Art Club 21

❗️Друзья, спешим сообщить, что к сожалению, сегодняшняя лекция о Секретах Фаберже отменяется по техническим причинам❗️

#

Знаете ли вы, что Британская коллекция изделий Фаберже является одной из самых больших в мире?

В коллекции британской королевской семьи есть три императорских пасхальных яйца Фаберже: «Колоннада», «Корзина цветов» и «Мозаика». Цветочная корзинка – самый известный шедевр в этой тройке. Миниатюрный букетик цветов невероятно реалистичен. 🤗

Кроме легендарных яиц, в ней есть несколько сотен ювелирных шедевров: шкатулки, рамки, фигурки животных и личные украшения членов Императорских домов России, Великобритании и Дании. Несмотря на размер британской коллекции, это лишь малая часть из 200 000 ювелирных изделий, выпущенных ювелирным домом Фаберже.

👉✨Об этих и других сокровищах мы расскажем уже 17 мая на нашей нашей лекции. Билеты доступны на нашем сайте, количество мест ограничено, поэтому торопитесь!😉✨

Ювелир или торговец?🤔 что такое популярность? И чем Фаберже отличается от Тиффани?🤓

Буквально перед началом октябрьского переворота ювелирный дом Фаберже достиг таких высот, что за сувениром к ним приезжали даже из далекой Америки, а численность рабочих перевалила за 500 человек.

Завидная популярность была в большей степени обусловлена удачно занятой нишей. С лейблом Фаберже изготавливались товары, которые пользовались широким спросом, это были рамки для фото, ручки для зонтов, часы, звонки, письменные принадлежности и прочие ценные в быту вещи.

Кроме того, что выпускаемая продукция легко узнавалась только лишь по одному виду, каждая вещь подчеркивала высокий статус своего владельца. Интересно, но их ценность была высокой не за счет бриллиантов и золота, напротив, иногда вещь могла быть выполнена только из дерева, а благодаря аккуратности и элегантности исполнения, в этом деле Фаберже были на высоте.

Сам Карл Фаберже, сравнивая свое дело с не менее популярным брендом Тиффани, признавал, что у последних есть более ценные и дорогие вещи по стоимости, но в то же время он называл их не ювелирами, к коим причислял себя и свою команду, а простыми торговцами. Он считал, что вещь не достойна внимания, если ее цена сложена исключительно из дорогих камней и металлов, для шедевра нужно большее. ❓А что думаете вы❓

Знаете ли вы, что на изготовление одного яйца Фаберже мог потратить целый год? Да, да! Но результат его работы всегда был потрясающим.

Он неукоснительно придерживался трех правил:
✅у изделия должна быть форма яйца

✅внутри обязательно нахождение сюрприза

✅полное табу на повторы.

Поэтому каждое яйцо — настоящий венец творения, который имеет свою историю и заслуживает отдельного внимания.

Чего только стоит карета из пасхального яйца — несмотря на миниатюрные размеры и мизерные детали, каждая из последних была действующей: двери открывались, ручки двигались, а корпус качался на шасси. Поговаривают, когда Николай II увидел эту красоту, он радовался как дитя, хлопая в ладоши.

Интересные факты о самых известных яйцах Фаберже, а так же каким образом Карл конкурировал с Тиффани читайте в нашем следующем посте.

А все самое интересное вас ждёт на нашей лекции 17 мая! 😉 До встречи!

Билеты здесь👉 https://www.artclub21.com/events/sekrety-velikogo-faberzhe-olga-melikyan

Дорогие друзья! Поздравляем с праздником великой победы!!!

В такой торжественный и важный день расскажем историю самого известного военного снимка «Знамя победы» Евгения Халдея, ставшего в Советском Союзе стал символом победы. Однако мало кто помнит, что на самом деле фотография была постановочной — автор сделал снимок лишь на следующий день после реального водружения флага.👆 В Берлине фотограф оказался по заданию редакции. С собой в вещмешке он привёз три красных знамени, которые для него сшил знакомый портной. Ткань для них, согласно одной версии, Халдей «позаимствовал» в столовой «Фотохроник ТАСС», по другой легенде — выпросил в месткоме. Первое знамя корреспондент установил на крыше аэродрома «Темпельгоф», второе возле колесницы на Бранденбургских воротах, а вот третье и «украсило» Рейхстаг. Правда, к тому времени красноармейцы уже взяли Берлин и водрузили знамя — но Халдей тот исторический момент не запечатлел. Тогда он решил снять несколько постановочных репортажных фото.

