12/06/2026
En los talleres donde se formaron Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Caravaggio y Diego Velázquez, el dibujo era la base de todo: geometría, anatomía, perspectiva, claroscuro, materiales y entonado, articulados en un solo sistema.
Aprenderlo tomaba años bajo la guía de un maestro. No era un complemento, era el fundamento que sostenía toda la pintura.
El curso “Técnicas de dibujo en tercera dimensión: Procedimientos de los grandes maestros del Renacimiento al Barroco” recupera esa enseñanza. A través de un enfoque teórico-demostrativo, comprenderás los principios que transforman tu manera de trabajar con métodos que construyeron una forma de dibujar que sigue vigente.
📅 19 y 20 de junio de 2026, de 10:00am a 7:30pm, hora Ciudad de México.
— Puedes tomarlo presencial o en línea (Cupo presencial hasta 8 personas).
— Incluye materiales, sesión en vivo, grabación del curso y diploma con validez curricular.
Aprende a dibujar con técnicass heredadas de los gremios renacentistas y las academias barrocas. Obtén todos los detalles e inscríbete visitandosiguiente enlace: ttamayo.com/product/tecnicas-de-dibujo-en-tercera-dimension/
12/06/2026
Durante la Edad Media, el arte dejó de centrarse en representar el mundo visible para enfocarse en transmitir ideas espirituales. La imagen ya no buscaba imitar la realidad, sino comunicar la presencia de lo divino.
Estas obras suelen parecer esquemáticas o alejadas del naturalismo que asociamos con el Renacimiento. Los artistas privilegiaban el simbolismo sobre la observación directa, el fondo dorado representaba la luz celestial, mientras que figuras y objetos funcionaban como vehículos para transmitir enseñanzas religiosas.
Más allá de su función espiritual, las imágenes también desempeñaron un papel importante en la consolidación del poder religioso y cultural de la época. Convirtiéndose en una herramienta para comunicar valores, reforzar creencias y construir una identidad visual compartida en gran parte del mundo cristiano.
Comprender este contexto permite apreciar mejor la riqueza técnica y simbólica de los iconos bizantinos, una tradición que sigue influyendo en numerosos artistas contemporáneos. En el curso de "Técnicas de los Iconos Bizantinos y su uso en la pintura actual" exploraremos su historia, materiales, recetas y posibilidades de aplicación en la práctica artística contemporánea.
Consulta la información completa en nuestro texto de blog "De la Edad Media al Renacimiento": https://qr.ttamayo.com/qj5pvv
12/06/2026
Próximo curso: Técnicas de los iconos bizantinos y su uso en la pintura actual
El temple de agua ha sido usado desde hace miles de años, puesto que el huevo ha sido usado para pintar desde la era de las cavernas. Se sabe que fue empleada por egipcios y mayas, así como por distintas culturas de Europa.
Sin embargo, hoy en día es principalmente conocido por su uso en los íconos medievales y bizantinos. Pintores como Botticelli y Fra Angélico son famosos por hacer uso de este método pictórico, el cual, permite lograr un colorido sumamente brillante y luminoso. Luego se llevó a formatos más grandes durante el periodo bizantino, y durante el siglo XX fue retomada por pintores como Andrew Wyeth, Leonora Carrington y Remedios Varos, entre otros.
En este curso, te sumergirás en la historia de esta antigua técnica que ha inspirado a generaciones de artistas a lo largo de los siglos. Desde los misteriosos manuscritos medievales hasta las obras contemporáneas más impactantes, te llevaremos en un viaje a través del tiempo y el arte.
📅 Viernes 24 y sábado 25 de julio 2026, de 4:00 a 7:00pm, hora Ciudad de México.
— Puedes tomarlo presencial o en línea (Cupo presencial hasta 8 personas).
— Incluye materiales, sesión en vivo, grabación del curso y diploma con validez curricular.
Obtén todos los detalles e inscríbete visitando el enlace en nuestra biografía o bien, ingresando al siguiente link: ttamayo.com/cursos-intensivos/
11/06/2026
La encáustica es una de las técnicas pictóricas más antiguas que continúan utilizándose en la actualidad, no por interés arqueológico, sino porque ofrece cualidades materiales que siguen siendo difíciles de igualar.
Su principio es relativamente simple: pigmento suspendido en cera de abeja fundida, generalmente modificada con resinas para aumentar su dureza y estabilidad. Sin embargo, esta combinación produce una superficie con características únicas de profundidad, saturación y permanencia.
A diferencia de otros medios, la encáustica requiere calor tanto para su preparación como para la integración de las capas. Cada aplicación debe fusionarse con la anterior mediante temperatura controlada, generando una estructura pictórica sólida y estable. El resultado es una película resistente a la humedad, con una notable riqueza óptica derivada de la forma en que la luz atraviesa y se dispersa dentro de la cera.
No es casualidad que algunas pinturas encáusticas realizadas hace casi dos mil años, como los retratos funerarios de Egipto romano, conserven aún una intensidad cromática extraordinaria. La técnica demostró su eficacia mucho antes de que existieran los estudios modernos sobre conservación.
