台劇般的影像不同，翻開《羊與鋼之森》的前幾頁，我彷彿聞到了山林中的濕氣。

這是一本描述「調音師」的故事，主角因緣際會觀摩了一場頂尖調音師的工作，因而從一個從未接觸鋼琴，甚至未接觸過音樂的人立志要成為調音師。

我很喜歡第一章的其中一段文字：
「鋼琴發出咚、咚的聲音，我不曉得那個音色溫不溫柔，但卻明白那是九月上旬傍晚六點左右，天色漸暗的森林。」

主角透過聲音，甚至還不是「曲」，還不是「音樂」的聲音看見了樹林，那是聯覺，稍微讀過藝術史，或對美學、心理學略有涉略的人便會知道。

不過作者並沒有在這項能力上做過多的著墨，而是用細膩的文字描繪著主角的一路上的心境，聲音或言語令書中主角的腦海浮現出不同的畫面，並與讀者們腦海中的畫面一致。

透過文字，讀者與書中的主角同步著。

這是一場不可思議的體驗，作者與譯者都令我震驚。

全書中我最喜歡的一段文字：
「我不曾見過，也不知道祂在哪裡，但是，祂一定存在，所以我才能了解美好的事。」

我將這句話嵌在這篇貼文所用的圖片上，客觀來說，這句話描繪的與基督天主教的上帝形象─至善至美重合，卻又有所不同。

然而相同的是，生而為人，我們總是會被美好的事物吸引，有天或許還會為美好的事物落淚。

《羊與鋼之森》並不奇幻也不科幻，內容也非拯救世界那樣宏大，它描繪的只是一間樂器行中四名調音師的日常故事，小小、淡淡的，卻深刻，由衷推薦也喜歡閱讀的朋友，試著翻開這本書。

謝謝看到這裡的妳/你們🙏

如果讀到這裡，同樣也是喜歡閱讀的朋友，有推薦的小說歡迎跟我說喔~

【聊 ‧ Project Hail Mary ‧ 我個人的一個小癖好】

今天的主題是《極限返航 (Project Hail Mary) 》，不過我並沒有要聊電影或小說中的劇情，而是單純分享一個我個人看電影前的小癖好🫣

~ 如果想看的電影有原著小說，那我會盡可能在進電影院前先看完原著。 ~

這個習慣是20多年前看魔戒三部曲開始的，可能在某些人的眼中，曾經的我也是貼著「原著黨」標籤的那種人。不過隨著年齡增長，接觸、參與到的藝文形式與工作增多後，才漸漸地養成從各種不同角度去欣賞不同藝術表現的能力。

不過就算如此，如果遇到想看的電影原著本身知名度就很高，我還是會選擇先看完原著後再決定是否要進電影院，並且在進戲院前杜絕任何有可能暴雷的影音或文字內容，這成為了我個人的一個小癖好。

從創作的角度來說，這個習慣是因為不希望被電影的視覺美學提前綁架。除此以外，我很享受透過文字令腦中畫面奔騰的感受。

今天想拿極限返航中的洛基(Rocky)當例子，我畫了三個不同的洛基，分別對應著：
1. 讀小說時我腦袋中呈現的洛基。
2. 畫這些圖前重翻小說發現洛基真正應該要長的樣子。
3. 洛基在電影中的樣子。

由於小說閱讀並非是論文審閱，因此我的習慣是在閱讀過程中快速建構出一個大致的輪廓，只要後文與腦中的輪廓沒有重大衝突便會依照這個輪廓去理解劇情，也因此難免會漏掉一些內容細節。

在第一次讀到小說中描述洛基外觀時我留下的印象為：
1. 屁股很大的蜘蛛
2. 五支手/腳
3. 有著背甲、腹甲與岩石般的表皮
4. 無法辨識臉在哪
5. 穿著灰綠褐色花紋的襯衫

由於最大的特色是無法辨識臉，因此我將洛基與我腦中既存的無臉生物直接連結，而我聯結的生物便是山海經中的「帝江」(無臉，擁有6條腿4隻翅膀的一種紅褐色的神獸。)

加上養烏龜養了20幾年，自然的將帝江與烏龜聯結在了一起，形成了我腦海中的洛基：

圓圓的(屁股很大)、橢圓球形(帝江插畫)、紅褐色的皮膚(氧化的岩石)、龜殼與類似節肢動物的四支。

由於這個造型與後面小說的劇情並不會產生任何衝突，因此我腦海中的洛基一直是長這個樣子。

然而，因為被電影預告暴雷的關係，我很早就知道電影的洛基是長另一個樣子，不過我想像的他是什麼樣子我總能自己決定吧？

直到為了畫這張圖，仔細重讀小說P.212、213與描述洛基吃東西的P.331~333，才發現......

