卓樂音樂學堂-弦樂教學及團體練習

輕歌劇欣賞【L'étoile (opera)】

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L’ÉTOILE de Chabrier ACTE 1 ©Production Atelier Lyrique de Tourcoing 2020 En février 2020 était créé à l’Atelier Lyrique de Tourcoing l’opéra L’ÉTOILE de Chabrier. Nous sommes heureux aujourd’hui de partager une vidéo qui a été réa...

樂曲介紹【Bach: Concerto for Flute, Violin and Harpsichord in A minorBach】

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《三重協奏曲》（BWV 1044）是約翰·塞巴斯蒂安·巴赫創作的A小調協奏曲，為橫弦鋼琴、小提琴、羽管鍵琴和管弦樂團而作。他以羽管鍵琴前奏曲與賦格（BWV 894）和管風琴奏鳴曲（BWV 527）的中間樂章為基礎，或以早期已佚失的早期作品為藍本創作了這首協奏曲。

巴赫的三重協奏曲以他早期的兩部作品為基礎。 BWV 1044 的外樂章基於一個已佚失的範本，該範本也曾是巴赫為獨奏羽管鍵琴而作的 A 小調前奏曲與賦格（BWV 894）的範本。然而，BWV 894 卻被認為是 BWV 1044 外樂章的範本。 BWV 1044 的中間樂章則基於 BWV 527 的 D 小調管風琴三重奏鳴曲的中間樂章，或者說是基於協奏曲和管風琴奏鳴曲中間樂章的早期範本。

關於 BWV 1044 的創作原型，BWV 894 於 1707 年至 1715 年間由小約翰·伯恩哈德·巴赫抄錄，並於 1710 年至 1717 年間由約翰·托比亞斯·克雷布斯抄錄。雖然他們的抄錄版本都保存了下來，但都不是其已知最早的版本； BWV 894 的早期版本見於約翰·彼得·凱爾納（1725 年）和約翰·尼古拉斯·門佩爾（18 世紀中期）的抄本中。 1970 年，漢斯·埃普斯坦提出，BWV 894 的佚失原稿可能是一首鍵盤協奏曲，但這一點尚無法確鑿證實。第三奏鳴曲（BWV 527/2）的中間樂章是基於一個更早的版本，該版本早於奏鳴曲第一樂章的最早版本，可能創作於 18 世紀 20 年代。收錄了三重協奏曲的《新巴赫版本》的編輯迪特里希·基利安認為，巴赫創作這首協奏曲是在 1726 年之後（很可能是晚年）。

巴赫為這首協奏曲譜寫的樂器與他的第五勃蘭登堡協奏曲（BWV 1050）相同，只是增加了一個伴奏小提琴聲部。這首協奏曲有三個協奏聲部（羽管鍵琴獨奏、長笛和小提琴）和四個伴奏聲部（第一小提琴、第二小提琴、中提琴和通奏低音）。在整首協奏曲中，羽管鍵琴都佔據主導獨奏部分。中間樂章由小協奏團演奏，不含伴奏樂器。

巴赫遗留下来、真正标明专为长笛而作的协奏曲其实没有，编目中只有一首为长笛、小提琴、大键琴和弦乐队而作的协奏曲。这首a小调，BWV1044，据推算可能作于1730年，莱比锡时期，可能改编自键盘作品BWV894《前奏曲与赋格》。

這首協奏曲共有三個樂章：

(No tempo indication, usually interpreted as Allegro) – based on BWV 894/1
Adagio ma non tanto e dolce, in C major – based on BWV 527/2 (there in F major)
Tempo di alla breve – based on BWV 894/2 (there in 12/16)

(無速度標記，通常解釋為快板）——基於 BWV 894/1 Adagio ma non tanto e dolce，C 大調——基於 BWV 527/2（F 大調）
Tempo di alla breve——基於 BWV 894/2（12/16 拍）

外樂章是在羽管鍵琴曲的基礎上增加了全奏部分。中樂章是在管風琴曲的基礎上擴展為四聲部。

肖特於1848年出版了這首協奏曲。巴赫協會於1869年出版了這首協奏曲，編號為第8號，題為“A小調長笛、小提琴和鍵盤協奏曲，配以兩把小提琴、中提琴和通奏低音”，收錄於其全集（巴赫協會全集，BGA）第17卷第221-272頁。這卷是巴赫協會室內樂作品集的第二卷，其中收錄的其他七首協奏曲是羽管鍵琴協奏曲BWV 1052-1058。三重協奏曲各樂章的開頭部分收錄於第221-272頁。英國地質調查局專題目錄第 46 卷（1899 年出版）第 217 頁

Philipp Spitta 將這首協奏曲描述為「真正令人眼花繚亂的藝術品質和輝煌」的改編，並認為鍵盤獨奏 BWV 894 改編成三重協奏曲比小提琴獨奏 BWV 1006/1 改編成康塔塔《我們感謝你，上帝，我們感謝你》BWV 29 的開篇交響曲更加引人注目。

J.S. Bach - Concerto for Flute, Violin and Harpsichord, BWV 1044 (c. 1740) Johann Sebastian Bach (31 March [O.S. 21 March] 1685 – 28 July 1750) was a German composer and musician of the Baroque period. He is known for instrumental c...

歌劇欣賞【Eugene Onegin (opera)】

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TCHAIKOVSKY Eugene Onegin Dallas Symphony OrchestraFabio Luisi, Music DirectorETIENNE DUPUIS baritone (Eugene Onegin)NICOLE CAR soprano (Tatyana)PAVOL BRESLIK tenor (Lensky)BRINDLEY S...