Оказавшись у Рейхстага, Евгений Халдей попросил первых же солдат, которых встретил, помочь ему: забраться на Рейхстаг, установить знамя с серпом и молотом и немного попозировать. Те согласились, фотограф нашёл выигрышный ракурс и отснял две кассеты. Его персонажами стали бойцы 8-й гвардейской армии: Алексей Ковалёв (устанавливает знамя), а также Абдулхаким Исмаилов и Леонид Горичев.

Ещё раз с праздником, друзья! И от всех души поздравляем ветеранов, благодарим их за подвиг и желаем крепкого здоровья!!!

Ну что, друзья! Как и обещали, выкладываем фото из серии «очевидное-невероятное в современном искусстве или кто у кого заимствовал идеи спустя 40 лет» 🙈

Как вы уже знаете, первую абстрактную работу с вертикальной полосой сделала российская художница Ольга Розанова — в 1917 году была создана её «Зелёная полоса». Однако она была неизвестна большинству западных специалистов, поэтому спустя 40 лет подобные работы прославили американского абстракциониста Барнетта Ньюмена, а точнее его картину «Onement I» 1948 года.

Он, как и Розанова, пошёл дальше Малевича и создал работу, у которой нет границ, — картина как бы является фрагментом большого произведения, у которого нет фона и изображённого объекта.

Ньюмен разделял интерес других абстрактных экспрессионистов к древним мифам и примитивному искусству. Разделяющая линия на картине, которую потом называли «молнией», стала «визитной карточкой» художника. Несмотря на скромный размер картины «Onement I» (69х41 см.), Ньюмен считал её своим творческим достижением, так как изобрёл новый метод, который удивлял зрителя и трогал его эмоционально, потому что художнику удалось преодолеть ограничения внутри картин.

Что скажете, друзья, кто все-таки был новатором?😉

Друзья, мы все знаем, что величайшее и в тоже время противоречивое произведение современного искусства- Чёрный Квадрат Малевича. 🤓 Но знаете ли вы, что есть произведение, по значению сравнимое с чёрным квадратом, а может даже и превосходящее его? 👆

«Зеленая полоса» - картина Ольги Розановой 1917 года; одно из самых известных полотен русского авангарда, шедевр беспредметной живописи XX века. Значение «Зелёной полосы» для мирового авангарда сопоставимо со значением «Чёрного квадрата», но в отличие от картины Малевича «Зелёная полоса» пережила вместе со своим автором почти полное забвение, продолжавшееся до 1970-х годов. Картина написана Розановой незадолго до ранней внезапной смерти, в период перехода от супрематизма к цветописи.

Полотно вышло за пределы не только супрематизма, но всех существовавших на тот момент направлений авангарда, предвосхитив развитие абстрактного искусства на несколько десятилетий.

🎨А завтра мы расскажем об американском художнике, который вероятно «скопировал🙈» идеи Розановой. Да, да! В искусстве и не такое бывает!😉 #лекциипоискусству

Дорогие друзья!✨ В Art Club 21 завершился авторский курс , посвящённый 4м величайшим произведениям искусства XX века. Надеемся, что вам понравилось🤗

В мае мы подготовили для вас обширную программу лекций по искусству, ювелирному мастерству и декоративно прикладному искусству, а так же запуск нового курса для детей и взрослых!👼 следите за нашим расписанием!

🌿А пока мы предлагаем насладиться яркой майской зеленью на прогулках в городе и в произведении И. Левитана «Первая зелень. Май» на фото. 🌿 Писал Левитан только лишь 20 лет, но за эти годы он создал больше, чем все остальные пейзажисты России вместе взятые, создал «пейзаж настроения», вдохнул жизнь, глубину эмоционального состояния человека в изображение русской природы. 👆 #левитан #лекциипоискусству

Друзья! 🤗
Напоминаем, что лекция о Дюшане состоится уже завтра, 3 мая в 19.00.
Ну а пока, раз с ранними работами Дюшана мы уже познакомились, покажем вам пусть менее известный ready-made чем Фонтан, но зато самый первый в истории искусства👆

«Велосипедное колесо». Париж, 1913.

