Accademia Fotografica

Nel lavoro di Alison McCauley la fotografia non serve a descrivere un luogo, ma a registrare uno stato interiore. Le sue immagini nascono spesso da spazi di transizione — coste, strade, interni anonimi, frammenti urbani — ma ciò che conta non è il dove, bensì il sentimento di sospensione che quei luoghi evocano.

McCauley lavora sul confine tra fotografia documentaria e visione poetica. La realtà è sempre riconoscibile, ma mai pienamente afferrabile: le immagini sembrano trattenere qualcosa, come se fossero il residuo di un’esperienza più che la sua testimonianza. Luce, riflessi, ombre e tagli compositivi diventano strumenti per parlare di identità instabile, appartenenza mancata, memoria emotiva.

Progetti come Anywhere But Here o Shimmers non raccontano una storia lineare. Sono piuttosto archivi di sensazioni, costruiti nel tempo, in cui il paesaggio diventa una proiezione psicologica. Il mondo esterno non viene spiegato, ma attraversato. L’immagine non afferma: suggerisce.

La sua fotografia si muove così lontano dall’idea di street come gesto reattivo o spettacolare. È una pratica lenta, introspettiva, in cui il vedere coincide con il sostare. Guardare, per McCauley, significa accettare l’ambiguità e la fragilità dell’esperienza, senza cercare una conclusione.

📸➡️ Dal 5 Marzo parte il nostro Corso di Street Photography!

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C’è un senso di favola distorta nelle immagini di Gregory Halpern, e “King, Queen, Knave” lo mostra al meglio. Il titolo richiama le carte da gioco e Nabokov, ma le fotografie rovesciano ogni gerarchia: ritratti enigmatici, dettagli che diventano simboli, frammenti di un racconto che non vuole essere lineare.

Halpern vaga come un flâneur visivo: osserva, raccoglie, trasforma la luce morbida in tensione sottile. I colori oscillano tra sogno e realtà, e ogni scatto è un incontro che parla di identità, potere e vulnerabilità.

Guardare “King, Queen, Knave” é come pescare carte da un mazzo infinito: ogni immagine è un invito a perdersi, a lasciare che lo sguardo trovi il suo filo invisibile. Un promemoria che la fotografia può evocare, più che spiegare.

📸 Dal 13 Ottobre riparte il Corso di Fotografia Base

👁️ 6 Lezioni per apprendere la creatività e la tecnica fotografica, imparando ad usare la macchina fotografica in modalità manuale.

🎯 Lezioni perfezionate negli anni per imparare in modo semplice i concetti chiave: inquadratura, obiettivi, tempi, diaframmi, esposizione, post-produzione.

🌈 Ogni lezione revisione delle foto scattate da ogni studente per crescere insieme a piccoli step e migliorarsi.

🏞️ 1 Lezione pratica in esterna per scattare insieme!

Si tiene il Lunedì in orario 19-21, dal 13 Ottobre! Vi aspettiamo! ☺️🌈📸

Oggi vi parliamo del lavoro di Joshua Amirthasingh “Tales from the City”.

L’essenza del lavoro di Joshua Amirthasingh risiede nelle storie che racconta. Alimentato da un profondo senso di nostalgia per la vibrante energia della sua infanzia in India e dal suo amore per la narrazione cinematografica, Amirthasingh ha creato un documento onirico della sua città adottiva, San Francisco.

Nel trambusto quotidiano di San Francisco, Amirthasingh ricerca momenti di tranquillità, sfruttando l’interazione unica della città tra la luce dell’ora d’oro, che proietta un bagliore caldo e nostalgico, e la nebbia eterea, che crea un’atmosfera sognante ed evocativa. Questa interazione diventa un personaggio a sé stante, aggiungendo un ulteriore livello alle storie che tesse con la mia macchina fotografica. Tales from the City offre un dialogo tra il familiare e l’inaspettato, invitando gli spettatori a immergersi nelle storie racchiuse al suo interno e a intraprendere un viaggio personale attraverso il proprio passato.

Con il progetto “Father and Sons”, il fotografo bulgaro Valery Poshtarov ha dato forma a un archivio intimo e universale: più di 250 ritratti realizzati in oltre cinque anni di lavoro.
Ogni immagine mette accanto un padre e un figlio, in posa frontale, senza artifici. L’essenzialità diventa linguaggio: lo sfondo neutro, la luce uniforme, l’assenza di distrazioni. Così resta solo ciò che conta — lo sguardo, la somiglianza, la distanza, il legame.

In queste coppie fotografiche si legge la storia di generazioni intere: la forza, le fragilità, i silenzi tramandati. È un progetto che parla di identità e appartenenza, di ciò che riceviamo e di ciò che trasformiamo, del tempo che passa e insieme resta impresso nei lineamenti.

"La fotografia è una storia d'amore con la vita."
- Burk Uzzle

📸 Agnès Varda

La street photography di Olga Titova osserva la vita urbana con occhi che sanno vedere l’insolito nel quotidiano.
Le sue fotografie catturano le città, le persone, i dettagli che spesso passano inosservati, trasformando l’ordinario in qualcosa di intenso e vivo.

🟦 Il blu è il colore del silenzio, dell’attesa, dell’infinito.

Nella fotografia, il blu non è solo un colore: è uno stato d’animo. È la brezza che attraversa una finestra aperta, è il cielo prima dell’oro, è quella sensazione di calma che arriva quando tutto si ferma.

📷 Nei nostri corsi, impari a guardare il mondo con occhi nuovi. A trovare la bellezza nei dettagli. Anche in un semplice riflesso blu.

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👉 Link in bio

🍎 Apples and Gable, Lake George – Alfred Stieglitz, 1922

Una manciata di mele poggiate su un davanzale. Un tetto a spiovente che taglia il cielo. Nient’altro.

Eppure, in questa immagine silenziosa, Alfred Stieglitz riesce a condensare una vita intera: la quiete dopo l’urgenza, la riflessione dopo la rivoluzione. Dopo anni passati a lottare per affermare la fotografia come arte, Stieglitz si ritira a Lake George, insieme a Georgia O’Keeffe. E fotografa mele. Tetti. Luce.

Sembra una natura morta, ma è viva di pensiero. Ogni oggetto è un simbolo: la casa, rifugio. Le mele, tempo che scorre. Il cielo, sempre lì a ricordarci di guardare più in alto.

📷 In quello spazio domestico, apparentemente immobile, Stieglitz riscrive il modo di vedere e ci offre una grande lezione: non serve il clamore per raccontare il mondo. Basta restare fermi, e osservare davvero.

“In America. Con una Rolleiflex al collo e lo stupore negli occhi.”
Nel 1966, Mario Carnicelli arriva negli Stati Uniti con una borsa di studio e la voglia di capire un Paese tanto mitizzato quanto distante.

Non fotografa l’America da cartolina, ma quella reale: le attese, le contraddizioni, i gesti quotidiani delle persone comuni. Operai, giovani hippie, impiegati solitari, donne con lo sguardo perso nel vuoto.
È uno sguardo curioso, affilato, a volte ironico. Da outsider silenzioso, Carnicelli cattura un’America che cambia pelle: inquieta, contraddittoria, viva.

I suoi scatti non celebrano. Raccontano.
Raccontano cosa vuol dire osservare da fuori, sentendosi dentro.
Raccontano un sogno americano visto da chi non si lascia abbagliare.

Non è nostalgia.
È polvere, cavalli, facce segnate dal vento.
Gente che resiste con impresso negli occhi l’infinito.
Il West vero o qualcosa che ci somiglia.

Tre fotografi che lo guardano dritto in faccia, senza abbellire niente.