Letras Alemanas FFyL-UNAM

Esta noche queremos compartir con ustedes el poema "Lied vom Kindsein" (Canción de la niñéz) de Peter Handke, el cual aparece en la película "Himmel über Berlin" de Wim Wenders.

Cuando el niño era niño,
andaba con los brazos colgando,
quería que el arroyo fuera un río,
que el río fuera un torrente,
y este charco el mar.

Cuando el niño era niño,
no sabía que era niño,
para él todo estaba animado,
y todas las almas eran una.

Cuando el niño era niño,
no tenía opinión sobre nada,
no tenía ningún hábito,
frecuentemente se sentaba en cuclillas,
y echaba a correr de pronto,
tenía un remolino en el pelo
y no ponía caras cuando lo fotografiaban.

Cuando el niño era niño
era el tiempo de preguntas como:
¿Por qué yo soy yo y no soy vos?
¿Por qué estoy aquí y por qué no allá?
¿Cuándo empezó el tiempo y dónde termina el espacio?
¿Acaso la vida bajo el sol es tan solo un sueño?
Lo que veo oigo y huelo,
¿no es sólo la apariencia de un mundo frente al mundo?
¿Existe de verdad el mal
y gente que en verdad es mala?
¿Cómo es posible que yo, el que yo soy,
no fuera antes de existir;
y que un día yo, el que yo soy,
ya no seré más éste que soy?

Cuando el niño era niño,
no podía tragar las espinacas, los porotos,
el arroz con leche y el coliflor.
Ahora lo come todo y no por obligación.

Cuando el niño era niño,
despertó una vez en una cama extraña,
y ahora lo hace una y otra vez.
Muchas personas le parecían bellas,
y ahora, con suerte, solo en ocasiones.
Imaginaba claramente un paraíso
y ahora apenas puede intuirlo.
Nada podía pensar de la nada,
y ahora se estremece ante a ella.

Cuando el niño era niño,
jugaba abstraído,
y ahora se concentra en cosas como antes
sólo cuando esas cosas son su trabajo.

Cuando el niño era niño,
como alimento le bastaba una manzana y pan
y hoy sigue siendo así.

Cuando el niño era niño,
las moras le caían en la mano como sólo caen las moras
y aún sigue siendo así.
Las nueces frescas le eran ásperas en la lengua
y aún sigue siendo así.
En cada montaña ansiaba
la montaña más alta
y en cada ciudad ansiaba
una ciudad aún mayor
y aún sigue siendo así.
En la copa de un árbol cortaba las cerezas emocionado
como aún lo sigue estando.
Era tímido ante los extraños
y aún lo sigue siendo.
Esperaba la primera nieve
y aún la sigue esperando.

Cuando el niño era niño,
tiraba una vara como lanza contra un árbol,
y ésta aún sigue ahí, vibrando.

Esta noche queremos compartirles el trailer y algunas imágenes de "Alicia en las ciudades" (Alice in den Städten) de director Wim Wenders del año 1974.

En la película se hace una reflexión sobre la inmovilidad de las fotografías frente al transcurrir de la vida. Los paisajes tan variados que aparecen en él (desde las urbes modernas de Estados Unidos hasta los paisajes obreros de la cuenca del Ruhr) son de gran importancia dentro de la historia, ya que en torno a ellos gira el desarrollo de los dos personajes principales y de su relación. La música tiene, como es usual en los trabajos de Wenders, un papel vital en el filme, (la banda sonora es compuesta en gran parte por la banda alemana Can, además de la aparición de Chuck Berry dando un concierto).

