視丘攝影藝術學院 FOTOSOFT Institute of Photography,Taipei

和 曾栢宏 – 我剛剛獲得他們的頭號粉絲認證！🎉

#解讀影像 #挑照片 #照片排序 #使用照片 #視丘日間部70屆 預定 2026 年 6 月 29 日（一）開學
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#視丘單張影像承載的三層訊息
#影像創作 #影像藝術家專業能力 #影像文學時代 #拿影像當文字使用

#解讀影像 #挑照片 #照片排序 #使用照片 #視丘日間部70屆 預定 2026 年 6 月 29 日（一）開學
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#影像創作 #影像藝術家專業能力

今天我們一起來欣賞視丘日間部 PLE 第61屆張懷玉同學的兩件 “拼貼 Collage” 習作。

我們在前面發文中也提過，視丘日間部 PLE 影像風格養成所為期一年的全日制課程，就是迎向「影像文學」時代的課程，也是訓練同學能夠把影像當作文字使用的課程。視丘著名的教學法將這一年的課程分成：1/影像識字、2/影像書法、3/影像造詞、4/影像散文、5/影像小說與影像裝置等五個階段。

我沒也提到過「視丘單張影像承載的三層訊息」，其中對常民攝影而言最不容易掌握、最不容易學習的就是影像承載的第三層訊息：語意 Semantic meaning。

視丘獨特的影像創作教學法就特別為這個階段的學習安排了：影像拼貼 Photo Collage＋影像三聯作 Photo Triptych＋影像引經據典 Visual Intertextuality 三重學習。

張懷玉同學這兩件 “拼貼 Collage” 習作，就是在這樣的學習脈絡下出現的作品。

請問您第一眼看去，懷玉同學這兩件 “拼貼 Collage” 習作，分別給您什麼不同的感覺？

或者，這兩件作品您會比較偏好哪一件？您可以說出您比較喜歡那一件的原因出自哪裡嗎？

歡迎您在留言區分享您的感受！

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視丘是台灣唯一專門培訓專業攝影人才；攝影系等級的私塾大學課程，也是包括日韓中港馬等地唯一以德國包浩斯視覺語言訓練為基礎的學校。

視丘日間部為期一年的 PLE Photo Literacy Education 課程是訓練同學從「影像識字」開始到能夠製作一本具備影像修辭與脈絡的影像長篇小說的全日制課程。
視丘日間部第 70 屆預定 2026 年 6 月 29 日（一）開學，僅限招收 6 名同學，共 5 位老師負責施教。歡迎有志成為專業攝影人才的朋友申請一對一線上說明會，或者申請實體旁聽目前正在進行的視丘日間部第69屆課程。

#視丘線上課程 招生中 華語教學，誠摯歡迎全球華人選修
招生中･

招生中 預定2026年3月底（四） 20:00-22:00 開課

每週三晚間 20:00-22:00 歡迎隨時報名插班。

每隔週週六上午 09:30-12:30歡迎隨時報名插班。

#解讀影像 #挑照片 #照片排序 #使用照片 #視丘日間部70屆 預定 2026 年 6 月 29 日（一）開學
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#大師作品比較
#影像創作 #影像藝術家專業能力

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#影像創作 #影像藝術家專業能力

今天我們一起來欣賞視丘日間部第69屆劉亭頤同學的作品 “A vicarious pleasure, 2025”。

這件作品是亭頤同學在視丘老師要求同學盡可能在十個月之內累積大約3萬張影像的影像資料庫（影像書寫形而上內容的第 1 步）時，和同學一起去石垣島和琉球旅行拍攝所得的。

在這裡我們可以看見同一件作品的兩個版本，一張是亭頤同學按下快門時所得的原作。

第二張是視丘日間部課程最後第二個階段「影像散文 Photo Essay」的指導老師在示範如何「使用靜態照片書寫具備形而上內容的影像散文」時，從亭頤同學的影像資料庫中「挑選出32張靜態影像（影像書寫形而上內容的第 2 步）」，然後在 32 張影像之間「進行脈絡性訊息書寫 Sequencing （影像書寫形而上內容的第 3 步）」時，因為整體的需求而對亭頤同學的原作進行「裁切 Trimming」 所得的結果。

傳統觀念稱為「圖片編輯 Photo Editing」這種改變作品的原貌，正是 Lewis Baltz 所言：「困難的是......用某種形式使用照片....」而裁切正式改變作品原貌的眾多形式的其中一種。