樂曲介紹【Rautavaara: Cantus Arcticus】

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《北極之歌》（Cantus Arcticus），又名《鳥鳴與管弦樂協奏曲》，是芬蘭作曲家埃諾尤哈尼·勞塔瓦拉創作的三部曲管弦樂作品，其中融入了鳥鳴的錄音。

《北極之歌》（Cantus Arcticus）受奧盧大學委託創作，作為其首屆博士學位授予儀式的配樂，於1972年10月18日在奧盧由奧盧交響樂團首演，指揮為斯蒂芬·波特曼。樂譜同年出版。作品獻給時任芬蘭總統烏爾霍·吉科寧。

《北極頌歌》（Cantus Arcticus）廣受歡迎。原因包括：作品與人們熟悉的調性音樂相似；透過錄製鳥鳴聲將音樂與自然聯繫起來；將鳥鳴聲與現場管弦樂隊相結合的新穎性；以及作品與芬蘭文化和景觀的理想化和異域化形象的關聯。此外，該作品在其他音樂領域的運用，例如爵士樂和電影配樂，也體現了其魅力。

《北極之歌：鳥鳴與鋼琴二重奏》由鋼琴家彼得·倫奎斯特改編，於 2017 年出版，並附有可供下載的鳥鳴錄音，用於演奏。

1971年，奧盧大學委託勞塔瓦拉創作一首清唱劇，用於隔年該校首屆博士學位授予儀式。大學圖書館向作曲家寄送了有關奧盧地區的文獻資料，但沒有一篇能打動他。原定參與演出的合唱團“過度勞累，嗓音狀態不佳”，因此他最終選擇了鳥鳴錄音代替人聲。

勞塔瓦拉從芬蘭廣播電台的音效庫複製了《北極之歌》中一些鳥鳴聲。他也前往芬蘭北部利明卡灣的濕地，直接錄製鶴和其他鳥類的叫聲。作曲家在家中使用兩台錄音機，將這些素材剪輯合成了演奏帶，《北極之歌》於1972年3月13日完成。

北極之聲有三個樂章：沼澤、憂鬱和天鵝遷徙。

第一樂章的開頭小節標題是「想想秋天和柴可夫斯基」。勞塔瓦拉的許多作品都以這種方式營造氛圍，而不是講述故事，這是他作品的特色。

樂章以兩支長笛的獨奏開始，速度為中等的行板。兩支長笛依序奏出一段如鳥鳴般婉轉的旋律，主題基於半音階。

錄製的鳥鳴聲在獨奏接近尾聲時成為主導，隨著木管樂器的加入而逐漸增強：木管樂器也模仿鳥鳴聲。緊接在木管樂器之後加入的弱音長號被指示「嘗試模仿錄音帶中稍後出現的鶴的斷奏聲」。樂譜指出，雖然本部分樂器的演奏順序和重複的音符組“必須按照樂譜演奏”，但指揮可以決定它們之間的音程。

接下來，第一巴鬆管和大提琴奏出一段抒情而憂鬱的主題，作曲家稱其「可以理解為在荒野中行走的人的聲音和情緒」。隨後，整個管弦樂團將這段旋律推向高潮，之後由大提琴繼續演奏。

在樂章的結尾，單簧管演奏了開頭幾小節長笛獨奏的變奏：這透過建造一座回到樂章開頭的橋樑，在樂章中創造了一種對稱性。指揮可以選擇錄音、單簧管和弦樂何時停止，以及音樂是在B調還是F調結束。

根據第二樂章開頭的樂譜，「樂團暫停，讓觀眾有時間注意到1號和2號聲道中的鳥兒正在互相模仿」。樂曲中出現的鳥是濱鷸，作曲家表示，它的鳴叫聲被放慢，音調降低了兩個八度，使它成為一隻“幽靈鳥”，而他自己則是一位“富有創造力的鳥類學家”。

大約一分鐘後，小提琴引領著所有弦樂器——全部都使用了弱音器——奏出一系列以A小調為中心的、不斷上行、下行且不斷變化的和弦。木管樂器隨後加入，銅管樂器也加入進來，共同奏出漸強的樂章，最後音樂漸漸消逝。

樂曲中使用弱音弦樂，樂譜中表情記號很少，而且大部分樂章都沒有銅管樂器和打擊樂器，所有這些都營造出一種「寒冷或空曠的氛圍，從而引發更強烈的憂鬱情緒」。

在第三樂章中，管弦樂團分為四組：樂譜中的 I 指的是小提琴和中提琴；II 指的是木管樂器；III 指的是法國號、大提琴和低音提琴；IV 指的是豎琴和鋼片琴。樂譜上註明，這些組“只有在特別指示的情況下才會相互同步”，這使得該樂章具有一種偶然性。

樂章伊始，錄製的天鵝叫聲響起，並持續到樂章結束。大約半分鐘後，弦樂組（第一組）加入天鵝的叫聲，演奏規律而逐漸增強的和弦，預示著第二組單簧管和長笛的加入。它們演奏的旋律與長笛二重奏在第一樂章開頭所奏的旋律相同，使這三部分組成的樂曲渾然一體。

更多木管樂器加入重複的、類似鳥鳴的樂句中，隨後與由圓號引入的第三聲部（III）演奏的主題融合在一起。豎琴和鋼片琴（IV）很快就加入，從此樂團的演奏更加協調。整體效果被比作“由多個獨立部分組成的整體的流暢運動……如同飛鳥一般”，四個聲部“佔據同一空間，彼此重疊而不衝突——協調一致，但並非完全同步”。

主題重複五次，最後一次重複時，長號模仿天鵝的鳴叫。接近結尾的漸強營造出鳥群數量不斷增加的印象：正如作曲家所說，“天鵝的鳴叫變成了瘋狂的滑音——我彷彿看到它們徑直飛向灼熱的太陽……”樂曲以主題的變奏下行版本結束，天鵝和管弦樂隊的聲音也漸漸消失。

总共三乐章的《北极之歌》Op.61，副标题鸟鸣协奏曲，创作于1972年，是劳塔瓦拉最著名的作品。这首作品把采集自芬兰北极圈附近的鸟鸣声用录音的方式与管弦乐队结合，完美的把独特的创意，高超的配器手法，新浪漫主义风格结合而创造出一种奇特的音乐，使其成为多媒体与传统管弦乐队结合的最早作品之一。

你听过演奏者「不在场」的协奏曲？而且，作为明星的「独奏者」，居然不是人？

Rautavaara 应当是除了Sibelius 之外，最知名的芬兰作曲家，录音唱片不算少。来自Helsinki的Ondine 厂牌，是最大力宣传他的作品的在地唱片公司，最近并将他的交响曲与协奏曲分成两套廉价盒装重新发行。

