Friedman Studio "The Institute" Veracruz

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CLASES DE CANTO PARA
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BENEFICIOS DEL CANTO.

Cantar es comunicar un mensaje, además de ser un medio por el cual se pueden expresar sentimientos y emociones, aporta muchos beneficios para la salud, es por eso que a mucha gente le gusta y apasiona, tanto que lo hacen una forma de vida.
* Ayuda a liberarse y ser mas feliz.
* Relaja y ayuda a disminuir el estrés.
* Limpia la mente.
* A través del canto, se revela una parte de lo que la persona es y cuales son sus gustos.
* Pone a trabajar la memoria y la atención.
* Inspira y hace mas sensible a la persona.
* Reduce los pensamientos relacionados con sentimientos de angustia, temor y tristeza.
* Permite expresarse.
* Da confianza y eleva la autoestima.
* Armoniza las emociones.
* Energiza el cuerpo.
* Desarrolla el potencial creativo.
* Se expande la conciencia. Al cantar, el cuerpo, la mente, el corazón y el espíritu se alinean en la vibración de la armonía e irradian ese estado hacia todo el ser.
* Despierta el sentimiento de unidad con la persona y con los demás.
* Fortalece el sistema inmunológico. Científicos de la Universidad de Frankfurt (Alemania) chequearon la sangre de personas, antes y después de 60 minutos de una practica del Requiem de Mozart, y encontraron que las concentraciones de inmunoglobulina A (la proteína que funciona como anticuerpo) y la hidrocortisona (una hormona antiestrés) se habían incrementado significativamente durante la practica del canto. Una semana después, cuando a los miembros del coro les pidieron que escucharan una grabación del Requiem, sin cantarla, su composición sanguínea no varió significativamente.
* Mejora el sentimiento de bienestar. Esto sucede porque, al cantar, se producen endorfinas dentro del sistema nervioso, lo que brinda mayor energía y mejor animo.
* Prolonga la vida. Dado que mejora la circulación, se oxigenan las celulas y al fortalecerse el sistema inmunológico, la persona puede prevenir ciertas infecciones menores.
* Desde el punto de vista físico, el dominio de una buena técnica respiratoria permite alcanzar un desarrollo que supone una enorme fuente de salud. Este tipo de respiración -al estar exenta de tensiones musculares, especialmente en la zona del tórax- permite que el pulmón y el corazón funcionen de manera relajada. Por ende, con excepción de cualquier patología, el ritmo cardiaco y la circulación de la sangre pueden ser perfectos.
* La estimulación nerviosa, recurrente durante la emisión de sonido y la correcta utilización de músculos, como el abdomen y el diafragma, durante la intensa actividad que supone la practica del canto, aportan una energía y fuerza vital realmente extraordinaria.

PRÓXIMAMENTE "2016"
FRIEDMAN STUDIO "THE INSTITUTE" Veracruz.
Próximamente el primer Instituto de Artes Escénicas especializado en Canto, Entrenamiento vocal, Desenvolvimiento Escénico Interpretativo, Actuación y Baile.
Boca del Río, Veracruz. Espéralo!!!!!
www.friedman-studio.com

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LA EXPRESIÓN Y APRECIACIÓN VOCAL

Promueve la adquisición de elementos que permitan a la persona o ejecutante reconocer y valorar su entorno sonoro y comunicar, por medio de actividades, ejecuciones y apreciaciones Vocales y/o musicales, sentimientos y maneras propias e individuales de percibir el mundo músico-vocal que le rodea.

TECNICAS VOCALES

CÓMO CANTAR. PRIMER PASO

Cantar de una manera sana requiere un entrenamiento muscular igual que cualquier actividad que requiera una coordinación motora (patinar, conducir, ir en bicicleta).

A nuestros alumnos les explicamos que se trata de aprender ese patrón muscular, hacer que ese patrón se repita siempre bajo las mismas pautas y trabajarlo durante el suficiente tiempo para que el cuerpo lo automatice.

Quizás suena sorprendente porque la realidad es que la técnica vocal no es nada extraño ni ajeno a la naturaleza humana, eso sí, hay que conocer cómo funcionan las diferentes partes del cuerpo para que se produzca la emisión de sonido y hay que saber la manera adecuada de darle la información al cuerpo y al cerebro.

Para que el sonido se emita con facilidad y libertad se debe entrenar muy bien toda la musculatura de la parte abodminal (recto del abodmen, oblicuos, costales, etc). Si esta musuculatura no está fuerte no soportará las exigencias que el control de la columna de aire le va a requerir.

En el momento de emitir sonido toda esa musculatura debe participar de una manera coordinada y flexible, sin un sobreesfuerzo. Un exceso de tensión debido a una falta de fortaleza de la musculatura de la parte abdominal o diafragmática provoca vicios que también se memorizan. El cuerpo y el cerebro no distinguen entre lo que está bien y lo qué está mal.

Y entonces existirá la pregunta de ¿cómo se fortalece esa musculatura?, pues con gimnasia respiratoria y ejercicio regular. La gimnasia respiratoria consiste en una serie de ejercicios que se hacen mientras se respira y que permiten el fotalecimiento de los músculos implicados en la respiración.

Una vez que la musculatura está preparada hay que aprender a impulsar el aire de manera que al pasar por las cuerdas vocales el aire se convierta en sonido y se enriquezca con los armónicos que se generan según las características de los espacios de resonancia de cada persona. Esto hace que personas con una forma de la cara parecida tengan voces similares muchas veces.