“Alicia en las ciudades” es además una bella, sencilla y emotiva historia de amistad entre un hombre y una niña, en la que cada uno, a su modo, busca su sitio en el mundo. Gracias al incuestionable talento del operador Robby Muller y a la mirada de Wenders, el primero, con su cámara, convierte los paisajes alemanes en una fascinante película, cuya noción de tiempo y desplazamiento se une a otros trabajos del cineasta teutón, como Falso movimiento (Falsche bewegung, 1975), El miedo del portero al penalti (Die angst des tormanns beim elfmeter, 1972) y, sobre todo, En el curso del tiempo (Im lauf der Zeit, 1975).

https://www.youtube.com/watch?v=qz1aEHPvHNw

Paisaje con demostración de la existencia de dios, Marion Poschmann

Ejercicio del ciervo, Marion Poschmann

Stilleben mit Fisch und Milch
Marion Poschmann

der Spiegel von matten Fingerspuren
bepudert: die Augen mit Fernsehschnee
belegt, darunter das Grau
weicher Bleistifte eingegraben:
so brach der Abend herein,
langten eiserne Gabeln
nach den Gläsern im Schrank –
ich hatte im Nachthemd
die Haare begradigt,
ich sah die wenigen Zimmerpfade
entlang, eine abgeschmackte
Traurigkeit oder Sturzbecher Lampe;
so kamst du von hinten mit schweren
Fingernägeln, die dir die Arme
nach unten zogen – du tratest mit rohen Füßen
zwischen die kratzigen Strähnen am Boden;
kauertest dein Gesicht neben meines;
zeigtest auf Blößen im Spiegel, die
Ängste vor hohlen Tönen;
als sei langes Wachen
die wachsende Fähigkeit, während wir uns automatisch
beschrieben, ein Augentrichter

Esta noche queremos compartirles un poema de Marion Poschmann, escritora nacida en Essen en el año de 1969. Estudió filología germana y eslava y filosofía en Bonn y Berlín, donde radica. Escribe novela, relatos y poemas. Ha recibido diversos estímulos de poesía, y ha sido reconocida con el premio de fomento a la literatura de la ciudad de Magdeburgo, así como con el reconocido Premio Peter Huchel en 2011.
En sus poemas desarrolla una tesitura intimista, con una cuidadosa elección de su vocabulario para retratar de una manera velada y sugerente instantáneas íntimas eróticas. Esperamos que lo disfruten :)

Schöne Madonna

ihr von Lichtpartikeln überschneites
wie mit Rauhreif übersprühtes
ihr schockgefrostetes Spiegelbild: bodyform
und eine Wanne voll Waschblau, so habe
sie sich gesehen, mit Nixenfüßen
durch Röhrenjeans schwimmend
die Wäsche am eigenen Leibe getrocknet
den Gipfel der Fische erreicht,
die vollendeten Markenzeichen
schmeichelnde Schuppen, ein Schutzblech
gegen den Dreck der Alltäglichkeit

sie könne ihr Nasenbluten
in Kürze als make-up verkaufen,
sie bade in einer genaues
Reklame von damals,
so habe sie sich gesehen, die ringenden Finger, die
etwas zu halten suchten, sie sah sich
die eigene Finger verschlingen,
die Luft durch die Zähne ziehen, und mitten
ins Neonlicht lächeln: das innere Strahlen
von Engeln Gespenstern nachahmend,
sah sich mit leichter Bestürzung
ein Badelaken entfalten, das dich betraf,
sah sich die üblichen magischen Mittel verwenden,
die alten Begabungen testen, das Fressen von Wachskerzen
Wolken und Wintergrün

Letzter Mensch - Volker Sielaff

Der letzte Mensch wird nicht gefunden werden,
nicht unter Reisig, nicht unterm Grün des Regenwaldes,
vergeblich wird die Kamera draufhalten, er ist schon
fort, sein Blasrohr im Museum, sein Lendenschurz, seine
Unschuldsmiene unter Glas.

Hier ist er, frühes einundzwanzigstes Jahrhundert, entkräftet, erschöpft.
Wessen Schuld? Glänzende Töpfe, Pfannen, blanke Messer
lockten ihn. Fürsorge brachte ihn um.