欸！？

原來我腦中的洛基跟原著作者腦中的洛基也不一樣欸😂

總之，照原著中的形容，洛基更像一個五邊形的石頭，從五個邊或五個角(小說中這部分沒有明確說明)伸出長長的5支腳/手的對稱形。

而電影中的洛基就真的是一顆有五支手/腳的石頭，一顆賣萌的Rock。

我覺得吧~ 雖然理論上原著作者才有真正的決定權，但透過「文本」延伸而出的想像，便是每個人獨特的地方。

我一直很不喜歡AI，就算知道那是未來的潮流與趨勢，但我不能割捨的是畫面在腦海中奔騰的快意感受。不同人甚至不同年代的作品，透過作者不同的感受去激發更多不同形式與內容的創作，我覺得那就是數千年來人類藝術的浪漫。

最後，電影我很推~，雖然在某些敘事角度上我更愛小說一點。(例如小說中主角萊倫跟洛基彼此是聽得懂對方語言的，但這部分確實很難透過影像呈現給觀眾。)

但電影中許多配角例如保安卡爾、伊娃 · 斯特拉特(萊倫上司，聖母計畫最高負責人)卻能展現出比小說更多的人性。(小說是以萊倫的第一視角書寫)

無論是看過小說的朋友仍可以在電影中看到不同的高光，而看過電影的朋友我也很推回頭閱讀原著，更能共情主角的心理。

這是一部會在心理留下餘韻的作品，老實說，倒數第二章讓我重複閱讀了無數次，只為透過文字重複感受書中人物們的狀態，因此想將它推薦給各位。

謝謝看到這裡的你/妳們🙏

【馬躍新程 ‧ 新年快樂😊‧ 另外說個故事】

去年的主題是蛻皮重生，今年的主題是萬馬躍新程。每當即將迎來新的一年，好像我們總會想要改變些什麼，與過去的自己道別。

今年，除了備迎新春的祝福外，我突然想分享個故事，正文開始前可能要先解釋背景：

作為家庭向的全年齡畫室，巷尾畫室一年只休兩個星期，便是除夕前一週與春節當週。主因是畫室的同學多為上班族，年前本來就忙，請假也會愈趨頻繁，對我來說還不如配合大家提早放假，春節後再回歸步調。

不過這並不代表我會比大家早放春假，由於學生組成為5~18歲的畫室這時候剛好是最忙的時候(學生家長們在忙年前的工作)，因此巷尾畫室的第一週休假對我來說反而常是被找去支援代課的一週，我個人習慣把這週的工作理解成「江湖救急」😂

可能是因為巷尾畫室地處偏遠的鶯歌，不會有搶學生的問題，也可能是我的職業道德還是能讓人信任的，至今為止與合作過的教室都仍保持良好的關係。

教過升學班的補教業老師可能都知道，孩子對於自己的未來是徬徨的。

不過與學科補教業明顯不同的是，藝能科指導的內容涉及到「創作」的時候便需要去理解孩子們的想法，並與他們對話。或許也因此藝能科的老師比起學科老師更能得到學生的信任，學生也更願意吐露心中的困惑。

事情是發生在今年最後一堂代課的尾聲：

下課後，正在幫學生拍完成作品的時候。(其實這不應該是我負責，不過腦波太弱經不起拜託...💀)

課堂時間內沒做完於是留下來將作品完成的學生，一邊看著我工作，一邊詢問關於自己的煩惱。

講述著，原先自己感興趣的方向，有些可能在執行前便被家長否決了，有些可能是跟相關業界的人溝通過後被勸退，如今反而不知道自己能做什麼，未來一片茫然。

我跟他舉了些認識的人跟親友講過的例子。

譬如餐飲，我所認識的廚師從無菜單料理的老闆兼主廚到配料全手工自己製作的冰品店的師傅，沒有一個希望自己的孩子未來走餐飲業，原因很簡單，在他們的經驗裡，這個工作太辛苦了，父母不希望孩子跟他們過的一樣辛苦。

譬如學校、譬如科系，一位認真教學卻沒有實權的老師，通常不建議認識的孩子來讀自己任教的科系(尤其是文組)，因為他們每一年都見證著系所數十位畢業生，最後僅個位數的孩子留在這個業界。

甚至別說是藍領或一般文組，我也親耳聽過一位法官說：「未來如果有小孩別讓他走法律。」

同樣以自己為例，所做過的藝術工作跟一般藝術工作者比較也算是多元，但我絕不會跟孩子說讀藝術會有多光明的未來。

我對那個孩子說：「正因為我們在這個領域深入待了很長一段時間，所以我們看過也體驗過這個環境最糟糕的地方，也因此身為過來人我們並不推薦下一代跟我們走同樣的路。」

又說：「但是，能不能接受那些糟糕的地方，其實還是你自己怎麼想。」

其實還是你自己怎麼想，
最重要的關鍵還是你自己。

作為長輩(雖目前單身，但算算我的年紀已經可以生的出現在升學畫室中的孩子了💀)或人生中的前輩，我們可能總是會想著如何讓自己愛的下一代少走一些彎路，但那些是不是彎路，我覺得還是要他們自己體會過才知道。

知情，告知，我覺得這樣就夠了，沒必要阻止，或幫他們做決定。

我們都想要成為更好的人，也讓下一代變得比我們更優秀。

就跟新年的期許一樣，我們總是希望未來可以更新，更好。

但如何定義「新」、「好」，只有體驗過的那個人才有屬於他的答案。

至少直到今天我仍是這麼認為的，所以想將這段與學生的對話分享給各位，謝謝看到這裡的妳/你們🙏

新的一年，希望大家都能更新、更好，步入自己新的旅程🙏