CÓMO CANTAR. SEGUNDO PASO

Hasta que el aire pasa por las cuerdas vocales todos los seres humanos compartimos una misma anatomía que permite explicar la técnica de respiración a todos de una manera sencilla.
Las cuerdas (su tamaño, grosor, etc) determinan cómo se va a producir el sonido básico pero son las cavidades de resonancia las que van a caracterizar una voz. El control de la columna del aire hará que ese sonido se vaya asentando progresivamente y la voz se vaya desarrollando de una manera flexible y coherente. La labor de un profesor de canto es guiar al alumno en el descubrimiento de las sensaciones que se ajustan a una emisión adecuada porque la realidad es que las sensaciones fonatorias que se producen en la boca, la cara, la cabeza, son tan propias y personales de cada cantante que es él el que debe descubrirlas y contrastarlas con la ayuda del profesor que le ayudará a encontrar la colocación y la sensación para poder memorizarla y repetirla. Muchas veces la técnica de cada persona es su bagaje de sensaciones fonatorias que se corresponden con una correcta emisión.

APRENDER A RESPIRAR. GIMNASIA RESPIRATORIA PARA CANTAR

En el primer paso del blog hablabamos de la necesidad de tener una parte abdominal fuerte para que en el momento de emitir la voz respondiera de una manera flexible (sin un exceso de tensión que crispe toda la musculatura y por tanto la voz).

Todos respiramos con los pulmones y no con el diafragma. El diafragma (el músculo que divide el tórax en dos: en la parte de arriba el corazón y los pulmones y en la de abajo las vísceras) es un músculo muy potente pero no existe voluntad en su uso. Su activación se comprueba de una manera indirecta porque cuando el pulmón se llena tiene la limitación fisiológica de las costillas y hace que la barriga sobresalga y se expanda. En realidad son los músculos abodminales (recto del abdomen y oblícuos) los que controlan que el diafragma no vuleva a su posición inicial rápidamente.

Los siguientes ejercicios nos ayudarán a controlar el soplo y a ejercitar la musculatura implicada en la respiración.

UBICAR AIRE: Sentados, plegar el cuerpo sobre las rodillas y detectar zonas de expansión y que los hombros no se mueven.

GIMNASIA RESPIRATORIA: fortalece musculatura implicada en la respiración
a) Boca arriba colocar pesa (10-15 kilos) sobre el vientre y soplar.
c) Soplar la llama de una vela y apagarla a una distacia de 10 cm.
d) Tomar aire en 6 tiempos, soltar en 6 tiempos.

EJERCICIOS RÍTMICOS Ts-Ts, continuo y con ritmos

El control del aire es fundamental para una correcta emisión, cuanto más los ejercitemos más naturalmente cantaremos.

EL ESTUDIO DE LA TÉCNICA RESPIRATORIA PARA EL CANTO

La cantante e intérprete de jazz Carmen Lundy en sus inicios se nutrió de la escuela clásica estudiando ópera y cuya técnica en actualidad le permite hacer frases larguísimas, sonidos pianísimos en los agudos e innumerables efectos vocales de excelente ejecución. Por lo tanto se puede decir que la técnica vocal es universal, atemporal, ni clásica ni moderna. De modo que disponer del máximo de recursos vocales le ha permitido desarrollar su capacidad artística de una manera completa.

Otro caso de una base sólida desde el principio lo encontramos en Montserrat Caballé, que adquirió su excelente técnica de Eugenia Kemeny, una cantante wagneriana que había sido atleta y que sostenía que una buena condición física y un buen control de la respiración permitía la emisión libre y pura del sonido. Caballé siempre ha mencionado a Kemeny, junto a Conchita Badía, como sus dos grandes maestras.

Caballé explica que estuvo haciendo ejercicios respiratorios de una manera constante, especialmente durante el primer año. Y el haber realizado este tipo de entrenamiento le permitió sentar las bases correctas para realizar una carrera extensa y colmada de éxitos. De manera que el trabajo de las canciones complementado con este tipo de ejercicios es fundamental para el desarrollo de la técnica vocal.

La importancia de tener una buena base técnica para cantar es fudamental en todos los estilos musicales. Es la técnica vocal sólida y bien asimilada la que permite a los cantantes desarrollar su carrera a lo largo del tiempo.

Hay que saber que las condiciones naturales con las que la naturaleza dota a las personas no duran siempre y sin técnica habrá un momento en que la voz falle y si el cantante no es consciente de lo que hace tendrá problemas a la larga.

Todas aquellas personas que comienzan a estudiar canto deberían ser conscientes de la importancia de ponerse en buenas manos desde el primero momento y confiar en un buen profesional.



REGISTRO, RANGO VOCAL Y TESITURA EN UN CANTANTE

Muchas veces a nuestros alumnos hemos tenido que explicar la diferencia entre el término rango o extensión vocal y tesitura vocal.

Las notas que puede emitir una persona desde la más grave a la más aguda son el rango o la extensión vocal. Las notas en las que una voz es más rica y donde la persona está más cómoda cantando constituye la tesitura vocal, y es una parte de la extensión vocal.

Para un cantante es importante conocer los límites de la extensión de su voz pero, aun es más importante, fundamental, que conozca las notas en las que puede cantar con mayor comodidad y las notas en las que la voz suena rica y potente.