Er war eher aus Holz geschnitzt als aus Metall. Pfeile
spitzte er mit Zähnen wilder Tiere, Obst stahl er.
Er kannte kein Eigentum, nur das Unterwegssein.
Er fällte Bäume, um ans Obst zu kommen.
Mit ihren Schrotflinten schossen sie auf ihn.
Die Windpocken brachten ihn um. Die Tuberkulose.

Ein Halsabschneider könnte Legenden spinnen:
Eines Tages kam er mit seiner Horde, blanke Brüste
die Frauen, Kriegsputz die Männer. Nahm,
was wir ihm gaben, unsere Unterwäsche, unsere
Einsamkeiten. Er nahm alles, liess alles zu, so
überspringt er Jahrtausende im Nu.

In seinem Innern baute er weiter Palmhütten, darin
er sich mit unseren Radios, unseren Notfallplänen versteckte.
Hinab in eine noch tiefere Einsamkeit.
Er wird nirgendwo gefunden werden. Er erlegt uns
im Traum, im Traum schreitet er, donnernd, über uns hinweg.
Unsere Weltempfänger glühen,
Rolltreppe, Terminal, Flatrate,
was kann brennen ohne ihn,
der nicht gefunden werden wird?

Esta tarde queremos compartirles un poema de Volker Sielaff, Volker Sielaff
nacido en 1966 en la región de Lausacia, en la frontera de Alemania con Polonia y Checia, la cual es habitada por una minoría étnica autóctona. Volker Sielaff trabaja como escritor independiente en Dresde. Desde 1990 ha publicado poemas, ensayos y crítica literaria en diversas publicaciones, y en 2003 apareció su poemario Postkarte an Nefretete [Postal a Nefertiti], que le valió el Premio Lessing de Estímulo a la Literatura. En 2011 publicó Selbstporträt mit Zwerg [Autorretrato con enano]. Sus poemas han sido traducidos a diez idiomas.

Ojalá lo disfruten :)

Nos comparten esta invitación a colaborar con el portalweb savinarte, si alguien está interesado en la imagen tienen toda la información, anímense 😊

Monika Rinck, Charco.

Esta noche queremos compartirles otro poema de Monika Rinck, Im Irrtum o de la traducción de Johanna Schwering, Errados. Ojalá les guste.

El día de hoy queremos compartirles un poema de Monika Rinck. Escritora alemana nacida en Zweibrücken en el año de 1969. Estudió historia de las religiones y literaturas comparadas en Bochum, Berlín y Yale. Autora de poesía, prosa y ensayos, trabaja como traductora. Entre otros reconocimientos ha obtenido el Premio Ernst Meister, el Premio Peter Huchel, y en 2015 el Premio Kleist. Su manejo del lenguaje se caracteriza por un ágil manejo de la ironía y por un gusto por intercalar alusiones a la cultura popular, las ciencias y la alta cultura.

El día de hoy tenemos el gusto de compartirles un poema de Ingeborg Bachman que parece un ritual. Ojalá les guste.

Para esta noche traemos una recomendación cinematográfica:

Gegen die Wand (Contra la pared), 2004, Fatih Akin. La película gira en torno al desarrollo de la relación entre sus dos protagonistas turcoalemanes, Cahit Tomruk, un cuarentón que intenta suicidarse –fallidamente- en una noche de excesos y estrellando su auto contra una pared, y Sibel Güner, una joven de comportamiento problemático que busca emanciparse de su conservadora familia. Los personajes se conocen en un psiquiátrico poco después del intento de suicidio de Cahit. En él, Sibel le propone un matrimonio arreglado que evoluciona en una relación enfermiza y destructiva.

El controvertido filme recibió varios premios como mejor film en el Festival Internacional de Cine de Berlín en el año 2004, así como el premio de mejor película en la 17 edición de los Premios del Cine Europeo del mismo año.