請參照「視丘影像訊息的形成、呈現與解讀脈絡結構圖」。
在這個圖表裡顯示的是影像訊息形成時的外在脈絡。而另外還有內在脈絡，就是：當您在第一張圖片裡面能夠看見的圖（女主角與三隻充氣狗狗）與地（女主角與狗狗的影子和背後的街景以及地板圖案）的相互作用關係，就是所謂「影像訊息的形成」時的內在脈絡。

而，第二張圖片的裁切就是影像訊息書寫者因應影片播放需求（影像呈現的脈絡）而做的調整。換言之，同一件作品在攝影書Photobook上的呈現方式和它要製作播映用的影片的呈現方式以及貼在展牆上的呈現方式都會大不相同。

請問您第一眼看去，劉亭頤同學這件 “A vicarious pleasure, 2025”作品。給您什麼樣的感覺？

您對第二張裁切過之後的影像呈現的內容和第一張原稿呈現的內容相比，您會更喜歡哪一件？

這件作品的原作，即將在2026年6月24日至7月5日在國立臺灣藝術教育館舉辦視丘日間部第 69 屆五位同學的群體個展！屆時歡迎您蒞臨指教！
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今天我們一起來欣賞視丘日間部第69屆楊皓婷同學的作品 “幻想曲, Fantasia, 2025”。

這件作品是皓婷同學根據視丘日間部課程第二階段「影像書法：靜物/影像創作思考路徑」課綱要求，從自己手繪的構想圖開始，在自己家裡對著一顆雞蛋，使用點光源製造光影，用黑白軟片拍攝，再親手經過軟片沖洗成底片，再從黑白底片放大成 8”x10”的黑白照片制作而成的作品。

請問聰明的您，第一眼看去，皓婷同學的這件作品給您什麼樣的感覺？

視丘上課時，老師通常會逐一問每一位同學，你對眼前這件作品的第一印象是「正面的？」還是「負面的？」。

不論你對第一個問題的回答是正或負面。視丘老師會接著要求同學回答第二個問題：「你會有這種印象，你覺得是從畫面中哪裡來的？」

以此類推，視丘老師還會更進幾部地藉著後續的問題，逐步誘導往更深更專業的角度去思考這件作品的意義與價值。

不知道聰明的您，面對皓婷同學這件作品您的第一、二個問題的答案是什麼？歡迎您在留言區裏面分享您的答案。

面對同一件藝術作品，每一個人的看法或欣賞角度不一樣，而且是人數越多越是千差萬別，這樣的現象現在被認為是理所當然的！但是歷史上也曾經有過很長的時間，眾人皆認為藝術作品的意義應該是作者說的才算數。

自從1967法國文學評論家羅蘭・巴特 Roland Barthes 1915-1980 發表一篇 “作者已死 The Death of the Author”（視丘稱為“作者的困境”）提出「藝術作品是為被觀者自由解讀而賦予更豐富生命」之後，藝術作品的詮釋權就從作者和平（？）移轉到觀者身上了。

但是畢竟藝術作品的解讀還是有「專業」的角度。

所謂「專業角度」是指將藝術作品從人類藝術、社會、歷史、文化發展的上層結構的角度出發來解讀藝術作品。當代流行的藝術語詞 “Curator”其實就是具備用專業角度解讀藝術作品的「專業解讀者」。

視丘日間部與每週三晚間8-10點的影像美學LIVE線上課程就是訓練同學能夠具備藝術作品「專業解讀」能力的課程。

我們在前面的發文中提到，視丘日間部的課程分成五個階段，其中第一階段的「影像識字：影像中的視覺語言及其系統」與第二階段的「影像書法：靜物/影像創作思考路徑＋人像攝影＋鹵化銀影像工藝」就是訓練同學具備從上層結構的角度解讀作品的能力所需課程。

這件作品的原作，即將在2026年6月24日至7月5日在國立臺灣藝術教育館舉辦視丘日間部第 69 屆五位同學的群體個展！屆時歡迎您蒞臨指教！
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今天是世界攝影藝術史殿堂級攝影大師 Joel Meyerowitz 喬爾·梅耶羅維茨 87 歲生日！我們慶祝梅耶羅維茨爺爺生日快樂的同時，順便研究邁爺爺的經典作品。