不管是作为Rautavaara 的入门作品，或是作为爱鸟人兼古典迷的进阶选择，这首20分钟之内、鸟与乐团的协奏曲《北极之歌》(Cantus Arcticus) 都是上上之选。Messiaen 的鸟音乐，数量当然多出太多，只是其「鸟歌」都是器乐化后的作品，不像Rautavaara 直接让鸟的录音磁带「音容宛在」，并与管弦乐「琴瑟和鸣」。另外一点，Messiaen 的作品语言较为前卫抽象，不似Rautavaara 还保留了旋律性， 容易入耳。

这并不代表你听到的是人工添加鸟叫或鲸鱼呼声的自然音乐、或新世纪音乐，你大可安心，作曲家的精心设计不会容许这样的廉价把戏 (cheap tricks)，而是安排不过度庞大繁複的乐团，伴合芬兰境内北极圈的鸟叫，让两者间产生细腻的对话。

第一乐章，The Bog (Suo)，由双长笛独奏起头帮鹬科鸟成群的鸣叫铺梗，进入宏伟的弦乐，辅以木管群相伴，最后以低调的鸟群与木管「合奏」幽然结尾。第二乐章Melancholy，以角百灵 (shore lark) 的长段「独奏」进场，鸟鸣特意降了两个八度，且调慢了速度，以便小调忧鬱的弦乐团可以和谐地与之共生共存。第三乐章，Swans Migrating，黄嘴天鹅 (whooper swans) 的声音以磁带调整过，与分成四组的随机管弦乐组渐渐加重对应互织的肌理，最后同归平静，这是我感觉此曲最天人合一的一个乐章。

版本方面，最后出现的Naxos 版似乎是廉价好找的选择，也获得作曲家的背书并亲自撰写解说，可惜芬兰指挥与英国乐团组合的暖意温和，在曲子味道上稍逊一小筹。80年代芬兰 Finlandia 厂的Pekkanen 指挥Klemetti Institute Symphony Orchestra 版，先在华纳的Ultima 廉价双CD 系列再版过，也有单cd 的Apex 版可寻，本土道地的演出，很值得找出来听。个人认为Ultima 系列的版一併选入的 Angel of Dusk 这首低音提琴协奏曲，以及一些室内乐与弦乐团曲子相当精彩，如还找得到，绝对是适合深入 Rautavaara冷调中「天若有情」之魅力的入门好片。

若是要更讲究录音与诠释，可以找Pommer 这位旧东德指挥领军 Leipzig Radio Symphony Orchestra 的Ondine版，录音电平较低，诠释与乐团都更精练纯粹，更冷调沉静一些(毕竟是北极之鸟歌)，有单张或是盒装协奏曲版可选。

严格来说，《北极之歌》并没有正格的快板，但并不灰暗晦涩，我姑且将此曲暱称为「没有田园人烟的田园」。如同Rautavaara 的诸多作品，其声响有种特殊的缓慢却常动 (slow but forward-moving) 的特质，颇能展现当代音乐中慢活的、沉静的、灵气十足的北国气度。

Einojuhani Rautavaara - Cantus Arcticus (1972) Composer: Einojuhani Rautavaara (October 9, 1928 – July 27, 2016)Orchestra: Leipzig Radio Symphony Orchestra conducted by Max Pommer00:00 Movement I - The Bo...

歌劇欣賞【The Cunning Little Vixen】

https://youtu.be/_q7R1IVoq8w?si=mCpR__2ViFBdTLXN&t=26

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Leoš Janáček - The Cunning Little Vixen - Příhody lišky Bystroušky Leoš JanáčekLukava mala lisicaThe Cunning Little VixenPříhody lišky Bystroušky production in Zagreb national opera houseDirigent...

樂曲介紹【Ives: The Unanswered Question】

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《未解之謎》是美國作曲家查爾斯艾夫斯創作的音樂作品。作品原以《黑暗中的中央公園》以《兩首沉思曲》為名，於1908年問世。艾夫斯於1930年至1935年間對《未解之謎》進行了修訂。與艾夫斯的許多其他作品一樣，這部作品在他晚年之前鮮為人知，直到1946年才首次公演。

在緩慢而寧靜的弦樂背景下，象徵著“德魯伊的沉默”，獨奏小號提出“永恆的存在之問”，一支由木管樂器組成的四重奏“爭辯者”徒勞地試圖給出答案，他們的演奏越來越沮喪和不和諧，最終放棄。這三組樂器以各自獨立的節奏演奏，並且分別位於舞台兩側，弦樂部分則位於舞台後方。

艾夫斯为室内乐队而作的《未作回答的问题》，作于1908年，副标题是《宇宙景象》(A Cosmic Landscape)，是艾夫斯最著名的作品之一。

在这首作品中，室内乐队依然一分为二，弦乐都加弱音器，从头至尾速度缓慢，和提出疑问的独奏小号及相关的木管乐器形成对比。

艾夫斯为室内乐队而作的《未作回答的问题》，作于1908年，副标题是《宇宙景象》(A Cosmic Landscape)，是艾夫斯最著名的作品之一。艾夫斯并不要求乐队的两个部分在节奏上有任何精确的协调。他这样描述这首作品的意图：“弦乐器从头至尾拉PPP，速度没有变化，它们应该表现德鲁伊德僧侣—他们什么也不懂，什么也看不见，什么也听不见的沉默。小号吟诵‘永恒的生之谜’，且每次陈述这一问题时都用同样的声调。但是，由长笛和其它乐器承担的对那无形答案的探索通过不断变化变得更活跃、更快速、更响亮。随着时间的推移，接着又开了一次秘密会议，那些‘奋斗着的回答者’似乎意识到这一切是徒劳的，于是开始嘲笑那‘问题’—斗争暂时结束了。在他们消失之后，‘问题’最后一次被提出，然后在远方‘不受干扰的孤寂’中听到了‘沉默’。”

1953 年南方音樂出版社出版的《未解之謎》樂譜列出了以下三個樂器組：

一個木管四重唱。樂譜前言寫道：“如果由大型弦樂團演奏，指揮可酌情使用完整的高音木管合奏團…”

Flute I
Flute II
Flute III (or Oboe)
Flute IV (or Clarinet)

獨奏樂器，最好是小號。前言寫道：“除非在非常大的房間裡演奏，或者與大型弦樂團一起演奏，否則小號應該使用弱音器。”