Pretendíamos compartir un enlace para ver la película en línea pero facebook no lo permite, aunque si les interesa verla es muy fácil de encontrar :)

Reactivamos la página con un artículo drecto del teclado de la administradora de la página, allá por Agosto en estos tiempos covidianos. Intentaremos -nuevamente- mantenernos constantes con el contenido :)

Ojalá les guste la notita y cualquier comentario ya saben qué hacer, buena noche!
http://pov.com.mx/historia-incompleta-de-la-neue-deutsche-welle-y-la-contracultura-en-alemania-occidental/

Historia incompleta de la “Neue Deutsche Welle” y la contracultura en Alemania Occidental. - POV Historia incompleta de la “Neue Deutsche Welle” y la contracultura en Alemania Occidental. Historia incompleta de la “Neue Deutsche Welle” y la contracultura en Alemania Occidental. By Leilani Zenteno in Música 13 agosto, 2020 Diletantes Geniales: la vuelta de hoja al krautrock. El nacimien...

Can

Reconocidas como una de las bandas más vanguardistas de los años setenta, sus influencias fueron por senderos mucho más complejos debido a que sus integrantes tenían una formación musical más orientada a la música “clásica” contemporánea –incluso Irmin Schmidt y Holger Czukay, miembros de la banda, esfueron estudiantes del compositor alemán Karlheinz Stockhausen-. El resultado de esto fue que su trabajo, lleno de sintetizadores, experimentación sonora y técnicas de vanguardia como el cut-and-paste era mucho más “serio e inaccesible” a oídos no acostumbrados. La alineación fluctuó a lo largo de su carrera, pero los miembros fijos fueron el tecladista Irmin Schmidt, el baterista Jaki Leibezeit, el guitarrista Michael Karoli y el bajista Holger Czukay.

El disco debut de Can fue el Monster Movie, en 1969. Éste fue el único en el que el estadounidense Malcolm Mooney cantó todos los temas. Monster Movie es conocido por su sonido monótono y repetitivo. En el siguiente álbum, Soundtracks, de 1970 incursiona el que sería por un par de años vocalista fijo de la banda, Kenji “Damo” Suzuki. Malcolm colaboró aún en dos temas pero tuvo que abandonar el grupo por recomendación de su psiquiatra. A este álbum siguió el Tago Mago en 1971, el cual es catalogado como su mejor y más extremo trabajo en cuanto a experimentación, estructura y sonido. En 1972 graban el Ege Bamyasi y al año siguiente el Future Days. Tras la grabación de este álbum Suzuki deja la banda y es sustituido por Karoli y Schmidt.

En 1974 aparece el Soon Over Babaluma, donde can regresa a su sonido espeso y complicado y continúan con el ambient que había empezado a aflorar en el disco anterior. En 1976 sus álbumes Landed de 1975 Flow Motion de 1976 se inclinaron por un sonido más convencional y comercial, lo que los llevó incluso a aparecer en Top of the Pops. En su última etapa incursionaron el bajista Rosko Gee de Traffic y el percusionista Rebop Kwaku Baah, con quienes grabaron los álbumes Saw Delight en 1977, Out of Reach en 1978 y Can en 1979. A la par de la entrada de estos nuevos dos miembros, Holger Czukay abandona la alineación.

Tras la separación definitiva de la banda, los elementos continuaron con sus carreras en solitario y se reunieron en distintos proyectos en más de una ocasión. Al día de hoy Can es para varias generaciones de músicos, incluyendo a la suya propia, una de las bandas más influyentes que dio el Krautrock.

A continuación les dejamos una selección de tracks de la banda por si les interesa escucharlos :)

Yoo doo right, Monster Movie
https://www.youtube.com/watch?v=gPXkIWYYVfQ&t=283s

She brings the rain, Soundtracks
https://www.youtube.com/watch?v=5AL1siDuLI0

Paperhouse, Tago Mago
https://www.youtube.com/watch?v=Nzry1jz2-oA

Come Sta, la Luna – Soon over Babaluma
https://www.youtube.com/watch?v=USsGgVzxpjk

Harmonia, Musik Von Harmonia, 1975

Harmonia - Musik Von Harmonia (full album) 01 "Watussi" 00:00 02 "Sehr Kosmisch" 06:05 03 "Sonnenschein" 16:59 04 "Dino" 20:58 05 "Ohrwurm" 24:28 06 "Ahoi!" 29:37 07 "Veterano" 34:50 08 "Hausmusik" 38:48

Flammende Herzen, Michael Rother, 1976

Michael Rother : Flammende Herzen 1976 (Full Album) Album : Flammende Herzen 1976 (LP Rip) Genre : Electronic...Kraut 01.Flammende Herzen 02.Zyklodrom 03.Karussel 04.Feuerland 05.Zeni

Neu!