Por otro lado explicar la voz tiene dos registros, el de pecho y el de cabeza. En el primero predomina la resonancia de pecho y en el segundo la de cabeza pero la realidad es que los registros se mezclan y es a esa mezcla de los dos registros lo que conocemos como voz mixta.

Cuando una persona canta únicamente con el registro de pecho tiene una limitación en la extensión de la voz debido a que llega un punto (do4, re4) en el que la voz se rompe y tan solo si se grita se pueden emitir sonidos más agudos, es peligroso emitir agudos de esta manera porque a la larga se pueden lesionar las cuerdas vocales. Cuando se canta únicamente con el registro de cabeza las notas más graves (desde el do3 al do4) pierden riqueza y suenan pobres.

El objetivo de todo cantante debe estar en controlar su voz mixta. Mezclar los dos registros supone que la voz debe igualarse dando como resultado esa voz mixta en la que no se nota la diferencia entre un registro y otro y toda la voz suena con el mismo timbre. Se dice entonces que la voz es homogénea.

Ahora bien, ¿cómo se pueden mezclar los dos registros?. Pues bien, para mezclar el sonido es necesario conocer y controlar el registro de cabeza. A partir de una emisión del sonido alta, es decir, que no suene en la garganta sino que el sonido transportado por el aire incida en los espacios de resonancia de la cara (resonadores frontal y maxilar), es lo que llaman los italianos cantar en la máscara, se busca, con ayuda de un profesor de canto esa igualdad en toda la tesitura.

Cuando hacemos incidir todo el sonido en los resonadores de la cara la voz adquiere un timbre homogéneo porque incide todo el tiempo en el mismo lugar.

Este tipo de emisión requiere del control de la respiración y se han de hacer ejercicios que coordinen la respiración y la emisión. Para realizar este tipo de trabajo es necesario, como he dicho antes, el feedback ( asesoramiento o coaching) de un profesor de canto que guíe y oriente el trabajo y ayude al alumno a identificar las sensaciones fonatorias que correspondan a la construcción de esa voz mixta.

LOS FACH O ROLES VOCALES

En los teatros, sobre todo los anglosajones, se emplea el concepto de Fach o roles vocales que comprenden un conjunto de papeles operísticos que debe conocer un tipo de voz. Esto se hace porque cuando contratan a un cantante en un teatro de manera estable los teatros quieren asegurarse que los roles principales de las óperas más representadas van a poder cubrirlos a lo largo de varias temporadas.

Por ejemplo si una cantante audiciona como soprano lírica le van a pedir los principales roles de las principales óperas: Mimi de La Boheme, Liu de Turandot, La condesa de Las Bodas de Fígaro, etc.

A modo de mero y escueto esquema o apunte compartimos aquí los más típicos:

SOPRANOS LIGERAS (Natalie Dessay, Elly Ameling, Luciana Serra...): criadas, jóvenes, niños jóvenes, locas, casquivanas, pájaros...

SOPRANOS LÍRICAS (Victoria de los Ángeles, Pilar Lorengar, Montserrat Caballé, Isabel Villagar...): princesas, personajes de mediana edad, condesas, aristócratas, puritanas, cortesanas, lujo, Mimi...

SOPRANOS DRAMÁTICAS: (María Callas, Rosa Ponselle, Magda Olivero...): malas, señoras, madres, hermanas mayores

MEZZOS (Larmore, Berganza, Fallstaf, Graham, Supervía...) obrera, tabaquera, Orfeo, sirvientes, chico...

CONTRALTOS: chicos, adolescente, mala

TENORES LIGEROS (Florez, Kraus, Fleta...): sirvientes

TENORES LÍRICOS (Caruso, Domingo, Aragall, Carreras, Pavarotti...): príncipes, condes,

TENORES HEROICOS o HELDENTENOR: escritor, militar, valientes, jóvenes, conquistadores...

BARÍTONOS (Pons, Van Dam, Fischer Dieskau...): pajarero, padre, abuelo, conde, señor, personajes de mediana edad o mayores, consejeros, hermanos, malos

BARÍTONOS-BAJOS (Chausson): padres, abuelos, torero,

BAJOS (Chaliapin, Christoff...): reyes, condes, sacerdotes, padre, Otelo, malvados...

QUÉ SIGNIFICA MODULAR LA VOZ?

Últimamente se han escuchado en diversos medios de comunicación masiva la expresión "has modulado la voz" siempre asociada o referida a cambios de frecuencia, como queriendo decir que "tienes agudos muy agudos y graves muy graves y pasas de uno a otro con facilidad"...

Lo cierto es que es una expresión muy mal empleada ya que se debe usar referida a los cambios de intensidad. Un cantante que modula su voz es un cantante que es capaz de llevar una nota de piano a fuerte o viceversa e incluso variar su timbre.

Básicamente se refiere a la intensidad pero, secundariamente, también se asocia al timbre. Respecto a los cambios de altura "o tono" o frecuencia (las "notas", para entendernos) debería hablarse de que el cantante es capaz de emplear muy eficientemente toda su tesitura.

Es importante hablar con rigor, sobre todo si se tiene acceso a medios, como la televisión, que tiene un gran efecto pedagógico (o "antipedagógico", en este caso). Como academia e institución nos vemos muchas veces en la necesidad imperial de tener que explicar la terminología correcta básica a los alumnos ya que vienen con ideas erróneas, preconcebidas por el entorno e incluso tristemente decirlo por otras “escuelas” o profesores de canto, no por ellos.