小號（或英國管、雙簧管或單簧管）

弦樂四重奏或弦樂團（附弱音器）。前言指出，該樂團“如果可能，應‘在舞台外’，或遠離小號和長笛”。前言還指出：“如果弦樂器超過四根，低音提琴手可以與大提琴一起演奏（8va basso）。弦樂器全程以極弱（ppp）演奏，速度保持不變。”

Violin I
Violin II
Viola
Violoncello (8va Contrabass)

各樂團的演奏節奏各不相同，通常需要不同的指揮。

艾夫斯提供了一段簡短的文字來解讀這部作品，賦予它類似標題音樂的敘事性。在整首樂曲中，弦樂持續演奏緩慢的調性三和弦，艾夫斯認為這代表著「德魯伊的沉默——他們一無所知、一無所見、一無所聞」。在此背景下，小號七次提出一個非調性樂句——“永恆的存在之問”，木管樂器在前六次中以一種越來越不穩定的方式“回應”它。艾夫斯寫道，木管樂器的回應代表著“爭辯的回答者”，他們過了一段時間後“意識到徒勞無功，開始嘲笑‘這個問題’”，最終消失，留下“這個問題”再次被提出，然後“沉默”回歸其“不受干擾的孤獨”。樂曲以弦樂「在遠處輕柔地嗡嗡作響，如同天體永恆的音樂」結束。

弦樂以極弱的音調重複了兩次一段十三小節的進行，速度之慢令人感到靜止。它運用了聲部進行、經過音和裝飾音，其手法令人聯想到讚美詩或聖詠。重複之後，弦樂部分以微妙的方式變化，聽眾難以察覺。與這不斷變化卻看似規律的「寂靜」形成對比的是，小號重複著同一個「問題」：五個音符，最後一個音符在C和B之間交替。木管樂器的無調性回應則以明顯的方式變化，變得越來越激動和不協和。在木管樂器最終放棄之後，小號最後一次輕聲地提出這個問題。

艾夫斯於1908年創作了《未解之謎》（The Unanswered Question），在他的工作稿中，這首曲子被括號標註為“宇宙景觀”（a Cosmic Landscape）（儘管它常被誤認為是1906年）。 1930年至1935年間，他對其進行了修訂，加入了13小節的引子，使木管樂器部分更加不協和，並添加了更多的力度和演奏法標記。他還對“疑問主題”做了一個雖小但意義重大的改動，該主題最初以起始音結束，而現在則保持未解決的狀態。

1930年至1935年間，他也創作了室內樂版的《未解之謎》。此版本於1946年5月11日在紐約哥倫比亞大學麥克米林劇院首演，由茱莉亞音樂學院研究生組成的室內樂團演奏，埃德加·申克曼（舞台上）指揮，弦樂部分由西奧多·布魯姆菲爾德（舞台下）指揮。同一場音樂會也首演了《黑暗中的中央公園》和《第二弦樂四重奏》。 1951年，由威爾·洛林指揮的寶麗音樂室內樂團錄製了該作品，並由寶麗音樂唱片公司發行了首個錄音版本。

該作品的原版直到 1984 年 3 月 17 日才首演，當時丹尼斯·羅素·戴維斯和美國作曲家管弦樂團在紐約市的交響樂空間演奏了該作品，作為“艾夫斯作品全集”系列的一部分。

1985年，保羅·艾科爾斯和諾埃爾·扎勒出版了《未解之謎》的一個版本，其中收錄了原版和1930-1935年的修訂版。幸運的是，艾科爾斯和札勒找到了足夠完整的資料，可以用於研究這兩個版本的樂譜。

在《美國音樂的節奏基礎》一文中，艾利歐特·卡特指出，「不同節奏層面的組合使艾夫斯陷入了複雜的記譜問題。在《未解之謎》中，弦樂和喇叭以標記為‘Largo molto sempre’的速度演奏。言中，艾夫斯寫道，管樂部分‘不必按照標記的確切時間演奏’。提前演奏。奏後，弦樂將繼續演奏最後一個和弦約兩個小節。

在力度方面，弦樂部分總是演奏極弱（ppp），結尾漸弱至極弱（pppp）。小號部分總是演奏弱（p），除了最後一個「問題」（Question）部分演奏極弱（pp）。然而，管樂部分的音量逐漸增強：六個「答案」（Answers）部分的力度標記分別為弱（p）、中強（mp）、中強（mf）、強（f）< 極強（ff）、強（f）< 極強（ff）和極強（ff）< 極強（ffff）< 極強（ffff）。艾夫斯指出：“在長笛一些較強的段落中，弦樂可能聽不到，但弦樂是否能被聽到並不重要。”

琳達·麥克稱《未解之謎》是「對比鮮明的作品。弦樂奏出緩慢的自然音階三和弦；獨奏小號七次提出這個問題；長笛試圖回答這個問題，但每次都變得越來越焦躁不安，越來越無調性。 「倫納德·伯恩斯坦在他1973年的諾頓講座中補充道（該講座的標題借用了艾夫斯的作品），木管樂器象徵著我們人類的回答，這些回答變得越來越不耐煩和絕望，直到完全失去意義。同時，從一開始，弦樂就一直在演奏它們自己獨立的音樂，無限輕柔、緩慢而悠長，永不改變，永不增強或增強，也從未受到小號和木管樂器之間那種奇特的問答對話的影響。伯恩斯坦也談到，弦樂演奏的調性三和弦與小號的非調性樂句形成對比。最後，當小號最後一次提出這個問題時，弦樂「靜靜地將純粹的G大三和弦延續到永恆」。這首樂曲生動地展現了20世紀調性音樂和無調性音樂同時存在的二元對立。

奧斯汀·弗雷也對這篇文章發表了另一種看法：

The 'cosmic landscape' of The Unanswered Question, a trumpet repeatedly poses 'the eternal question of existence' against a haunting background of strings, finally to be answered by an eloquent silence. By that work of 1906, Ives was over half a century ahead of his time, writing in collage-like planes of contrasting styles. In 1951, the Polymusic Chamber Orchestra, conducted by Will Lorin, first recorded the piece.
在《未解之謎》這首作品中，小號反復奏響“存在的永恆問題”，伴隨著弦樂縈繞耳畔的旋律，最終以一段意味深長的沉默作結。創作於1906年的這部作品，讓艾夫斯的創作理念領先時代半個多世紀，他運用拼貼畫般的手法，將對比鮮明的風格巧妙融合。 1951年，由威爾·洛林指揮的波利穆斯室內樂團首次錄製了這首作品。