La persistencia de la encáustica ilustra una realidad frecuente en la historia del arte: muchas técnicas tradicionales no sobreviven por respeto al pasado, sino porque representan soluciones materiales excepcionalmente refinadas. Cuando un procedimiento ofrece estabilidad, luminosidad y control durante siglos, deja de ser una curiosidad histórica para convertirse en una referencia técnica.
11/06/2026
Simbolismo, surrealismo y arte visionario: Dibujar y pintar desde la mente
Más allá de lo que hemos visto, todo artista necesita herramientas para darle forma a aquello que ha imaginado, donde el símbolo junto a la experiencia personal se convierten en un lenguaje capaz de abrirse hacia lo colectivo, hacia secretos de distintas épocas y culturas. Este curso nace de esa necesidad: ofrecer herramientas para construir mundos que no solo representen, sino que revelen, articulando pensamiento, sensibilidad y oficio pictórico.
📅 Lunes 3 de agosto 2026, de 4:00 a 7:00pm, hora Ciudad de México.
— Puedes tomarlo presencial o en línea.
— Incluye clases semanales totalmente en vivo, grabación de clases, seguimiento del profesor, diploma con validez curricular.
Obtén todos los detalles e inscríbete visitando el enlace en nuestra biografía o bien, ingresando al siguiente link: bit.ly/4t2HWq4
10/06/2026
La importancia de Sofonisba Anguissola dentro de la historia del arte va mucho más allá de haber sido una de las pocas mujeres artistas reconocidas durante el Renacimiento. Su verdadera relevancia radica en la calidad técnica de una obra capaz de competir con los estándares más exigentes de su tiempo.
Formada en una época donde el acceso a la educación artística estaba profundamente restringido para las mujeres, Anguissola desarrolló una extraordinaria capacidad para la observación psicológica y la representación del retrato. Sus pinturas se distinguen por una sensibilidad poco común hacia la expresión humana, logrando transmitir individualidad y presencia sin depender de artificios excesivos.
Particularmente innovador fue su tratamiento de las escenas familiares y los retratos informales, donde sustituyó parte de la rigidez característica del retrato cortesano por relaciones más naturales entre los personajes. Esta búsqueda de verosimilitud anticipó soluciones que tendrían gran influencia en generaciones posteriores.
Su prestigio fue tal que llegó a desempeñarse como pintora de corte en la monarquía española y recibió el reconocimiento de figuras centrales del Renacimiento, entre ellas Michelangelo. Un reconocimiento que no respondió a concesiones sociales, sino al valor técnico y artístico de su trabajo.
La permanencia de Sofonisba Anguissola en la historia del arte demuestra una constante que atraviesa los siglos: las obras verdaderamente sólidas sobreviven porque resuelven problemas visuales con una excelencia que continúa siendo relevante. La técnica puede evolucionar, pero la maestría sigue siendo reconocible.
10/06/2026
Miguel Ángel dibujó durante más de 75 años, pero hay algo que lo distingue de muchos otros maestros: nunca dejó de pensar como escultor. Su objetivo no era simplemente representar una figura, sino hacer que pareciera ocupar un espacio real.
Para lograrlo, desarrolló un profundo dominio de la luz y la sombra. En lugar de comenzar sobre un fondo blanco, trabajaba desde los medios tonos, construyendo gradualmente luces y sombras hasta crear una sensación de volumen sorprendente. Sus dibujos no describían cuerpos planos, sino formas que parecían emerger del papel.
Uno de los conceptos fundamentales de su método era la autosombra: la sombra que una forma genera sobre sí misma al recibir luz. Miguel Ángel comprendió que dominar este elemento era clave para crear la ilusión tridimensional. Sobre esa base construía realces, acentos de luz y transiciones tonales que daban fuerza y presencia a cada figura.
Su dibujo no era intuitivo ni improvisado. Era el resultado de un sistema técnico diseñado para comprender y representar el volumen con precisión. En el Taller de Técnicas de Dibujo en Tercera Dimensión exploraremos estos procedimientos heredados de los talleres renacentistas y las academias antiguas, comprendiendo cómo los grandes maestros construían la ilusión de profundidad y volumen.
Consulta la información completa en nuestro texto de blog "La técnica de dibujo de Miguel Ángel":
ttamayo.com/2018/09/tecnica-de-dibujo-de-miguel-angel/
10/06/2026
En Diálogos Ttamayo conversamos con Antonio Mañón, un artista que mira la pintura como un camino de búsqueda y reflexión.
Una charla que nos invita a entrar en el barroco, la tradición clásica y la condición humana desde una sensibilidad que conmueve y permanece.
Escúchalo y déjate acompañar por una conversación que abre otras formas de mirar.
🎧️ Escucha el podcast completo: https://spotifycreators-web.app.link/e/Lp2o3Xiq02b
11/06/2026
10/06/2026
10/06/2026
10/06/2026