«Это мой первый «редимейд», который даже и не назывался «редимейдом». Видеть, как это колесо крутится, было очень приятно, это успокаивало, приносило умиротворение, это давало прорыв в нечто иное, далекое от повседневной жизни. Мне нравилась идея, что у меня в мастерской есть велосипедное колесо. Я любил смотреть на него, как я люблю смотреть на огонь, пылающий в камине».
«Можно предполагать, что я с радостью принял идею движения колеса в качестве противоядия от привычного движения индивидуума вокруг предмета, который он рассматривает».

Ну и конечно как Дюшан мог обойтись без юмора над всеми нами:
«Это была просто игрушка. Значение она приобрела намного позже, когда люди открыли ее, и им показалось, что о ней можно сказать что-нибудь интересное».😉

Ну а что было дальше и к каким последствиям в искусстве привели задумки и шутки Дюшана, вы узнаете завтра из нашей лекции! Ждём вас в Art Club 21!

Друзья, поздравляем вас с праздником весны и труда💐💐💐
Всех любителей искусства, кто 3 числа уже вернётся из заслуженного отпуска, мы ждём в на нашу лекцию в Art Club 21.

А пока продолжим наше путешествие по творчеству Марселя Дюшана, открывая его малоизвестные стороны.

Сегодня расскажем о кубистической манере творчества Дюшана. На фото самая известная картина этого периода «Обнаженная, спускающаяся по лестнице».

Видите ли вы в ней обнаженную? А движение?🤓

На самом деле задумка Дюшана уже здесь очень остроумна и необычна. Дюшан писал: «В этой окончательной версии «Обнаженной», написанной в январе 1912 г., сконцентрировалось все, что меня интересовало в то время, в частности, кино...»

А теперь представьте себе кадры кинофильма или лучше рисунки для мультфильмов.🎬 «Колорит этой картины выдержан в суровых коричневато-бежевых тонах дерева. Анатомическое обнаженное тело отсутствует или, по крайней мере, невидимо, так как я совершенно отказался от внешнего натурализма, оставив только около двадцати разных статических позиций👆, которые тело принимает при спуске по лестнице».

Теперь нашли обнаженную?😉

Все мы знаем Марселя Дюшана как главного провокатора ХХ века. До сих пор его произведения ставятся под вопрос: “Можно ли ЭТО называть искусством?!»

Но мало кто знает, что Дюшан начал рисовать с 1902 г., и сначала это были пейзажи в импрессионистическом духе, потом – портреты. И как это часто было с мастерами XX века, без влияния Сезанна не обошлось. Представляем вам малоизвестного Дюшана, который все-таки умел рисовать😉🙈.

🎨На фото его работа «Портрет отца»🎨
Марсель Дюшан вспоминал: «В 1909 и 1910 годах я открыл для себя Сезанна, который был тогда практически неизвестен. Я написал этот портрет в 1910 г., и он хорошо иллюстрирует мой культ Сезанна, а также и мою любовь к отцу». Подробнее об этом интересном художнике, до сих пор будоражащем умы любителей искусства ❗️3 мая в 19.00 с Марией Березанской❗️.

Знаете ли вы, что общего у лидера абстрактного экспрессионизма Джексона Поллока и североамериканских индейцев?😎

Оказывается, свою технику «льющейся краски» художник вполне мог позаимствовать у коренных жителей материка. В 40-е годы Поллок видел экспозицию песчаной живописи индейцев навахо в Музее современного искусства. К тому же он много путешествовал по западу США и, возможно, даже мог созерцать этот традиционный ритуал. Жрецы высыпают на землю тонкие струйки цветного песка, образующие изображения божеств и сакральные символы.

Такой, казалось бы, нехитрый метод требует большой точности движений. Подобным образом созданы и поллоковские беспредметные картины, только вместо песка он использовал краску, в которую часто добавлял песок и битое стекло. Кстати, творить мастер предпочитал на полу, как бы «танцуя» вокруг полотна.☝

И хотя Поллока упрекали в случайности его произведений, он настаивал: каждый взмах руки осознан, а «капли» упорядочены, как и линии из песка у навахо…