亨利和西德尼·考威爾寫道：「寂靜由弦樂中間隔較遠的柔和、緩慢移動的和諧音來表現；它們以平靜不間斷的方式貫穿整首樂曲。當它們持續足夠長的時間以營造出這種氛圍後，響亮的管樂器以不協和的喧鬧旋律以結束了這種織體，最終以結束句織體，最終以結束的音調結束。

艾夫斯研究專家韋恩·雪莉認為，《未解之謎》與美國超驗主義詩人拉爾夫·沃爾多·愛默生的詩作《斯芬克斯》（1847）在「意象、結構和世界觀」上有著共通之處，並且其標題源自於該詩中的一句：「你是未解之謎」。在耶魯大學就讀期間，艾夫斯撰寫了關於愛默生的畢業論文，並在創作《未解之謎》後不久，創作了《愛默生序曲》，其中部分內容後來被融入了《康科德奏鳴曲》中。

馬修麥克唐納指出，艾夫斯回憶說，《未解之謎》是幾首作品之一，創作完成後不久，這些作品就「被演奏——或者更確切地說是被試聽——通常以爭吵或噓聲告終……」。他總結道：「或許可以將『解答者』與艾夫斯的聽眾聯繫起來，他們最初對他的音樂感到困惑，最終卻對他的音樂不屑一顧，甚至加以嘲諷……因此，我們或許可以把《未解之謎》理解為一部隱晦的自傳，艾夫斯在其中將不被理解的藝術家這一主題提升到了難以想大的高度，一場規模大的鬥爭。」

艾夫斯的傳記作者簡·斯沃福德稱這件作品是「一種由三個截然不同的層次組成的拼貼畫，大致協調一致」。經常指揮這首作品的亞倫·科普蘭認為它是「美國藝術家創作的最優秀的作品之一」。

艾夫斯將樂器分成不同的組，分別放置在舞台上，並以獨立的節奏演奏，這種做法影響了美國作曲家亨利·布蘭特的作品。

Charles Ives - The Unanswered Question Charles Ives, The Unanswered Question.James Sinclair, Conductor.Northern Sinfonia._____________________________________________________The music published on...

歌劇欣賞【Rossini: Rossini: Guillaume Tell】

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Gioacchino Rossini: Guillaume Tell In order to view exclusive films with NO ADVERTS and HELP Altea Media restore in UHD resolution new productions, please join and subscribe :https://www.youtu...

樂曲介紹【Grofe: Grand Canyon Suite】

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《大峽谷組曲》是費迪·格羅菲於 1929 年至 1931 年間創作的管弦樂組曲。它最初的標題是《大峽谷五幅畫》。

這部作品由五個樂章組成，每個樂章都以不同的音調描繪了大峽谷的典型景象。保羅懷特曼和他的樂團於1931年11月22日在芝加哥的斯圖德貝克劇院舉行音樂會，首次公開演出這部作品。

格羅夫在1937年描述了他的作品的創作過程：

雖然我出生在紐約市，但五歲時我就完全失去了身為紐約人的意識。從那時起直到幾年前，我一直住在加州……在創作《大峽谷組曲》時，我借鑒了自己多次造訪這大自然鬼斧神工的邊緣時所做的筆記。我觀察過大峽谷四季的變遷，感受過它各種不同的面貌。我的觀察記錄在紙上，那些如同象形文字般的筆記，後來被轉錄成了樂譜。

格罗菲的《大峡谷》组曲是一部绘画般的作品。作曲家在曲中适当揉合进了一些爵士乐的手法，既丰富了乐曲的内涵，又为乐曲带来了轻松活泼的气氛。

美国亚利桑那州西北部的科罗拉多河大峡谷，长达350公里，宽6-29公里，景色颇为壮丽，是世界上罕见的自然奇观。大峡谷的断崖绝壁最深达 1620米，由于各岩层质地不同，色彩也迥然相异，在不同时间的日照下，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七彩纷呈，仿佛是一条五光十色、斑斓夺目的彩虹；而在月夜，大峡谷又蒙上了一层神秘的面纱，展现出朦胧而富有诗意的意境；如果适逢暴雨，这里又是另一番景象：在所有的小径上，水流瀑布般地沸腾着，谷底的科罗拉多河也随之狂怒起来。这种富于诗情画意的景色，无疑刺激了作曲家的创作欲望，同时也为作曲家提供了丰富多彩的音乐素材。

美国当代著名作曲家格罗菲(Grofe)曾多次赴大峡谷旅游。他怀着激动的心情，决心以音乐来描述大峡谷变幻无穷的美。经过多年酝酿后，格罗菲在1921年写出了《大峡谷组曲》(Grand Canyon Suite)的第1乐章“日出”，但到这部组曲全部五个乐章最终完成时，已是10年后的1931年了。

這套組曲的樂章如下：

Sunrise
Painted Desert
On the Trail
Sunset
Cloudburst

第1乐章 “日出”：这是一幅沙漠上日出的风景画。朝霞在黑暗的夜幕上洒上了黎明的彩色斑点。当太阳从地平线上冉冉升起时，彩光四射的辉耀宣告了新的一天的来到。

第2乐章 “五光十色的沙漠”：沙漠是寂静神秘的，同时也是美丽迷人的。当太阳明亮的光线反射到雄伟的岩壁上时，五光十色的光芒倾泻于大峡谷附近的沙地上，好似在巨大的画布上浓重地涂满了大自然本身的种种混合颜料。组曲的第2乐章表现的就是这种意境。

第3乐章 “在山径上”：一名游客骑着小毛驴行进在大峡谷的山径上，驴蹄的“哒哒”声为牧童的歌声提供了一个不寻常的节奏背景。突然，越走越快的小毛驴滑了一下，把游客着实吓了一跳，随之单簧管形象地模仿出驴叫声，幽默的氛围令人忍俊不禁。游客继续骑驴前行，潺潺的流水声描绘出科罗拉多河瀑布的美景。不久，一所孤零零的小屋映入眼帘，当游客走近小屋时，可以听到八音盒发出的叮咚声，游客们在小屋前歇息片刻后，以更轻快活跃的步伐继续前行，最后消失在远方。