También hay que explicar que modulación hablando de armonía es otro concepto musical diferente: el cambio de una tonalidad a otra, por ejemplo, una canción que tiene la estrofa inicial en do Mayor y el estribillo en sol Mayor. Esa canción ha modulado, porque ha cambiado su centro tonal, la relación entre las alturas y/o acordes respecto de uno más importante denominado tónica, que puede cambiar y cambia cuando hay modulación.

LA POTENCIA SIN CONTROL NO SIRVE PARA NADA
Parafraseamos este slogan de neumáticos haciendo referencia a que muchos cantantes piensan que cantar bien es cantar fuerte o que cantar bien es cantar notas muy agudas.

Realmente cantar sin control sí sirve ;) ...pero para descomponer la voz, para arruinar tu voz en un corto periodo de tiempo. No te parece temerario echar a perder tu bien más preciado y que podría ser tu sustento?

Últimamente podemos escuchar en concursos televisivos (y también fuera de este ámbito) a muchos cantantes que en vez de buscar y hallar recursos expresivos con su voz, efectos, matices (hacer unas notas más suaves que otras, con sutilezas timbrícas, etc... ), lo único que hacen es "competir" por cantar demasiado fuerte o agudo, con la consecuencia de que muchas veces desafinan, les tiembla la voz, el vibrato es forzado y directamente se hacen daño físico.

Hay que recordar que al menor síntoma de daño, a la mínima sensación de picor o si al teminar de cantar uno está más ronco, debería saltar una señal de alarma enorme que te indique que "algo no va bien". No hay ningún estilo musical en el cual haya que gritar puesto que hasta en el heavy metal la técnica vocal adecuada permite cantar de una manera saludable sin gritar.

Es posible que se impacte al público en un determinado momento y que incluso pases a las siguientes fases de un concurso, pero esto no quiere decir necesariamente que lo hagas bien. Hay muchas personas fácilmente impresionables y podrás obtener el mismo efecto sin gritar, ganando el concurso y obteniendo (lo cual es mejor premio) una carrera larga. Podrás ganar concursos con una manera de cantar que no te permita tener una carrera extensa, así que piensa si quieres ganar reconocimientos o si bien quieres dedicarte profesionalmente al mundo de la música y la interpretación vocal durante toda tu vida.

Procura cuidar tu instrumento y no gritar.

PRACTICAR BELTING SIN ARRUINAR LA VOZ

El término belting se emplea en la música moderna (pop, rock, jazz) y es necesario destacar que este efecto vocal se ha de practicar con un buen control de la respiración para no dañar las cuerdas vocales. (la técnica vocal es muy importante)

CLASIFICACIÓN DE LAS VOCES.

Casi todos conocen la clasificación general de las voces. Las masculinas se dividen en tenor, barítono y bajo y las de mujer en soprano, mezzosoprano y contralto.

Sin embargo detrás de esta clasificación general nos encontramos que en cada grupo se hacen sub-clasificaciones que tienen que ver con otras características propias de la voz como pueden ser el timbre (más claro o más oscuro), la agilidad (la capacidad de hacer notas rápidas), el volumen (más o menos potencia). Estas cualidades no son excluyentes entre sí y pueden encontrarse infinidad de combinaciones puesto que podemos escuchar voces potentes, ágiles y con un determinado timbre en cualquier tipo vocal masculino o femenino.

No nos vamos a extender el las sub-clasificaciones (soprano ligera, lírico-ligera, lírica, tenor ligero, lírico, lírico-spinto, bajo profundo, bajo buffo. etc...) ni en los ejemplos porque se pueden encontrar fácilmente en la red (wikipedia tiene varios artículos que detallan las mismas).

Es importante saber que las voces tienen una evolución natural si se trabajan bien y que ante todo se ha de respetar la vocalidad (voz y calidad) en cada momento. Siempre hemos defendido y afirmado que nunca debemos perder la sensación de comodidad al cantar y que el aumento de las dificultades o exigencias vocales se ha de producir de manera progresiva y secuenciada.

La primera clasificación vocal que hace un profesor la hace en función del s**o, de la tesitura y del timbre (muchas veces llamado color de la voz) pero conforme se va trabajando la voz puede emitir juicios más concretos sobre el tipo vocal de cada persona. Estudiar un tema o aria determinada del repertorio propio de cada tipo vocal puede ayudar a discernir el tipo de voz en función de la facilidad que manifiesta el cantante al interpretarlo.

Hay un factor constitucional que ayuda a la clasificación pero no es determinante es que, con cierta frecuencia, las sopranos ligeras suelen tener una figura estilizada, más bien de constitución pequeña y atlética y en cambio las sopranos líricas suelen ser más corpulentas. Los bajos y los bartítonos suelen ser altos y atléticos y los tenores más bajitos y de constitución pícnica.

Es difícil clasificar de una manera exacta las voces porque las voces cultivadas evolucionan en el tiempo porque generalamente se enriquecen en armónicos. Así encontramos cantantes que van afrontando diferente repertorio en función de la madurez vocal que se adquiere con el tiempo, generalmente tendiendo a papeles más líricos y dramáticos con la edad.

Los alemanes tienen una manera peculiar de clasificar las voces, en función de los roles de ópera que pueden interpretar, llamada FACH-SYSTEM. En este enlace podemos ver qué tipo de roles se le presupone a cada tipo vocal: Fach-system. Este sistema facilita a los teatros con cantantes en plantilla la contratación en función de las óperas que se programarán.