對研究攝影創作的人而言，梅耶羅維茨爺爺可以說是一個典型的研究範本。和曾經在台灣舉辦過大型回顧展的日本著名攝影大師植田正治 Shoji Ueda 1913-2000 以及以故台灣某位攝影大師一樣，三人都是典型的街頭攝影浪潮下的受害者。

這三位攝影家同樣都具備在攝影創作領域中可以自成一格的天份，但卻生不逢時地在他們剛進入攝影創作職涯時，攝影正處於攝影2.0版的紙媒傳播與街頭攝影極盛期浪尖當中，也因此三位攝影大師都免不了受到「必須順應潮流也得使用135小型相機＋黑白軟片在街頭尋找創作靈感」的無情耽誤。

喬爾·梅耶羅維茨1938年3月6日生於紐約布朗克斯區，父母是從匈牙利和俄羅斯移民至美國的猶太工人。梅耶羅維茨曾在俄亥俄州立大學研習藝術、藝術史與醫學插畫。1959年畢業後回到紐約以藝術指導與設計師身分展開職涯。1962年，在與 Robert Frank 一起工作後，受到 Frank 的啟發，開始決心投入攝影藝術創作事業，同年離開廣告公司，此後全心投入攝影事業。

1950, 60年代是「街頭攝影＝攝影」的全盛時期，梅耶羅維茨也不例外的以美國的Robert Frank 和法國的 Henri Cartie-Bresson 為指標，開始拿起小型相機上街拍照，成為街頭攝影家。1966年，他展開為期18個月的歐洲之旅，這趟旅程深刻影響並塑造了他，堪稱藝術生涯的轉捩點。

1968年8月3日紐約現代美術館在 John Szarkwoski 的策展下，為梅耶羅維茨舉辦了第一次個展“My European Trip:Photographs from the Car by Joel Meyerowitz”，展出了由John 挑選出來的 40 張作品從汽車向外拍攝的作品。這個展是梅耶羅維茨街頭攝影的頂尖之作，但作品並沒有在攝影史上產生任何迴響。

梅耶羅維茨有句名言：「在萬神殿般的偉大攝影師中，有一位是 Robert Frank，另一位則是 Atget。」說這句話的時候，正是梅耶羅維茨透過MoMA 認識 Atget 的創作方式（1968 年，MoMA 收購了著名的 Abbott-Levy Atget 典藏超過一千張 Eugene Atget 的玻璃板底片，這讓 Atget 的作品在紐約攝影圈引起巨大轟動。），可能更適合自己的時候。梅耶羅維茨也因此在1972年決定從此捨棄小型相機與黑白攝影，決心專注於以 8”x10”大型相機拍攝彩色攝影作品。

這個事實告訴我們攝影家所處社會的先進與開放程度決定性地影響了攝影家開拓創作人生的高度。事實證明梅耶羅維茨的大膽轉向（放棄135相機＋黑白軟片）是正確的選擇。植田正治雖然沒有梅耶羅維茨的被環境的開放造福，卻也有幸於日本當時的環境比台灣開放。

現在我們知道，同樣是攝影藝術創作使用大？或中？或小片幅的相機創作與使用黑白？還是彩色創作？，幾乎就像男怕選錯行女怕嫁錯郎一樣的「決定性差異」的選擇。梅耶羅維茨與植田正治的創作人生都證明了這一關鍵性差異。這些差異其實就是創作者觀看世界方式的差異。這也證明了視丘教學中認為影像藝術創作的三本質：人、媒材、議題，所言正確。

觀者不妨進入梅耶羅維茨的官網看看他在 Selected Works項目下共13項分類中，哪些作品是讓您心動的？或者是符合視丘攝影教學「好照片的十個層級」中處於上層等級的作品？
-請看留言處續文--

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#影像創作 #影像藝術家專業能力

今天我們來用視丘第69屆四位同學「影像散文 Photo Essay」的 index (又稱為光桌) 以及視丘攝影教學有名的系統、架構圖表來向各位介紹「攝影4.0版時代是的概念。

我們在這裡列舉了蔡沅勳由32張靜照構成的 “藏寶盒,2026”、賴筱瀅由25張靜照構成的“舊城心事, 2026”、楊皓婷由13張靜照構成的 “石原琉球初探, 2025”、劉亭頤由32張靜照構成的 “Paradoxical, 2026”四篇影像散文的「小圖索引 index」，希望您能夠了解什麼叫做「新整體 New Whole」。