第4乐章 “日落”：一道夜晚的阴影在金黄色的天际掠过。黄昏时分的平和与幽暗慢慢降临到峡谷上。而当夜幕将峡谷笼罩在它黑暗的斗篷中时，远处传来了几声野兽凄厉的叫声。

第5乐章 “大暴雨”：大峡谷的暴雨格外壮观。转瞬之间，闪电划破漆黑的夜空，勾勒出峡谷岩壁的轮廓；震耳欲聋的雷声不绝于耳；暴风骤雨铺天盖地席卷而来，具有压倒一切的威势。雨过天睛，大峡谷在月光中展现出焕然一新的英姿，作者用田园诗般的旋律描绘出这一情景。

大峡谷位于美国科罗拉多州西北部科罗拉多河，长402公里、宽达4—29公里、河谷绝壁最深处有1600多米，是美国以至世界有名的天然奇景。1920年，格罗菲游览了大峡谷名胜，这里形形色色的风光景物和风俗人情，给他留下了深刻的印象。第二年他写下了第一乐章“日出”。以后他还多次去大峡谷。直到1931年完成了全部五个乐章的交响组曲，当年11月22日首演。音乐不但是对大峡谷风光和游览者的生动描绘，也以交响乐和爵士乐的成功结合，创立了美国音乐风格的一个典范。

一、日出(Sunrise)
小行板，6／4拍。持续全乐章的定音鼓以柔和的滚奏开始了全曲，它以沉稳的音响展现出黎明前漆黑的地平线，和一片沉寂的荒野。短笛尖锐的旋律短句和颤音，好似朝霞初起．天边露出了一线光明。短笛的动机经过长笛再由独奏的英国管完整地吹奏出来，优美而潇洒。

这个气息宽广的日出主题，不断地在木管乐器上以不同的音色重复，当它在柔美的弦乐器上更强地唱出来时，出现了一个下行的分解主和弦音调的主题，它在乐队不断增长的音响中，仿佛展示那绚丽的阳光驱走了一切黑暗，朝日喷薄而出，把灿烂的金光洒满了大地。

在音潮中，前面的主题又再现，浓厚而丰满的配器，好像描画出一幅大峡谷光挥而宽阔的全景。乐章以第一主题动机的不断反复和音响的积累，在高潮中结束。

二、紅色沙漠(The Painted Desert)
慢板，3／4拍。在竖琴持续八度音反复和乐队微弱的长音背景所造成的神秘气氛中，低音单簧管和中提琴奏出了一个从主音下行到升4级音上延长的主题，好像是烈日下沙漠中一片热浪蒸腾的不动的景象。

木管乐器和钢片琴以尖锐的音色不时穿插进来，好像是海市蜃楼般的奇景。各种古怪的和弦和乐器组合，交汇出丰富的乐队色彩，生动地描绘了沙漠上耀眼的阳光在雄伟的岩壁和砂石上反射出来令人眼花缭乱的五颜六色，光、影、景物和色彩，交合成斑驳绚丽的油画。中间部分，由英国管和小提琴奏出了一个与前面成对比的抒情主题．然后又回到开始那神秘的气氛中，几次反复后，最后以死寂不动的画面结束了这个乐章。

三、山路(On the Trail)
稍快的小快板，6／8—2／2拍。旅行者骑着毛驴沿崎岖小道在大峡谷中穿行，是游览中最引人入胜的一个节目，而描写这一情景的抒情的第三乐章也成为组曲中最精彩、最流行的一段。

乐队全奏的一个响亮的滑音——模仿一声驴叫，开始了这个乐章。独奏小提琴巧妙地把驴叫声和旅人主题动机揉合在作为引子的华彩段中．介绍了旅游路上两个主要的“人物”——可爱的驴子和骑在它上面的旅人。引子之后，双簧管吹出了第一主题，这个在4／4拍伴奏下以6／8拍出现的主题，旋律被休止符分割，作八度跳进，断奏而又带装饰音，在打击乐器的音色配合下，犹如驴蹄击打着满是石块的小径，由远而近走来。其中速度的变化，使人感到驴子上坡和下坡时不同的步子，加上几声驴叫，把诙谐而动感的画面描绘得极为生动。

然后，在第一主题的背景上，出现了以两支圆号转接着吹出来的一个动听的对位旋律，这支旋律就是旅人主题，它以跳进的旋法和长音节奏，充满了美国西部音乐优美而悠长的风格，它开朗又无拘无束，体现了旅人悠闲自得的愉悦心情。它和描绘驴子的音乐不断地穿插在一起。动人的旋律和生动的画面交织成美妙的情景。

接着，竖琴和钢片琴描画出潺潺流水的背景，旅人走过大瀑布，欣赏这美丽的风景。随着钢片琴晶莹悦耳的华彩，旅人在一座孤零零的小屋旁停下，陶醉在屋里传出的美妙的八音盒的仙乐之中。休息片刻后，旅人继续向前。在乐队全奏的高潮中，旅人主题和驴子主题再次结合，描绘旅人骑在驴背上急驰而过，又好像从高高的山坡小路上直冲而下。最后，乐章在乐队全奏模仿驴子响亮而滑稽的仰天长嘶中结束。

四、日落(Sunset)
中板——广板，4／4拍。黄昏时，峡谷一片寂静，幽暗一点点浓重。圆号以很强接以很弱的回声效果模仿空旷的原野上暗夜降临时野兽的吼叫。

在钢片琴和长笛演奏的钟声背景上，小提琴以细分为五部的音响，用泛音奏出旋律级级下降的主题，它以特殊的音色描绘出半沉在地平线上的落日所射出的金黄色余辉，并带有一丝伤感的情调。

主题在各种乐器的结合上展开，音色富有对比，浓密的和声使景色显得更为厚重。随着音响的变化和逐渐低落，随着竖琴奏出的晚祷钟声，暮色渐渐覆盖了原野。音乐也自然地带有一点遗憾和忧郁。最后，重新出现引子材料，大峡谷口隐隐约约传来的野兽的叫声也在黑夜中消失了。