TESITURAS EN VOCES BLANCAS Y MUDA DE LA VOZ

Son muchos los que defienden que no se debe empezar a cantar hasta que suceda, de manera natural y biológica, el cambio de la voz. Estas opiniones vienen desde el mundo de la lírica y se refiere a estudiar canto lírico en el que se realiza un uso intensivo de la voz y se canta en tesituras extremas.

En Friedman Studio somos de la opinión de que es posible ofrecer una formación vocal de calidad a los niños y niñas. De hecho, si se aprende el patrón muscular de la respiración, se respeta el periodo de la muda vocal y se elige convenientemente el repertorio los niños adquieren experiencias musicales que conformarán su sensibilidad, su oído y su vínculo afectivo con la música.

Los profesores deben ser conscientes de una serie de premisas que condicionarán el tipo de trabajo y el repertorio adecuado para cada edad. Algunas de ellas son:

- Los niños/as imitarán la manera de cantar del profesor/a, por lo tanto, el docente y su manera de cantar determinarán, en parte, la adquisición de una técnica vocal saludable.
- Los niños/as que reciben formación musical y vocal desarrollan tesituras mayores, ejercitan el oído interno, mejoran sus capacidades psicomiotrices, etc.
- Las tesituras de las canciones siempre deben resultar cómodas y tendentes al empleo de la voz de cabeza. No se ha de forzar a los niños, deben cantar relajados y sentirse "sobrados"

- Las tesituras evolucionan con la edad:
Entre 3 - 5 años: la2 - fa3
Entre 6 - 7 años: si2 - sol3
Entre 8 - 12 años: primera voz: do3 - fa4
segunda voz do3 - re4
tercera voz la2 - la3

La muda de la voz se produce en la pubertad cuando tiene lugar el cambio hormonal tanto en mujeres como en hombres. Mientras la muda sucede se debe tener un especial cuidado y respeto por la naturaleza que marcará el rítmo de trabajo vocal. El profesor debe prestar especial atención y aconsejar, en ocasiones, en la etapa de Barítono adolescente, dejar de cantar hasta que se produzca la muda completa.

Las voces presentan unas características peculiares en esta transición fisiológica.

Voces masculinas
Primera etapa: Cambiata: registro la2-la3, síntomas: notas agudas íncomodas, perdida flexibilidad y agilidad, coloración falsetista adulto o contralto. Dura entre 2 meses y 1 año.
Segunda etapa: Barítono adolescente: registro si2-fa3 (re2-re3). Desarrollo acelerado, voz se quiebra incluso se pierde, falsete en notas agudas
Voces femeninas:
Síntomas: pérdida de facilidad en el agudo, emisión pesada, con aire, sin color, delgada. Afinación insegura, ruptura de registros, ronquera, tesitura fluctuante, carraspeo, incomodidad habla y canto.
Todas son sopranos ligeras y deben trabajar todos los registros. No se debe permitir cantar grave siempre. Con el tiempo y el trabajo se podrá concretar el tipo vocal de las voces femeninas.

LO QUE NO TE TIENEN QUE ENSEÑAR: TU SONIDO IDEAL

Muchas veces estamos muy pendientes de buscar un buen profesor, de que nos den consejos y que nos ayuden pero en ocasiones somos nosotros lo que tenemos que ir en busca de las respuestas y hacernos preguntas que nos hagan avanzar y crecer musical y vocalmente.

Nos referimos a la búsqueda de nuestro sonido ideal. el sonido ideal es una imagen sonora que tenemos de cómo nos gusta que suene una voz y en particular como nos gustaría que sonara nuestra voz.

El trabajo de autodescrubrimiento no cesa nunca porque la voz es un sistema orgánico, vivo, que crece, que se desarrolla y por eso el cantante debe estar alerta a las peculiaridades de su voz y sobre todo no darse por vencido en la búsqueda de ese sonido ideal.

Hay cosas que no se alcanzan a conocer si no existe un trabajo previo, con esto queremos decir que podemos tener el mejor de los profesores pero si no tenemos una dinámica de trabajo de autodescubrimiento de las posibilidades de nuestras voces, el aprendizaje no será verdaderamente significativo ni duradero y si no tenemos claro cómo queremos que suene nuestra voz difícilmente conseguiremos una transformación de la misma.

Aconsejamos escuchar mucha música y que se piense en cómo se puede conseguir que la voz suene más bonita. Es decir, debemos pensar en “Cantar con el cerebro". Y convertir nuestro canto en emoción.

¿CÓMO OYES TU VOZ?

Muchas veces nos hemos sorprendido cuando hemos oído una muestra grabada de nuestra voz. Quien de nosotros no se ha sorprendido pensando "¿Esta es mi voz?". Y luego ha pensado "¡Qué horror!". No porque la voz sea fea sino porque no estamos acostumbrados a escucharla solamente por vía aérea.

Es importante saber que nuestro cuerpo es nuestra propia caja de resonancia y que tenemos dos vías simultáneas para percibir nuestra voz: una interna, debido a que la transmisión del sonido se hace fundamentalmente a través de la vibración de ósea y otra externa, en la que el sonido se transmite por vía aérea y es la que percibimos con el oído. Por tanto, el feed-back auditivo se realiza por conducción aérea y por conducción osea y cada persona percibe simultáneamente los dos. Cuando escuchamos a otra persona sólo percibimos la vibración aérea.