La primera banda de la que hablaremos esta semana es Neu. Fue formada por el baterista Klaus Dinger y el guitarrista Michael Rother después de que ambos abandonaran Kraftwerk en 1971. A ellos se atribuye la creación del “motorik”, ritmo minimalista y repetitivo muy asociado a la escena Krautrock. Su discografía consta de tres trabajos producidos por Conny Plank -productor muy importante para la escena musical alemana de aquellos años-: Neu! 1 (1972), Neu! 2 (1973) y Neu! 75 (1975). Tras la grabación de éste tercer material la banda se separó debido a que Dinger y Rother tenían muchas complicaciones para tratar él uno con el otro. Posteriormente, se reunieron a mediados de los ochentas para producir otro álbum, el Neu! 86, o 4, el cual fue editado hasta 10 años después de manera “semi-oficial” por la disquera japonesa Captain Trip. Éste álbum no tuvo buena recepción por los críticos ni por los mismos fans del dúo.

A partir de la separación de Neu! En 1975, ambos músicos comenzaron a trabajar en otros proyectos por cuenta propia: Michael Rother se juntó con el dúo Cluster, con quienes formaron Harmonia. Este proyecto produjo dos materiales, Musik von Harmonia y Deluxe, ambos en 1975. Trabajó también en algunas sesiones con el músico británico Brian Eno y grabó tres álbumes bajo la producción de Conny Plank: Flammende Herzen de 1977, Sterntaler en 1978 y Katzenmusik en 1979.

Por su parte, Klaus Dinger se juntó con su hermano Thomas y con Hans Lampe, formando La Düsseldorf, proyecto del que vieron luz tres álbumes: La Düsseldorf en 1976, Viva en 1978 e Individuellos en 1981.

Neu nunca pudo volver a reunirse debido a que los problemas entre los dos músicos resultaron bastante difíciles de superar para ambos, salvo en el 2001, año en que se juntaron para reeditar sus 3 álbumes en CD, tras lo cual volvieron a distanciars. Klaus Dinger murió por una falla en el corazón en el 2008, Michael Rother sigue activo hasta la actualidad.

Aquí algunos tracks a recomendados con links para escucharlos:

Hallogallo - Neu!
https://www.youtube.com/watch?v=irNQ4LbSgwU

Lieber Honig - Neu!
https://www.youtube.com/watch?v=irNQ4LbSgwU

Für Immer - Neu! 2
https://www.youtube.com/watch?v=V85AjBFDmbI

Hero - Neu! 75
https://www.youtube.com/watch?v=hbfVXCWz9jY

Esta semana queremos cambiar un poco la dirección de la página y enfocarnos en algo distinto a lo que hemos venido manejando las últimas semanas, partiendo de que la idea de que cultura no es sólo alta cultura. Queremos revisar un momento innegablemente importante para la historia de la música alemana y del mundo, por lo que dedicaremos esta semana al Krautrock. Si no sabes lo que es, redactamos un texto en el que intentamos aclararlo un poco:

Krautrock es el nombre que se le asignó el medio británico “Melody Maker” a la música de bandas alemanas que comenzaba a ser escuchada en Reino Unido en la década de los setenta, esto con toda la intención peyorativa que se puedan imaginar, tomando en cuenta el clima político de aquellos años: en Reino Unido aún existía bastante del rencor que se generó a partir de la segunda guerra mundial hacia los alemanes, y el término “Kraut” (que en español quiere decir col, haciendo referencia al muy tradicional platillo sauerkraut, col agria o chucrut en español) se comenzó a usar porque a los alemanes se les llamaba “krauts” a modo de burla.