五、暴雨(Cloudburst)
广板．4／4拍。第三乐章中的旅人主题重新出现，它以小提琴声部的重奏在高音区的稀薄音响，造成了寂静的背景。一个节奏均匀的新的主题在弦乐器上出现，它以向上大跳再依音阶下行为特点，一句句上移模进，隐伏着逐渐接近的不平静的气氛，预示着暴雨的来临。

大提琴伴着轻微的锣声在低音区轻轻地徘徊，小提琴在高音区拉出一连串滑音，雷声渐渐接近，暴风雨终于来到了。一个带附点的切分音再延长的主题动机，通过转调、紧缩、发展，及各种配器变奏，描绘暴风雨场面。钢琴的刮奏、管乐器强力度的和弦、弦乐器不协和的密集音响，加上定音鼓霹雳似的轰鸣和钹击出的有如穿裂长空的闪电的耀眼光芒，以直泻而下的倾盆大雨，肆意叫嚣的狂风和惊雷，交汇出惊心动魄的一场暴风雨，乐队以它全部力量和色彩的可能交响着震耳欲聋的声响，大自然不可驾御的雄浑气魄和无穷威力，在这里被淋漓尽致地表现出来。在暴风雨的高潮之后，钢琴的刮奏描绘了风声携带着最后几片豪雨飘洒而去，暴雨停歇了，月亮又从云层中泻下一片银光。

最后，乐队音响又高涨起来。在乐章的结尾，第一部分主要主题以更强的力度作为背景，铜管乐器以宏大丰满的音响再次奏出旅人主题，木管乐器的切分音和弦乐器不断上升的音型衬托着．宽广的旋律以澎湃的音潮表现出对大自然辉煌力量的壮丽颂歌，在高潮中结束了全曲。

格罗菲的《大峡谷》组曲是一部绘画般的作品。作曲家在曲中适当揉合进了一些爵士乐的手法，既丰富了乐曲的内涵，又为乐曲带来了轻松活泼的气氛。

菲尔德·格罗菲（1892－1972），是美国本土先驱的作曲家、钢琴家、编曲。格罗菲生长在美国纽约的一个音乐世家，自幼得到来自双亲的音乐指导，因而拥有全方位的音乐才华。但他并不能因此而成为“神童”，父亲的去世致使家境日臻贫寒，少年时的格罗菲已经外出当了“打工仔”。他做过各式各样的零工，并从一个每晚两美元的酒吧钢琴师开始了音乐生涯。

20年代，格罗菲还以演奏爵士钢琴为主，也为乐团输送了大量的爵士和通俗作品改编。1924年，他为同时代的美国作曲家格什温的作品《蓝色狂想曲》配器，并因而成名。从此格罗菲又从编曲走向音乐创作，自30年代开始，在各种传媒里都展现着他杰出的创作天分。

《大峡谷组曲》是格罗菲在此间一直酝酿的题材，从写出第一个乐章到1931年全部完成据说经过了十年，如此慢工熬制的作品不负所托，作为格罗菲才能的综合体现，也是他最为经典的代表作品。在这个五乐章的组曲当中，既有古典乐绚丽生动的音乐语言，用以刻画大自然的鬼斧神工；亦有爵士乐的通俗和诙谐，用以描写游人的闲情逸致，美丽的景致和人的心境都得到了完美的诠释。

“日出”乐章，先用微弱的管弦乐模拟微亮的天色，笛子送出天边第一道曙光，随着光照的增强、音乐越来越明朗，缓慢的节奏和悠远的旋律引人充分的视觉联想，仿佛看到自天际的那条交界线越来越模糊，渲染在一片暗红的油彩色里。忽而绽放的弦乐，是太阳跳出来了，刺眼的光芒唤醒了沉睡的万物，楼阁草木的轮廓也越发地清晰，终至展开一个明亮的世界。

在“五光十色的沙漠上”，铃铛的声音伴着低沉的旋律慢慢跋涉，一股神秘的、沉睡的情绪充斥在荒凉的背景中。忽而绕到了沙丘的向阳面，明亮的景致又有所不同，在这或明或暗的斑斓色彩里，每一粒沙子都成了变色的霓虹灯，闪烁着令人迷惑又流连忘返的光泽。

行走到“山径小路上”，先遇到了一段象征不稳定和崎岖的变奏，仿佛行人的驴正在艰难的路况里歪歪斜斜的挪动。随着驴蹄声起，路途开始变得从容，在忽然越来越快的步伐里又有一个打击乐的“踉跄”，簧管发出惊吓又滑稽的驴叫声，如此一波三折，在终于稳定心神后，游客才开始留神蜿蜒的景致。圆润的号声和鸟鸣般的木管组成了奇峰深谷和静静的河流，直到蹄声再起，奔驰在广阔的天地间……八音盒声仿佛自梦境中来，累极的人们逗留在路边的小屋享受片刻的休憩，但是鼓槌预示着暴风雨的来临，旅者主题变成逃命般速度的奔向远方。

号声送达一个日落主题，忽然间天色已经阴暗了下来。傍晚时分的沉寂侵蚀着大地，昏昏沉沉的太阳又来涂抹暗红的色彩。随着夜的逐渐降临，在那归于静谧的音响里还有不安分的奏鸣声仿佛是风声兽鸣。夜色里，又出现了瞬间的旅者主题，游客嗅着山谷的味道正躲藏在某处，静听这“山雨欲来风满楼”的紧张和压抑。

雨点儿降临了，先是吓人的打击乐和喇叭传来的“闪”，紧接着是钢琴连奏的“电”和鼓声隆隆，闪电雷鸣充斥在暴雨倾盆的深黑色夜空中，让人体会到身临其境的恐怖之感。所幸暴风雨仿佛来的快去的也快，风雨交加过后，再有些个零敲碎打的闪电和雷声就归于沉寂了。雨后，大峡谷的景致也被冲刷得焕然一新，刺眼的光芒和冷风萦绕在广阔的山谷当中，连斑斓的石头也因此展示出冷峻的气质，让这条地球的伤疤慑人心魄，伫立在大自然的杰作中，听者和作者有着一个共同的感慨：好一派西部风光！

《大峽谷》是迪士尼於1958年出品的短片，採用寬銀幕格式，由詹姆斯·阿爾加執導。本片以彩色底片拍攝的大峽谷實景為特色，搭配《大峽谷組曲》，但樂章順序略有改動。 [如何改動？ ] 與《幻想曲》類似，這部影片沒有故事情節，也沒有對白。本片榮獲1959年奧斯卡最佳短片獎。