La onda sonora emitida por la persona cuando habla o canta vuelve a su oído por conducción aérea tras haber sido modificada por las características acústicas de la habitación o la sala donde emite el sonido, es lo que se conoce como reberveración y tiene que ver con las características de la sala, responde a la expresión "Este sitio tiene buena o mala acústica" porque hay espacios que generan una sensación de comodidad al hablar o cantar. Al mismo tiempo, la onda sonora que se emite al hablar o cantar se transmite al oído por conducción ósea provocando sensaciones fisiológicas que mejoran el feedback. Las vibraciones emitidas por el aparato fonador son transmitidas al nervio auditivo y es allí donde se procesan.

La técnica vocal nos permite tener un mayor control de la voz ya que vinculamos las sensaciones proprioceptivas, es decir, las sensaciones que experimentamos en los espacios de resonancia, a un resultado sonoro, independientemente de la sala en la que se emita el sonido. La adquisición de esas sensaciones que permiten un mayor control se aprenden con ayuda de un profesor de técnica vocal y llega un momento en el que se automatizan.

ESCUCHAR PARA CANTAR

Cada día somos más conscientes y estamos seguros de la importancia de tener un amplio y rico bagaje musical para ser un buen cantante. No es posible hacer una música que antes no se ha imaginado y no es posible imaginarla si antes no se han producido estímulos sonoros suficientes en la persona y éstos se han fijado en la memoria.

Cuando una persona empieza a estudiar música debe preocuparse por tocar o cantar y también, igual o más, por escuchar cantidades masivas de música.

Debemos ser capaces de escuchar y leer al mismo tiempo los temas escogidos para hacer nuestra la interpretación. La escucha de versiones de los temas o las obras que estudiamos nos ayudan en el proceso de aprendizaje para: observar los tempos, las respiraciones, las cadencias, como resuelven técnicamente un pasaje otros intérpretes, etc. en el proceso de formación de un músico o un cantante no se deben despreciar los recursos disponibles para facilitar el progreso y el desarrollo del mismo.

Hoy en día tenemos toda la música a un click de distancia, ya no es necesario tener muchos recursos para poder escuchar varias versiones de una misma obra interpretada por diferentes artistas. Youtube, goear, spotify, vimeo, etc... nos permiten escuchar on-line y hacer un ejercicio de discriminación auditiva impensable hace años.

No hay excusa para no hacerlo, tampoco la falta de tiempo lo es porque hoy en día se puede escuchar la música en cualquier lugar, mientras se camina, en el autobús o en el tren gracias a los dispositivos portátiles.

Cuanta más música se escucha mejor músico se es, más se educa el oído, más capacidad de apreciar diferentes matices se tiene, más criterio técnico y estilístico se adquiere, más imaginación sonora y más creatividad interpretativa se desarrolla.

DIME CÓMO VOCALIZAS Y TE DIRÉ CÓMO CANTAS

Es de sobra sabido que el trabajo vocal no se basa únicamente en cantar canciones, es necesario preparar la voz para calentar la musculatura antes de comenzar a cantar. Primero a través de ejercicios de respiración y después a través de ejercicios de vocalización que trabajen toda la tesitura de la voz con el objetivo de que ésta adquiera un timbre homogéneo y para descubrir y asentar las sensaciones fonatorias que se corresponden con una emisión correcta.

Mediante los ejercicios de vocalización se toma contacto con la realidad de la propia voz, se descubren los espacios de resonancia, se controla la emisión libre y relajada, se experimentan y se fijan sensaciones fonatorias correctas y se diferencian de las que no se corresponden con una emisión libre, se aprende a emitir las vocales en la posición adecuada, se fortalece la musculatura, se coordina el equilibrio aire-sonido, etc.

Es esencial que un profesor de canto supervise su ejecución, sobre todo en los comienzos del aprendizaje vocal para que no se fijen muscularmente sensaciones que no correspondan con una emisión eficiente ya que establecer un patrón muscular incorrecto dificultará el aprendizaje y lo ralentizará.

La secuenciación de los ejercicios de vocalización está relacionada con la madurez vocal del cantante. Al principio se trabajan ejercicios sencillos con intervalos mayores o justos en legatto y poco a poco se van haciendo ejercicios que comprenden otras dificultades (picado, staccatto, mezza di voce, etc).

Secuenciar los ejercicios de vocalización y adecuarlos a la vocalidad de cada persona es todo un arte pero como premisas básicas se recomiendan:
- Realizar ejercicios con boca cerrada.
- Emitir las cinco vocales sobre una sola nota de manera que no cambien las cualidades esenciales del sonido (altura, timbre e intensidad).
- Realizar ejercicios con intervalos pequeños (2ª, 3ª o 4ª)
- Realizar ejercicios con arpegios (8ª, 10ª)
- Realizar escalas.

Cuando se ejercita la voz debe respetarse siempre la comodidad, es decir, los sonidos se descubren de manera progresiva y sin forzar la musculatura de manera que nunca se deben percibir sensaciones de picor en la garganta o disfonía, o cansancio vocal tras su realización. Estos ejercicios constituyen un laboratorio de sonidos en el que se experimenta y por lo tanto requiere por un lado método y por otro lado apertura y flexibilidad ante los descubrimientos que se producen.

PROYECTAR LA VOZ NO ES GRITAR

Compartimos este punto para aclarar dos conceptos importantes en el trabajo del voz: proyectar y gritar.