Algunas de las bandas del movimiento –arriesgándome a unificarlo, ya que es una manifestación cultural amplísima y muy compleja- tomaron la etiqueta mejor que otras, algunas hasta se reapropiaron de ella y la recibieron con humor. Lo que es innegable es que éste es el nombre con el cual hoy en día reconocemos a la escena musical alemana que nos dio tanto desde que nació a finales de los sesenta.

Para dar un contexto breve, los jóvenes que comenzaron con ella pasaron sus infancias dentro del panorama de la pos-guerra alemana: un país partido a la mitad, jugando entre los escombros, dificultades económicas y reconstrucción industrial y la Guerra Fría -que en Alemania estaba pegando singularmente fuerte-. Otras de las situaciones socio-políticas que impactaron fueron, por nombrar algunas, el as*****to de Benno Ohnesorg, estudiante universitario el cual el 2 de Junio de 1967 recibió el impacto de la bala de un policía en una manifestación en contra de la visita del shah de Irán, Mohammed Reza Pahlavi afuera de la Ópera Alemana de Berlín. Su muerte se convirtió en un símbolo para las revueltas subsecuentes en Alemania Occidental y él en un mártir político; también la situación de las comunas en el país, sobre todo la famosa Kommune 1, y la RAF (Rote Armee Fraktion), grupo terrorista de corte anti-imperialista que tenía al país sumergido en el terror.

Estos fueron algunos de los elementos que nublaron el panorama y a la vez generaron el caldo de cultivo más propicio para la creación artística, el cual se complementó con la inconformidad general de no tener ninguna identidad realmente juvenil en Alemania, ya que la única música a la que tenían acceso los jóvenes eran los “schlagers” (el pop alemán de aquellos años) de dudosa calidad o el rock proveniente de países extranjeros. Empujados por esta necesidad, comenzaron a buscar generar algo que pudieran sentir más propio, más cercano a su realidad.

Todo esto puede ayudarnos a entender un poco que a mitad de los años sesenta, la juventud alemana que vivió a la deriva por dos décadas, se sintiera con tanta necesidad de expresar y de experimentar, de satisfacer ese apetito creativo, resultando en esa vertiente de rock distorsionado y experimental que hoy conocemos como Krautrock.

Aquí les dejamos también un enlace al documental de la BBC, "Krautrock - El renacimiento de Alemania", por si les queda curiosidad, y en el transcurso de la semana estaremos compartiendo algo de música a través de la página:

"Krautrock - The Rebirth of Germany" (2009) [English / Spanish / Italian /Portugese subs] BBC 4 From 1968 - 77 German bands like Neu!, Can, Faust, Tangerine Dream and Kraftwerk looked beyond US/UK rock 'n roll to create some of the most original and unc...

El día de hoy les compartimos el poema Todesfuge, o Fuga de muerte. Este poema fue escrito por Celan refiriéndose al decisivo y trágico momento de su vida en el que estuvo preso en un campo de trabajo durante la Segunda Guerra Mundial.

En el texto hay monotonía y repetición, que seguramente tienen que ver con el ritmo de vida que se llevaba en el encierro. Hay también elementos que se relacionan claramente con el nazismo y el arquetipo alemán ario: los cabellos rubios de la cabeza de Margarete, personaje de "Fausto" de Goethe en contraposición a la cabellera negra de Sulamita, figura femenina de origen hebréo que aparece en el texto bíblico, "El cantar de los cantares", entre otras cosas.

Aclaración: el poema es muy largo y tristemente por eso quedó muy pequeño en la imagen, pero si la descargan o hacen zoom se ve a la perfección :) ojalá eso no sea un gran inconveniente y lo puedan disfrutar.