自 1958 年大峽谷立體模型首次亮相以來，《On The Trail》一直被用作迪士尼樂園聖達菲和迪士尼樂園鐵路上的大峽谷立體模型的配樂。

《On The Trail》是菲利普·莫里斯香煙在美國廣播和電視廣告中的主題曲，從1934年一直持續到20世紀60年代的某個時期，配以約翰尼·羅文蒂尼用酒店門童呼叫顧客的語氣喊著“呼叫菲利普·莫里斯”的聲音。這首曲子也被大量運用在鮑伯克拉克執導的電影《聖誕故事》中，當拉爾夫和他的弟弟在睡夢中憧憬著聖誕節的早晨時，鋼片琴獨奏部分便作為背景音樂出現。

日出和日落是由《時間儘頭的世界》中的《D1——我仍然覺得我就是我》和《D5——前方的路很孤獨》的管理員拍攝的。更進一步，Cloudburst在《無處不在》中被採樣爲《孤獨的前方》，一個空洞的極樂。

[Score] Ferde Grofé - "Grand Canyon" Suite (1931) for orchestra Score: https://archives.nyphil.org/index.php/artifact/7308eebe-23be-472a-a103-76682fcca73d-0.1/fullviewAudio: https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_m...

歌劇欣賞【Die Hochzeit (Oper)】

https://youtu.be/isUm6a5Oiz8?si=vxoEj-mh48q_k9CX

https://youtu.be/isUm6a5Oiz8

Mozart: Die Hochzeit des Figaro (Video, Berlin 1992, deutsch) mit René Pape Zum heutigen 90. Geburtstag von Generalmusikdirektor Siegfried Kurz:"DIE HOCHZEIT DES FIGARO" (Mozart) - Berlin, 29. Juni 1992 (deutsch)Letzte Vorstellung de...

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其實無數鋼琴學習者心底最真實的吶喊👉👉這種「想快，快不成、想慢，心好累」的矛盾，往往是練琴過程中最讓人想放棄的時刻。

這不是因為你懶，也不是因為你沒有天賦，而是因為你的「成就感來源」與「大腦處理資訊的方式」產生了衝突。

以下為你準備了一篇溫柔的導讀，以及針對你具體困惑的解決方案。🤗🤗

練琴不是一場與時間的苦役，而是一次與自己的溫柔和解。

看著厚厚的樂譜，聽著節拍器滴答滴答地走，心裡想著：「照這個速度練下去，什麼時候才能彈完這首歌？」那種焦慮，我懂。

我們之所以不想慢練、不想單手，是因為我們太愛這首曲子了，我們迫不及待想聽到它完整的、流暢的樣子。但有時候，我們對完美的渴望，反而變成了阻礙我們前進的壓力。

這篇文章想告訴你，那些讓你感到矛盾和挫折的瞬間，其實是大腦在向你發出求救訊號。讓我們換一種方式，不再跟自己「硬碰硬」，而是學會如何輕盈地跨過那些音符的障礙。

為什麼你會感到這麼大的壓力？
1. 目標過大（全曲觀）：你把「整首歌」當成練習單位，所以慢練顯得遙不可及。
2. 情緒補償（假性流暢）：加速彈奏雖然會錯，但那種「動感」給了你一種「我在進步」「我可彈快」的錯覺；而慢速彈錯時，這種挫覺會被放大，讓你覺得慢練沒價值。
3. 認知負荷（大腦超載）：合手彈奏複雜樂句時，大腦同時要處理左右手、節奏、音色，就像電腦同時開了 100 個程式，當然會當機。

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1. 關於「整首歌太長」：試試「碎片化練習」
不要想著「練完這首歌」，要想著「攻克這兩行」。
具體做法：每天只給自己設定 3-4 個「微小目標」（例如：第 5-8 小節的左手跳音）。
啟發：就像拼圖，你不需要每天盯著整幅圖看，你只需要拼好今天手上的那五塊。當微小的部分變完美了，多個「微小部分」合併，整首歌自然就成了。慢練 4 小節，比混著彈完 4 頁更有成就感。

2. 關於「慢練也會彈錯」：接受「Debug」的過程
慢練不是為了「不彈錯」，而是為了「看清楚為什麼錯」。
具體做法：當你慢練還彈錯時，不要懊惱，請停下來像觀察小昆蟲一樣看著你的手指：「咦？原來是這裡四指要跨過三指啊！」
啟發：加速彈錯是「意外」，慢速彈錯是「發現」。慢練時的錯誤是你的好朋友，它在提醒你這裡的肌肉記憶還沒建立好。只有看清了 Bug，你才能修復它。

3. 關於「單手太浪費時間」：把它想像成「主角試鏡」
單手練習不是「拆開」，而是「賦予靈魂」。
具體做法：試著把左手當成大提琴，右手當成小提琴。分開練時，去聽左手那個低音的線條美不美？
啟發：兩隻手合在一起時，我們往往只剩下「對位」的機械感。單手練習是為了讓每一隻手都能「獨立思考」。當兩隻手都很有自信時，合手時的壓力會瞬間減少 80%。

4. 關於「加速又會彈錯」的矛盾：使用「變速階梯」
不要只有「慢」跟「快」兩個檔位。

具體做法：
如果你在60 bpm (beats per minute)彈得很順，不要直接跳到 100 bpm。試試 65、70。
進步是階梯狀的，不是跳躍式的。給大腦一點適應的時間，那種「加速就出錯」的挫折感就會消失。

❤️親愛的同學，請記得：練琴的目的是為了享受音樂，而不是為了完成任務。

當你覺得慢練很痛苦時，那是因為你太想「趕快變好」了。這份心意很寶貴，但請試著對自己溫柔一點。

「慢」，其實是最高級的快。因為當你慢下來看清了每一個細節，你的肌肉就學會了正確的動作，這比你快快地彈一百遍卻留下一堆錯誤習慣要節省得多。

下次練琴前，先給自己一個深呼吸。告訴自己：「今天我只跟這四小節好好相處，就算只練好這四小節，我也非常棒了。」

音樂不在終點，就在你指尖慢下來的那一刻。加油！😉