Nos hemos encontrado a muchas personas que no tienen muy clara la diferencia entre proyectar la voz y gritar y creemos que es debido en parte a que cuando a alguien no se le oye lo suficiente le dicen "canta más fuerte" o "habla más fuerte" sin explicar que para que la voz se proyecte con fuerza no es necesario gritar.

Una voz que se emite de manera correcta emplea los espacios de resonancia de la cara (resonadores frontales, maxilares y esfenoidal) y los espacios de la cavidad bucofaríngea que son los altavoces naturales que tenemos. Esto sucede cuando el aire, bien impulsado, incide en estas cavidades.

Gritar es otra cosa e implica un sobre-esfuerzo de todo el aparato fonador. Si se produce una buena emisión vocal se puede sostener durante más tiempo, sin una buena técnica vocal en cuestión de minutos la voz se percibirá ronca y si ese sobre-esfuerzo se mantiene puede ocasionar problemas en las cuerdas vocales.

Cuando alguien te diga habla o canta más fuerte planteate alguna de las siguientes interrogantes:

¿Estoy respirando correctamente?

¿Hay actividad muscular en los músculos del abodmen?

¿El punto de emisión de mi voz es correcto?

¿Abro bien la boca?

¿Siento tensión en la mandíbula?

¿Estoy pronunciando bien?

Las causas, como podemos observar, pueden ser varias y es un profesional de la voz el que te puede asesorar y ayudar.

FREESTYLE SINGING :)
Canta lo que quieras, pero canta sin dañarte!

Tanto si cantas clásico como popular y/o moderno debes conservar tu esencia, ser tú mismo/a y hacerlo de una manera en la que puedas hacer una larga y sólida carrera, por eso explicamos a nuestros alumnos que la técnica vocal es básica y compartida para todos los estilos.

Todos los cantantes deben saber cómo respirar y cómo se debe aplicar en el canto, no de manera teórica sino supervisado por un profesor, también se deben descubrir las maneras saludables de emitir sonidos diversos que son apropiados para cada estilo; la voz humana tiene posibilidades infinitas que es preciso descubrir y discernir si nos hacen daño o no.

Nos preguntan muchas veces qué estilo de música impartimos. Y siempre solemos contestar que la música es como la naturaleza, diversa, o como un mar enorme y todos los peces, las corrientes de agua, frías y las cálidas, tienen su motivo, su razón de ser, su espacio, su necesidad...

Nos enfocamos a enseñar técnica vocal aplicada tanto para los estilos modernos (tantos y tan maravillosos, rock, pop, bolero, swing, tango, bandas sonoras de cine...) como para los populares (flamenco...) y clásicos (barroco, clásico, romántico...). Respeto que cada cual quiera cantar en su estilo y desarrolle su potencial personal a través de ello. No intentamos que nadie "suene lírico" si le gusta otro estilo sino que les damos a nuestros alumnos las herramientas para que trabajen sobre el estilo de su elección, de su gusto particular. Hemos tenido y tenemos alumnos que cantan en todos estos géneros musicales y disfrutamos asesorando entrenando y enseñando en ambos lados del río :)

CADA VOZ ES UN MUNDO

En muchas ocasiones nos preguntan por qué no ponemos ejercicios en línea y no lo hacemos por una cuestión de principios.

Parafraseando el dicho popular: "Cada persona es un mundo" al igual que las personas, las voces tienen particularidades y características tan personales y únicas que es difícil, en muchas ocasiones, dar ejercicios particulares porque como todo, depende del momento y circunstancias de los alumnos.

Lo que tratamos en algunas ocasiones es ofrecer información de carácter general y por supuesto matizable ya que ahondar en cuestiones más concretas podría ser contraproducente para muchos de los seguidores que no trabajan bajo la supervisión de un profesor.

Al igual que no se puede generalizar con las personas no es posible hacerlo con las voces, en el canto como en cualquier disciplina no es posible el "Café para todos" ya que las líneas de trabajo serán muy diferentes en función de los aspectos que tenga que trabajar cada persona. La retroalimentación que te da el profesor es fundamental para adquirir la conciencia de una buena emisión y por ende para la adquisición de una buena técnica.

En nuestra experiencia como Academia de Canto desenvolvimiento escénico interpretativo y desarrollo humano hemos encontrado casos muy diversos, de personas con características físicas muy diferentes (personas con buena o mala postura, con exceso de tensión y exceso de relajación, etc) y es ahí donde está el arte de esta profesión, cada profesor debe ser capaz de establecer para cada alumno unas líneas de trabajo en función de lo que considera prioritario en cada momento.

Hacemos esta reflexión porque nos encuentramos cada vez más tutoriales, ejercicios y consejos colgados en la red y desde nuestro punto de vista todo es bueno o malo dependiendo del momento y de la persona. Somos partidarios del empleo de las nuevas tecnologías como complemento al trabajo que se hace en la clase o sesión de canto (que además puede hacerse on-line) pero la atención al alumno siempre debe darse de una manera personalizada. No hay duda de que hay muchas cosas que se pueden aprender (idiomas, partituras, grabaciones, etc) con ayuda de la red o de un aula virtual, pero no se debe pensar que se puede sustituir por una buena guía.

Pongamos un ejemplo, hacer ejercicios de agilidad es bueno, pero si antes no se saben ligar dos notas seguidas es posible que los resultados sean nefastos porque el alumno puede hacerlos de una manera tensa generando así una mala memoria muscular y por lo tanto vicios que después serán más difíciles de corregir.