換言之，在裏單張影像是用來組織成 organize「散文、長篇小說、影像裝置、影像劇場」等傳遞「形而上內容 content」 的「新整體」所需要的「一個單字」而已。在這樣的新整體中，一張影像只是構成新整體的一個零組件而已，它卻也是這個新整體缺之不可的重要組件。此即完形心理學的「整體不等於部分的總和」的具體實踐。

由多張影像編織、組織而成的「形而上內容」以及 Lewis Baltz 口中的「從中建構出某種意義出來」都告訴我們「影像文學作品」的真正內容絕不是那些影像「表面看起來」的那個樣子，而是那些影像的語意所意涵的意義共鳴出來的「非具象」內容。

也因此，想要順利書寫影像文學內容的作者，就必須具備能夠從影像資料庫中「洞察」並「挑選」出那些具備更深層語意的影像來使用。這在視丘的教學語境中稱為具備「訊息厚度的影像」，也是 Lewis Baltz 口中：「真正困難的是『思考它們』」的意思。

世界現代攝影藝術史上最早使用影像群書寫形而上內容的例子，就是1938年 Walker Evans 在 MoMA 舉辦的個展：“American Photographs”（既是MoMA 第一個攝影家個展，也可能是世界最早在美術館舉辦的攝影家個展）同時出版的同名Photobook。攝影史家公認的第一個接棒者就是 Robert Frank 1959 年在美國出版的“The Americans”（首版 1958 年在法國出版），也有識者以為第二棒接棒者是 Alec Soth 2004年在美國出版的“Sleeping by Mississippi”。Walker Evans 與 Alec Soth 兩個人的兩本重要著作都曾在每週三晚間視丘線上課「視丘影像美學 LIVE」中詳細研究討論過。Robert Frank 的“The Americans”也在預定研究討論的計劃中。

使用影像群書寫形而上內容的第二個難關，就是「如何組織」影像群（不是單純的把照片群按照影像表面的敘事內容連續放在一起就可以），在以「線性脈絡」為主的 Photobook 或連續播映的影片裡面，影像群的組織相當成度倚賴視覺心理學談及的群化 grouping 原理也因此語意擴散程度相對受限，術語稱為「排序 Sequencing」。

但是涉及到組織「擴散激發式語意脈絡」在牆上以矩陣或輻射擴散形式展出的影像裝置展 Photo Installation 甚至影像劇場 Photo Theater 的「組織方法」就會更傾向感性的複雜，難以以任何理性規則解釋。前者以英國的 Wolfgang Tillmans，後者以日本（曾經留學英國）的志賀理江子 Shiga Lieko 為佼佼者。

請看視丘教學的「影像創作三本質」，藝術作品的創作者（＝人）「有話（＝形而上的內容）想要向世界發聲」，所以「運用適當的媒材」來把心中的話講出來。而觀者（＝人）觀看作品有所想法（不一定是創作者所想的），作品才產生它存在的意義。

「攝影1.0版時代」因為受限於技術與材料的不成熟，作者能夠生產或觀者能夠擁有影像已經很了不起了。也因此誤認為「影像＝內容」。

「攝影2.0版時代」攝影機具材料都已經可以隨身攜帶，出外拍照擷取街頭影像成為照片已屬家常便飯，也因此誤認為攝影家隨手可及的「事物狀態」就是攝影家帶給世界的所有「內容」，此時不管觀者能不能理解，攝影者>編輯者>媒體>作品>觀者的訊息傳播鏈仍然屬於單向傳輸關係。

攝影3.0版時代是「攝影原作」與「作者已死」的觀念盛行的時代。作者傾向將作品視為「思考物件」，使用「無標題」標題任由觀者進行作品詮釋，讓作品獲得更深層廣泛意義。訊息傳播鏈屬於雙向互動關係。

相信視丘教學中「好照片的十個層級」與「藝術家的養分來自上層結構」兩張圖表也可以相當程度幫助您理解：在攝影4.0版時代想要進行任何影像文學創作，最重要；不可或缺的根源還是「影像資料庫」的豐富性，以及創作者（影像資料庫的建置者或使用者）世界觀與思想體系是否與上層結構有緊密連結。
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