Salmo es el poema que da título al libro publicado por Celan en 1963, Die Niemandsrose (La Rosa de Nadie). En los comentarios dejaremos un link para que puedan escuchar el poema leído por el autor.

Dos poemas que originalmente fueron incluidos en Der Sand aus den Urnen (1948), el primer libro publicado por Celan en una edición vienesa que más adelante desautorizaría para luego convertirlo en la sección que abre su poemario Amapola y memoria, de 1952.

Tübingen, Jänner, escrito durante la visita de Celan a Tubinga -donde Hölderlin pasó sus años finales de vida- en enero de 1961 y publicado dos años más tarde en su Die Niemandsrose.

De su primer poemario, La arena de las urnas (1948).

El día de hoy queremos compartir con ustedes un poco acerca de Paul Celan, de quien estaremos publicando algunos poemas en el transcurso de la semana.

Paul Celan fue un poeta rumano nacido en el seno de una familia judía en Chernovtsi, en el año de 1920. En su casa sentían un ferviente interés por los idiomas, razón por la cual él hablaba rumano, ruso, francés, hebreo, y –por empeño de su madre, Friederike Schrager- alemán, lengua en la que lo educó. Su familia cultivó también en él el estudio apasionado del Antiguo Testamento y el interés por la cultura europea y la lectura, lo que orilló al joven a estudiar literatura y lenguas románicas en la universidad. Estudió también medicina, interrumpiendo su carrera al estallar la II Guerra Mundial, lo cual lo obligó a volver a Rumania, donde fue condenado a realizar trabajos forzados. Sus padres, mientras tanto, morían en los campos de concentración: su padre de tifus, su madre de un tiro en la nuca. Él fue liberado en 1944 por el ejército ruso, tras lo cual comenzó a trabajar de traductor y editor en Bucarest y en Viena. En 1950 se licencio en Filología y Literatura en Paris, posteriormente obtuvo la nacionalidad francesa.

Su interés por la poesía nació durante su encierro en la Guerra, llegando a convertirse en uno de los más grandes poetas de lengua alemana, a pesar de ser ésta la que él reconocía como la lengua de sus verdugos. Aún con el éxito experimentado en su carrera literaria, el autor comenzó a sufrir severos cuadros de depresión en las mismas épocas en que se codeaba con personajes como Heidegger –esperando de él inútilmente algún gesto de arrepentimiento por sus simpatías hacia el nazismo-, Adorno e Ingeborg Bachmann, con la cual sostuvo un romance.

En 1960 obtuvo el premio Georg Büchner, y a partir de 1965 fue internado varias veces en un hospital psiquiátrico donde escribió varios textos en hebreo. La noche del 19 de abril de 1970 acabó con su vida arrojándose al río Sena en París, después de años de luchar contra su condición psiquiátrica.

Melancolía.

Fue hecho en 1514 y es considerada la obra más enigmática del artista. Hasta el día de hoy se han realizado diversas interpretaciones de la misma, sin haber llegado a ningún consenso con respecto a su significado verdadero. Algunas de las interpretaciones se centran en que el cuadro hace referencia a la figura del artista y al ensimismamiento y desesperación que siente al no lograr la obra de arte perfecta, mientras que otras la relacionan más bien con el ocultismo y la alquimia.

Lo cierto es que en esta obra encontramos muchas imágenes que se encuentran cargadas de simbolismo, comenzando con la figura de la mujer alada y coronada con laureles, la cual porta en su mano un compás, además de cargar en su costado unas llaves y una bolsa cuyo contenido se desconoce. Parece que se encuentra trazando algo debido a la forma con la que sostiene el compás. En su mirada se ve la duda, gesto que es acompañado con la posición de su cuerpo, la cual suele relacionarse con la meditación y la reflexión. A su lado, en la parte superior, podemos ver una figura infantil también alada con bastante similitud a cupido, la cual parece compartir el estado de ánimo de la mujer, así como un perro flaco que se encuentra enroscado en la parte inferior y que tampoco parece muy contento.

