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Escuela de Cine Bande à Part Barcelona

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Barcelona
Escuela de Cine Bande à Part Barcelona

Tú siempre has querido hacer cine. Nosotros también. www.bandeapart.org
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Bande à Part es una Escuela de Cine fundada por profesionales en activo de todos los oficios cinematográficos y con más de 18 años de experiencia docente. Impulsados por Luis Aller y María José García, maestros de varias generaciones de jóvenes cineastas de todo el mundo, te abrimos las puertas de nuestra escuela.

28/08/2026

Por encima de Los 400 golpes, Jules et Jim es seguramente el film de Truffaut que mejor representa el espíritu de la Nueva Ola que iba a cambiarlo todo en la Historia del Cine.

Temática y formalmente es atrevida, descarada, vital, alegre... y devastadora. Avanza con un ritmo sin pausa, con breves escenas que, todas ellas, dejan una honda huella. Es ligera en su fluir y densa en la emoción con la que subyuga. Hunde sus raíces en el pasado silente y anticipa muchos caminos del Cine de las siguientes décadas.

Jean Renoir la adoraba.

No hay situación que no contenga un descubrimiento, una feliz invención.
Sólo hay que ver momentos como

el impacto que les produce a Jules et Jim la escultura que les anticipa a Catherine
el instante previo a que Jules le presente a Jim a Catherine
la carrera probablemente más famosa de toda la Historia del Cine
la llegada a la casa de la costa
la búsqueda de signos de civilización, una de las mejores y más felices secuencias de la Nouvelle Vague
los paseos en bicicleta
el montaje que une la boda de Jules y Catherine con el estallido de la guerra
los distintos planos aéreos y el significado de su ausencia
los movimientos en grúa y sus relaciones
la luz de la chimenea sobre Jules
la despedida de Jim entre la niebla

No acabaría nunca. Yo también la adoro. ¿Y vosotros?

25/08/2026

Un caballero medieval, un payaso con globo dorado, un ángel con delantal amarillo...

El vestuario del cortometraje El último bolero de Mateo Garabato de Lucas Porcierto fue un desafío y el equipo de vestuario lo afrontó con una buena dosis de osadía.

Equipo de vestuario: Juan Vingut, Valentín Castro, Mariona Vernet y Mariana Menezes.

Foto fija: Diana Llopart

23/08/2026

El director o la directora de arte construye el mundo en el que vive la película. Cada decorado, cada objeto, cada color tiene una razón de ser. Lo que el espectador ve —y lo que siente— pasa, en gran parte, por sus decisiones. Es diseño, es narrativa, es criterio.

Si quieres ser uno de ellos, el Grado en Cinematografía de Bande à Part te da las herramientas para trabajar en el sector desde el primer día.

🎓 Matrícula 2026-27 abierta
💛 Beca Talento disponible
✅ Sin nota de corte · Sin bachillerato
⚠️ Plazas limitadas

21/08/2026

Bajo el cielo, la primavera se colma de flores.
Los cerezos florecen de maravilla.
Permaneciendo aquí, me distraigo y pienso en Sanma no aji.
Las flores de los cerezos se ajan como trapos.
El sake es amargo cual un insecto.

Este poema fue escrito por Ozu en 1962 con motivo de la muerte de su madre, acaecida pocos meses antes. Sanma no aji (conocida en occidente como El sabor del sake) fue su última película, fechada ese mismo año. Al poco, Ozu enfermó y, tras un año de agonía, en la que ni una operación ni los tratamientos aplicados surtieron el efecto deseado, falleció a finales de 1963.

El poema contiene las sensaciones que el Cine de Ozu nos ha dejado tantas veces. Está construido con bellas imágenes y, sin embargo, deja un poso final de profundo dolor.

Así fue su Cine, una combinación perfecta de serenidad y desgarro. Con los planos más hermosos que uno pueda concebir, pero como si siempre fueran una triste y doliente despedida.

Yasujiro Ozu... Tan suave, tan armónico, tan placentero y, de repente, “amargo cual un insecto”.

Aunque su estilo evolucionó y se fue depurando, todo eso ya está en Me gradué, pero..., y en Marchar alegremente. En la nostalgia del paso del tiempo de Suspendí, pero..., y en toda la magnífica La esposa de una noche. En la alocada La bella y la barba y en la dura dulzura de El coro de Tokyo. En la verdad de la vida descubierta a través del Cine y el melancólico sentimiento de los padres de He nacido, pero.... En la premonitoria ¿Dónde están los sueños de juventud?, en la chaplinesca Capricho pasajero, la sternbergiana Una mujer fuera de la ley y la prodigiosa Una mujer de Tokyo. En Historia de las hierbas flotantes y en esa obra maestra sobre la miseria y la voluntad que es Un albergue en Tokyo.... Es decir, en su periodo mudo, época a la que pertenecen todos los títulos citados y hoy en buena medida desconocidos por la mayor parte de los aficionados.