Apelamos al sentido común, la implicación y el estudio personal es fundamental pero sobre todo, en las primeras fases del aprendizaje, es fundamental una buena guía y un buen feedback a través de un profesor.

¿ES LA VOZ LO MÁS IMPORTANTE?

Cuando una persona comienza a cantar en un grupo o a estudiar canto hay un momento en el que surge esta pregunta y detrás de esta algunas más como ¿mi voz tiene la calidad suficiente como para que me pueda dedicar a esto? ¿Se me oirá en un teatro y con una orquesta? ¿Podré cantar tal o cual papel?

En el camino artístico la verdad hemos visto muchas cosas y nuestra conclusión es que la voz solo es uno de los factores, es importante porque sus características determinaran el tipo de música, el repertorio más adecuado, etc pero no es el único factor y hay ejemplos de cantantes que hay hecho grandes carreras sin tener una gran voz.

El ejemplo que nos viene a la mente es Cecilia Bartoli, sin tener una gran voz, ha sabido jugar sus cartas de una manera excepcional: ha asumido sus virtudes y sus defectos, ha potenciado sus virtudes (agilidad, musicalidad, etc) y se ha embarcado en proyectos que le han permitido desarrollarlos.

Con este ejemplo te queremos decir que quizás es igual de importante la capacidad de trabajo, el afrontar las características de la propia voz y el centrarse en aquello que potencia lo que la hace única, el tomar decisiones con respecto al repertorio y no pretender cantarlo todo, la perseverancia y la capacidad de levantarse cada vez que no se obtienen los resultados que se espera, el ser creativo y buscar nuevas maneras de estar en el mundo de la música.

Concluyendo: primero el producto (saber cantar bien), segundo conocer las características positivas de la voz, potenciarlas y ser creativo, tercero creer en uno mismo, luchar y ser perseverante y cuarto no pretender hacerlo todo y gustar a todos.

PARADOJAS DEL CANTO. PRIMERA PARTE
PARADOJA NÚMERO UNO : "Cuanto más se oye uno por dentro menos voz hay fuera".

Se tiende a pensar que es al revés, que cuanto más se oye uno por dentro más voz saca.
La percepción que se tiene internamente de la voz no se corresponde con el resultado sonoro que se escucha en el exterior y esto es debido a que la persona percibe internamente su voz de manera completamente diferente a como se percibe fuera. Esta es la razón por la que nos sorprendemos cuando escuchamos nuestra voz grabada y preguntamos ¿esa es mi voz?. El cantante debe asumir esta realidad y aprender a relacionar sus percepciones internas con el resultado sonoro. Esta es al razón por la que queremos imitar un resultado externo en nuestro interior y si escuchamos una voz potente pensamos que tenemos que sentirlo así internamente, esto es falso. La realidad es que cuando un cantante tiene toda la voz fuera no se oye casi por dentro.

PARADOJA NÚMERO DOS "Mucho apoyo implica mucho aire".

Se tiende a pensar que apoyar la voz está relacionado con la cantidad de aire que se emplea.
El apoyo hace referencia a la energía que se necesita para impulsar el aire pero esa cantidad de aire es independiente. Esto quiere decir que, uno puede mandar mucho aire con poca energía (sonará una voz descolcada y áfona), mucho aire con mucha energía (saturará las cuerdas y se producirá un grito), poco aire con poca energía (seguramente no se producirá la fonación) y poco aire con energía (se producirá un sonido libre). En este último punto está la clave de la técnica vocal, uno aprende a equilibrar la cantidad de aire con la energía en función de las notas (agudas,graves) que tiene que cantar. Por ello para cantar fuerte no hace falta mucha fuerza, hace falta un equilibrio de energía.

¿CUÁNTO VALE TU FUTURO?

O cuánto vale tu éxito? O cuánto cuesta la vida que deseas?

Si tienes claro lo que te gusta y lo que te hace feliz, enhorabuena! Es ya un gran paso. El noventa por ciento de la gente no sabe qué es lo que realmente quiere en la vida.

Una vez sabes lo que quieres y eres capaz de visualizarlo claramente tan sólo tienes que establecer un plan de acción, plantearte un camino que te lleve desde donde estás hasta donde quieres llegar. Y es importante que te establezcas metas a corto, a medio y a largo plazo. Esto te ayudará a delimitar qué tareas y objetivos debes cumplir en cada una. Por ejemplo, si todavía no te sientes seguro/a cantando sobre un escenario no deberías plantearte llamar a las puertas de una sala grande. Cada cosa en su debido momento! :)

Suponemos que si has leído este blog es por que te encanta la música y el canto. Pero eres tú el que tienes que definir en qué va a consistir tu éxito y no dejar que el azar u otros definan qué es lo bueno para ti.

Cuando buscamos a algún profesional que me solucione un problema (por ejemplo, un escape de agua en casa), más que ver el precio vemos si finalmente hemos encontrado la persona que nos lo ha resuelto y cuánto nos hubiera costado no solucionarlo. Por eso, aunque a todo el mundo les parecen caros los plomeros, cerrajeros, electricistas, etc... los pagamos con gusto porque nos costaría mucho más tirar la puerta abajo, achicar la casa de agua, reponer muebles, etc...

En conclusión se ha de ver lo que uno paga en relación con los beneficios que obtiene y en comparación a no haberlo pagado.