Tras la mujer alada pueden observarse un cuadro con números que al ser sumados de cualquier manera dan la cifra de 34. Alrededor del cuadro vemos una campana, un reloj de arena y una balanza, objetos que se asocian a la medición y al tiempo, así como con el dios Saturno. También aparece la imagen de una escalera, que se asocia con la obra inacabada o con el intento de alcanzar algo superior.

El infante alado está sentado sobre una rueda de molino, la cual se asocia con la transformación. Atrás de la construcción que se ve en la imagen hay un paisaje con una gran superficie acuosa y las orillas de una población. En el cielo aparece un sol resplandeciente y lo que parece ser un arcoíris, el cual representa la conexión del mundo terrenal con el espiritual. También se ve una especie de murciélago sosteniendo una placa con la inscripción “Melancolía I”.

El significado de esta palabra en la obra puede relacionarse al estado melancólico y contemplativo del artista, pero también a la teoría de los cuatro humores o substancias que componen el cuerpo humano, la cual fue desarrollada por Hipócrates. La melancolía era atribuida a la bilis negra, al otoño, la tierra, el frío y lo seco. Los otros tres humores eran sangre, bilis amarilla y flema.

Otro elemento interesante del cuadro es un objeto en el que hay algo cocinándose, el cual se encuentra relativamente oculto a la vista del espectador. Esta es una de las principales razones por las que el cuadro se relaciona con la alquimia. Para finalizar, hasta abajo del cuadro, a los pies de la mujer alada, se observan algunas herramientas de trabajo artesanal y una esfera.

Este grabado es uno de los más emblemáticos de la obra de Albrecht Dürer y es considerado como la culminación de su obra en cuanto a nivel estético y técnico. ¿Tú qué piensas de la obra?¿Conoces alguna interpretación o tienes alguna que quieras compartir?

Autorretratos

Durero fue uno de los primeros artistas en pintarse múltiples autorretratos en los que se puede ir apreciando una evolución física y estilística a través de los años.

El primero de estos data de 1484 cuando el pintor tenía la edad de 13 años. El segundo es de 1493, a sus 22 años. En él se retrata con una ramita de cardo entre las manos, la cual hace referencia a Cristo y su sufrimiento. Su aspecto sugiere una relativa pobreza económica que contrasta bastante con sus siguientes dos autorretratos.

El tercero fue pintado en el año de 1498 y es una de sus obras más reconocidas. En él se percibe la influencia de la escuela pictórica veneciana y lombarda del renacimiento. Durero se plasma como un noble joven de aspecto altivo, casi arrogante y en su atuendo se manifiesta una posición económica elevada. La intención fue la de enaltecerse a sí mismo para verse como algo más que un mero artesano, contradiciendo a la imagen que se tenía de los artistas en aquella época. A pesar de todo esto, su rostro no fue idealizado o arreglado, mientras que su cabello fue pintado con esmerado detalle, pudiendo distinguir en la imagen casi cada hebra como si se hubieran sido pintadas una por una.

Al fondo, bajo el marco de la ventana aparece una inscripción que dice, "1498. Lo pinté a mi propia imagen. Tengo 26 años."

El último de estos autorretratos es del año 1500, a sus 28 años de edad. En él aparece viendo de frente con una expresión seria, serena y con un rostro mucho más maduro, con un aspecto que asemeja una imagen de Jesucristo.

El día de hoy les compartimos la pintura realizada en el año 1504 de nombre "Adoración de los reyes magos".

En la pintura destacan los muchos elementos del renacimiento italiano, los cuales el pintor comenzó a incorporar poco a poco en sus obras tras haber viajado a aquel país para empaparse de las técnicas artísticas nuevas que comenzaban a surgir.

Esta obra fue realizada justo al regreso de su viaje a Venecia, por ello en la composición se distinguen claras influencias de la escuela veneciana, especialmente en los colores empleados y en las posturas corporales de los personajes.

También les compartimos los dos grabados del mismo tema, ambos del año 1511.