18/08/2026

Un dolly en medio del campo, un neón que ilumina la noche, un café antes de arrancar y una mesa larga para comer todos juntos.

Aquí algunas imágenes del rodaje de De vuelta, de Mireia Inglada.
Foto fija: Diana Llopart

Estamos deseando verlo en pantalla grande.

16/08/2026

El gaffer es quien da forma a la luz. Trabaja codo a codo con el director de fotografía para construir la atmósfera visual de cada escena: decide qué equipos se usan, cómo se colocan y cómo se transforma la luz en emoción. Sin él, la imagen no existe.

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14/08/2026

UNO. Como Las Meninas o La Consagración de la Primavera, Octubre fue un encargo. Cito esas dos obras, pictórica una, musical la otra, en relación al film de Eisenstein por su condición de fueras de serie, por su fuerza traumática y su naturaleza extremadamente innovadora. Las tres obras son una bomba.

Velázquez involucra al espectador en el cuadro haciéndole sentir parte de lo retratado, desarrolla una magistral dialéctica entre lo real y lo representado, pinta el aire, y llena el cuadro con pinceladas rápidas y fulgurantes, como si de un boceto se tratara, anticipándose más de dos siglos a los impresionistas. Y en una composición desafiante aupa al pintor y la Pintura por encima de la nobleza y la realeza.

También desafiante, Strawinsky apabulla con su politonalidad, con sus ritmos irregulares, bárbaros, salvajes, con sus brutales magmas sonoros, con sus disonancias, su ataque masivo a modos y escalas. Toda la Historia de la Música es asaltada y embestida ferozmente.

En 1927 el Cine es joven, pero a Eisenstein le parece viejo, anquilosado, con poca vitalidad creativa. Destruye el concepto de personaje, desintegra el de trama argumental. Eleva el montaje a dueño absoluto. Construye por asociaciones métricas, rítmicas, emocionales e intelectuales. Hace de cada sección una explosión y un descubrimiento. No se parece a nada hecho antes. A nada hecho después. Es la segunda vez que el Cine daba un El nacimiento de una nación... El Cine siguió a Griffith, pero Eisenstein lo mira de igual a igual. Amputada por el dictador Stalin en un tercio de su metraje, Octubre, excitante para unos, tan difícil de ver por sus innovaciones para otros, es el Santo Grial del Cine.

DOS. Una constatación paradójica. Estás obras tan inventivas, tan radicales, tan únicas, tan... de autor, fueron como he señalado obras de encargo. No fueron proyectos personales ansiados y buscados, aunque si afrontados y realizados con toda la pasión, trabajo y sabiduría artística que sus responsables tenían.

11/08/2026

Dentro del coche, fuera del coche, encima del coche si hace falta.

Así trabajan los estudiantes de tercer curso del Grado en Cinematografía cuando están en rodaje.

Imágenes de De vuelta, de Mireia Inglada.
Foto fija: Diana Llopart .

Con la colaboración de ❤

09/08/2026

El jefe de producción es quien hace que todo ocurra. El que traduce la visión del director en un plan real: presupuestos, localizaciones, permisos, equipo, tiempos. Sin él, no hay rodaje. Sin él, no hay película.

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07/08/2026

“A los que los dioses aman, mueren jóvenes”

Esta dulce, terrible y extraordinaria sentencia que dejó Menandro hace más de dos milenios me viene siempre a la mente cuando pienso en Jean Vigo.

También siempre pienso en su categoría, pero sobre todo su enorme saber cinematográfico, en su irreverencia, en su hacer Cine como si hubiera que inventarlo continuamente.

Y si me centro en L'Atalante, pienso además en el milagro que supuso crear un film que conjugara tan bien la magia de las ilusiones, el dolor de su pérdida, el documento de una realidad social, la justa proporción ente las audacias vanguardistas y la narrativa clásica que estaba naciendo en ese momento.

Pero sobre todo, siento la ruda delicadeza y la emoción que, no por avisado, me asalta siempre que veo el film, y ya son muchas. No hay una sola vez que, nada más acabar de verla, no me invada el deseo de verla de nuevo.

Empiezo a recordar las cosas que me parecen fascinantes y no logro acabar nunca.

La película sufrió todo tipo de maltratos. Rechazada por los distribuidores. Masacrada en su metraje para el estreno. Alterada en el orden de su montaje. No respetada en su banda sonora. Cambiado su título por otro casi ridículo (“La chalanne qui passe”). Incomprendida (y no me extraña en esas condiciones) por el público. Olvidada durante largos años.... L'Atalante superó finalmente todos esos reveses y, tras sucesivas recuperaciones de material y restauraciones, ha pasado a ocupar el priviligiado y merecido puesto que hoy ocupa en la Historia del Cine. Un eslabón perdido entre Frank Borzage y Nicholas Ray. Una de las células que da origen a Truffaut y Godard. La más hermosa fusión entre lo real y lo maravilloso.

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