Armonía Moderna orpheus440 Escuela

acordes musicales desvinculados de su función clásica o tradicional. Debussy aprovechó con habilidad los sonidos armónicos de cuatro y más sonidos y de la escala de tonos enteros, sin abandonar la tonalidad como lo hicieron otros compositores vanguardistas; de ahí la especificación de armonía tonal. Se llama también armonía moderna porque surge en una época en la que los compositores introdujeron una serie de cambios en el lenguaje musical que incluyeron el uso de escalas primitivas como las pentatóncas y de las escalas modales griegas, además de combinaciones sonoras atonales y politonales como una expansión de los conceptos clásicos del lenguaje musical. Esta época suele llamarse moderna y su estética sigue teniendo vigencia entre los músicos que interpretan jazz, rock, salsa, bolero y balada popular. Aunque en este curso aplicaremos la armonía moderna a la música popular como medio de rearmonización y arreglo, es pertinente aclarar que los recursos de este sistema no se limitan al jazz sino que también abren el camino a la exploración sonora libre y creativa en otros géneros constituyendo un valioso auxiliar de la composición musical. En este curso se comprenderá el desarrollo de las ideas armónicas desde que Claudio Monteverdi introdujo en el siglo XVII el acorde de cuatro sonidos (acorde dominante con séptima) hasta el uso deliberado y libre de acordes de séptima sobre cualquier grado de la escala. Las técnicas que se enseñan a lo largo del curso fueron aportaciones de diversos músicos y compositores en el campo de la armonía, de la improvisación y del arreglo. Así, por ejemplo, los músicos de Dixieland usaron acordes de tres sonidos (tríadas) hasta 1920. A partir de 1934, con el desarrollo de las grandes bandas de Benny Goodman y Duke Ellington, el sistema de acordes de cuatro sonidos (acordes de séptima), con el uso extensivo de novenas, oncenas y trecenas, se convirtió finalmente en el lenguaje caractéristico del jazz. Otro aspecto importante de nuestro curso es la improvisacón, cuyo uso era común durante el renacimento y barroco en la música occidental, pero que fué decayendo hasta quedar casi olvidado. Alrededor de 1900 surgió nuevamente la improvisación, a partir del jazz, que funde en un único lenguaje la rítmica africana con la armonía europea. La teoria musical de todas las épocas se convierte en el recurso vital para el improvisador de jazz quien hace uso de las escalas griegas, las escalas pentatónicas, la escala disminuída, la escala de tonos enteros o la escala de blues, que ofrece armónias modernas como los acordes de cuartas y los clusters. Por último, el curso aborda las técnicas de arreglo pianístico más usadas en la actualidad como el bajo simple (swing bass), los acordes quebrados, el "walking bass", la técnica de ejes, etc. Las técnicas de improvisación melódica se complementan con las técnicas de rearmonización y arreglo que permiten al músico enriquecer sus melodías con el uso de acordes más adecuados e interesantes que los propuestos en las partituras comerciales con cifrado americano (del tipo CMaj7, Dm, G7, etc). Este curso proveerá permanentemente melodías "standards" que serán rearmonizadas con las técnicas aquí estudiadas. La armonía no consiste en solamente aprender muchos acordes, sino, algo más importante, en aprender como enlazar un acorde con otro creando estructuras lógicas (progresiones armónicas) y, sobre todo, comprendiendo la función que cada acorde tiene dentro de la pieza musical. Por tal motivo, este curso utiliza la nomenclatura propuesta por John Mehegan (1916-1984) quien ha sido, a mi juicio, el más acertado pedagogo de la improvisación de jazz.